500 days of summer

500 días juntos, titulo con el cual nos llega la primera cinta de Marc Webb, se nos presenta como una comedia romántica que en realidad, podríamos vaticinar, dejara muy descontentos a aquellos que busquen en ella una comedia para reír o una historia de amor idílico para acurrucarse.

Lo que es en realidad es el recorrido de una relación entre dos personajes que encarnan uno (el de Tom) al espectador enamoradizo y dispuesto a fantasear con la mujer de sus sueños y otro el de una mujer real enamorada pero cotidiana que puede responder al romance pero que no se siente un personaje que deba su vida al fin del amor ideal. Así la relación nace como por dos causales para cada personaje, para el de Tom con una señal mística solo por el hecho de coincidir en gustos musicales y para el de ella sin mayores coincidencias que la atracción que llega a sentir. Es esta relación destinada al conflicto de la fantasía y la realidad la que nos traerá a la memoria las preguntas que en la vida real siempre nos hacemos y que olvidamos al digerir una historia de amor cinematográfico.

500 días juntos tiene el atractivo de dar un giro a estas formulas recurrentes, distorsionandola en si misma con los efectismos narrativos empalagosos del genero, enfrentandolos de una forma mas sincera a los conflictos de la relacion, olvidando la premisa del alma gemela, para observar de mas lejos todo el espectro de la aventura que es el amar, cuando el romance como felicidad llega a trasformarse en la infelicidad a través de un romance, gran merito de esta cinta que nos deja con la sensación de que también es parte del romance el sufrir, que el final de una historia de amor también puede ser una decepción, que tambien es bueno ser el perdedor.

500 dias juntos es un refrescante e impactante descanzo de las irreales, aunque divertidas, cintas de romance ligero, una cinta recomendable para aquel quiera recordar la realidad y reirse un poco de ella.

Watchmen

La adaptacion del comic watchmen me parece un interesante reflejo del trabajo de un director, en este caso Zack Zynder, como artifice de un proyecto, cuya formula ya le habia funcionado en 300, pero que habia sido, como Watchmen, una consecuencia de la vision con la que Robert Rodriguez adapto Sin City: copiar las viñetas del comic y enlazar las secuencias.

Pero a diferencia de Sin City que es un comic reflejo del cine negro, con elementos narrativos y visuales del mismo, Watchmen es muchas cosas a la vez, es una obra pensada para un medio especifico, el comic.

Watchmen (el comic) utiliza el tiempo de lectura a su favor, el poder pasar la paginas hacia adelante y hacia atras, la limitacion de las viñetas, el poder poner detalles multiples en una imagen, la separacion en 12 episodios, Watchmen (la pelicula) se hace cansina en su intento de narrar toda esta historia de multiple detalles y en su intento de calcarla consigue trasladar a la pantalla un ritmo que no es propio del cine, la narrativa compleja falla en un medio donde el hilo argumental debe llevar al desenlace, siendo watchmen es una historia con multiples historias que se inician, se enlazan y ocurren simultaneamente sin tener que ver una con la otra, la pelicula es la confirmacion de que el desafio no era en verdad un desafio sino una verdad irrefutable: Watchmen no se puede adapatar ni al cine, ni a la literatura, es una obra definida por un medio.

¿Por que entonces era necesario esta adaptacion?, no lo era, sin duda Watchmen es la cacheta mas sonora a la tendencia de adaptar comics al cine, el comic pensado para desafiar todo lo hecho en comics como forma de narrativa, es inadaptable.

The host

Lo interesante de Bong Joon-Ho, como muchos de los cineastas modernos esta en el alcance de sus influencias y en un estilo de hacer un collage de su cine, pero adoptando una mirada personal y en este caso bastante atractiva.

Bong Joon-Ho, diria yo, es el que mejor representa esa peculiaridad que el cine asiatico a logrado alcanzar, la de ser comercial y original al mismo tiempo, aceptando el cine de genero como una posibilidad para trasnmitir la cultura y el modo de vida de su pais, es casi como si se hubieran hecho la pregunta: ¿Que pasaria si los de la nave Nostromo fueramos coreanos, que clase de pelicula seria?

Pero el fenomeno no se detiene alli, aqui en el Peru recientemente tenemos la oportunidad de tener este film en cartelera, dos años despues de su estreno y resulta una experiencia energizante poderlo ver en pantalla gigante y tener la emocion de estar rodeado de las reacciones de muchos otros espectadores, lo que me hace notar el verdadero sentido del cine de Bong Joon-Ho.

La idiosincracia coreana funciona perfectamente en nuestro pais, lo que hace que el publico llegue a compenetrarse con la trama de una manera impactante, gracias a la identificacion con los personajes, cada broma, que pareciera inecesaria para la trama principal hace que cada vez mas y mas el publico acepte la pelicula como una expriencia propia, un fenomeno muy similar a lo que ocurria hace ya mucho tiempo con el cine de Charles Chaplin, la emociones son universales, la curiosidad tambien lo es, solo hay que saber por donde inyectarlos, el cine de Bong Joon-Ho mantiene esta pauta: hazlos reir, dales lo que quieren, muestra de donde vienes y que problemas te aquejan a diario.

Esperamos que Bong Joon-Ho no deje de usar este metodo, que no solo funciona, sino que tiene infinitas posibilidades e historias que contar.

Violent Cop

La primera escena de Violent Cop nos muestra a un grupo de niños golpeando a un vagabundo sin motivo alguno aparente, por simple diversion, enseñandonos asi como la violencia es inherente a las personas de cualquier edad y permanece impune en el anonimato.

Es en esta lucha contra la violencia del mundo y la vida que Kitano en su personaje de policia enfrenta a la fuerza con fuerza, ira con ira y no oculta sus motivaciones inflingiendo el castigo necesario a la altura del crimen. Takeshi Kitano nos relata un thriller policial fuera de lo comun, mas sencillo en argumento que otros que hayan visto, pero al mismo tiempo totalmente diferente, debido a los personajes que rodean a Azuma, en especial el de su hermana con retraso metal que escenifica el ultimo encaramiento que hace Azuma a la violencia de la vida.

A lo largo de la película podemos apreciar los rasgos que han hecho destacable el cine de Kitano como el ritmo pausado y su interesantes tomas lentas y angulos no comunes, su extraño humor negro y el realismo con el que presenta a sus heroes y una trama que no pierde el interes del publico y que va desencadenando en uno de los policiales nipones que no nos debemos perder.

Casino Royale

Decir James Bond, suena casi irrisorio, porque ya con mas de 20 peliculas y decadas de ver al espia britanico decir una y otra vez "My name is Bond...", toda la franquicia llevaba consigo un olor a parodia de si misma, que no tenia cabida en los tiempos donde el publico va masivamente a ver mas y mas heroes solitarios, asesinos y explosiones al cine, pero que ya no cree en invulnerabilidades, en tiempos donde todo parece cuestionarse y ser mas fragil.

Asi llega Casino Royale, la sacudida de cabeza mas inteligente que he visto hacer sobre una franquicia, todo un proceso minuscioso de grandes notas para traer a la vida a un nuevo James Bond, en todos los sentidos, partiendo de los creditos iniciales que nos traen a Chris Cornell cantando "You know my name", donde claramente podemos sentir el sabor de una pelicula mas reflexiva que todas las anteriores de la saga Bond.

La cancion nos grita: "tu no eres nada divino", "sobreponte tu solo, porque nadie esta tratando de salvarte", "la sangre mas fria corre por mis venas, tu sabes cual es mi nombre", asi es, ya sabiamos el nombre, esta pelicula nos trae mas a un ser humano comun, definitivamente no es gratuito que se desmitifiquen las chicas Bond, los villanos y la cualidad de Bond de permancer indiferente al dolor. Sin embargo las explosiones y las persecuciones habituales no son eliminadas, pero no cansan y son un aire de relajo para los niveles mas tensos donde Bond debe cargar con su alma.

Lo interesante de Casino Royale es tambien su increible guión, tan fresco que hace parecer real la caceria hacia Le Chiffre, como un juego de cartas donde cada una lleva replantar la estrategia, donde la reina de corazones llega a mitad del juego para dar esperanzas de redención y la ultima carta acaba por llevarse el alma de Bond.

Altamente recomendable, aun para los que se quejaron de la falta elegancia del nuevo Bond, toda Casino Royale es un elegante juego mental, donde puedes irte desde el principio ó elevar la apuesta hasta el final.

Paranoid Park

Se dice que Paranoid Park no esta hecha para adolescentes, claro lo dicen criticos adultos, que podria decir, no comprenden los sentimientos de soledad e inseguridad propios de la edad, mas aun de los chicos de estos tiempos modernos, de estres y desconexión, de la misma forma en Paranoid Park los adultos parece distantes, casi inexistentes, solo se muestran cuando de verdad tocan al protagonista como en el caso del detective Lu o el padre de Alex.

Paranoid es casi una epítome del cine moderno, lo tiene casi todo, el ritmo lento y acelerado, la musica desconectada, el tiempo alterado como un rompecabezas y a Christopher Doyle de director de fotografía, increiblemente las mismas formulas que se usan para narrar las historias modernas sobre sentimientos adultos, funcionan para los adolescentes, la incompresion, la necesidad de una salvacion.

El cine moderno prefiere desligarse del guión para usar la imagen y los rostros como espejos de nuestras propias emociones, como cuando todo parece ser ajeno, lejano, como en un sueño, los skates se ratelerizan, los movimientos son suaves, los chicos despejan la mente con solo mirar hacia otro lado, a fin de cuentas en esos casos no hay mucho que decir, es un grito silencioso.

Asi mismo soluciona Alex el asesinato del guardia de seguridad, como soluciona sus problemas familiares, el dolor es tan grande, que sin poder soportalo solo lo expulsa fuera de si, toma distancia de él y luego lo olvida para dejarlo pasar como si nunca hubiese ocurrido.

Happy Together

1997: Wong Kar Wai gana el premio a mejor director en el festival de cine de Cannes por Happy Together.

Comienzo a escribir queriendo saber a que se debe el triunfo de Kar Wai en esta categoria y talvez mi respuesta podria encontrar el inico de su camino en el bagaje cultural e historico del director, que desemboca en un film por momentos anti-existencialista, finalmente existencialista, poetico, visual y lleno de la escencia de Hong Kong.

Podria decirse que hacemos nuestras vidas al vivirlas y que la libertad que tenemos es infinita, pero la realidad es que gran parte de lo que somos viene condicionado por pequeños detalles que nos "escalvizan", como son las personas con las que nos relacionamos , el lugar donde crecemos , la econonomia que tenemos , el amor que recibimos, la cultura que aceptamos, todo va dando forma a una especie de personalidad colectiva, que etiqueta el como actuamos, las cosas que añoramos, ciudades, lugares donde nos reconocemos al espejo y reconocemos a nuestros vecinos. Happy together es tambien la historia de estar lejos de todo eso, es tambien la historia del exilio y la soledad.

Los dos personajes se aman, se odian y estan lejos el uno del otro, asi como un pedazo de la cotidianidad se rompe, asi se rompe lo que mas aman y es la carencia de la seguridad lo que genera su sufrimiento, no solo estan aislados en una ciudad ajena a la suya, no solo estan aislados de la sociedad por su nacionalidad, por su sexualidad, tambien estan aislados el uno del otro.

¿Cómo genera Kar Wai tal sentimiento en la pantalla?, pues se vale de todo, sugestiona a sus actores teniendolos meses lejos de hong kong, sin tener una idea de lo que quiere que la pelicula sea, filmando una y otra vez historias que se encuentran, que se marchan, muertes y resurrecciones, exactamente como son las relaciones de ambos personajes, un caotico desenfreno, un correr a ningun lado, solo por el hecho de estar juntos, sabiendo que hay algo que finalmente estara bien, que hay una salvación, representada por las cataratas de Iguazu, que es el motivo de todo el viaje, finalmente estar alli, felices, juntos.

Finalmente esas mismas cataratas se covierten en otra cosa, luego de tanto sufrimiento y decepcion, es la puerta de purificacion hacia una nueva vida, del nuevo comienzo que para el personaje de Tony Leung, que empieza al econtrar la via de salida hacia la objetividad sobre su sufrimiento, en el personaje de Chang Chen, el joven con el que desarrolla una amistad de comprensión y que le ayuda a abandonar a Ho Po-Wing y regresar a Hong Kong, sin culpas y reconciliandose consigo mismo.

Lo interesante del arte, con respecto a todo lo demas, es la cualidad de, al ser subjetivo, encapsular y preservar emociones para que alguien mas las experimente y las haga propias, este arte en el cine es un proceso humano de lo mas dificil y casi siempre se recurre a la objetividad del discurso, claro, una imagen dice mas que mil palabras, pero no siempre trasmite tanto, el balance armonioso imagen-sonido-mensaje es para suerte y genialidad de Wong Kar Wai la mayor cualidad de Happy Together.