Top 10: Las mejores adaptaciones de Cómics al cine. I

                                         

Como los libros, y en ocasiones hasta la música, aun no la pintura o la escultura; los comics, ese arte gráfico hecho en sus inicios para el publico infantil, tienen un irremediable atractivo para la industria del cine. Nacidos de la emulación del arte cinematográfico, lo han transcendido hasta alcanzar su propia expresión y volverse en ocasiones un arte dotado de medios que los otros no pueden repetir.

Siempre es, sin embargo  notable el deseo de hacer que las viñetas cobren vida, animación  movimiento, llevándolas a la pantalla grande, como copia, adaptación o inspiración  los resultados son diversos y no siempre satisfactorios, pero para aquellos que amamos la mitología detrás de lo sobrehumano, siempre tendremos un lugar especial reservado, para aquellos intentos de llevar al cine a estos excitantes personajes y sus historias.

Por cierto el orden no refleja que una sea mejor que la otra.

10. Wacthmen/300

Ambas fallidas, para unos, éxitos para otros, las opiniones dividas parten de lo diferente de ambas obras; mientras una es una densa biblia del comic, que trasciende el genero para establecerse como la que mayor provecho le saca al medio expresivo, siendo prácticamente inadaptable; la otra es una simple historia de no muchas paginas, donde se hiperboliza un hecho histórico de forma breve.



Así mientras una intenta condensar, sin éxito tal vez toda la magnitud de la grandiosa obra de Alan Moore, la otra alarga aun mas la simple obra de Mark Millar. De las dos, prefiero Watchmen, mejor música  mejores actuaciones y mejor producción  pero cuando salio 300 recuerdo haberme emocionado mucho.




9. Scott Pilgrim vs The World / Kick Ass

Empatadas  están dos contemporáneas adaptaciones de cómic relativamente modernos y con una temática relajada juvenil. La adaptación de Scott Pilgrim es divertida y correcta en muchos aspectos, coincidentemente Kick Ass también lo es, el éxito de Kick Ass es ligeramente mayor, pues llevo incluso a la elaboración de una secuela del cómic  con el fin de poder hacer una secuela para la película.

Ambas hechas con un espíritu de cine independiente, fiel al mismo espíritu de ambos cómics  los directores Matthew Vaughn y Edgar Wright, de Kick Ass y Scott Pilgrim, respectivamente, no pasaron desapercibidos para la industria del cine de adaptacion de comics, el primero dirigio luego Xmen First Class, y el segundo es el elegido para dirigir Ant-man.


8. Spiderman 1 / 2 / X-men

Como fanático de Marvel, estos son dos comics a los que le tengo mucho cariño; como personaje a Spiderman y como conjunto a los Xmen. Ambas adaptaciones corrieron de la mano de dos geniales directores: Bryan Singer (Los sospechosos habituales) y Sam Raimi (Evil Dead); es notable ver como ambos directores dejan su huella en estos dos films, es revitalizante, que dentro de la maquinaria de Hollywood aun puedan dar rienda suelta a sus ideas los directores que antaño cambiaron la forma de ver cine.

En Xmen Singer se vuelve un Lucas, juega con una mitología basta y logra hacer de los personajes un fiel reflejo de los del comic, pero a ratos se controla demasiado, la actuacion de Ian McKellen  como Mageneto es para resaltar y subrayar; Raimi tiene la tarea mas sencilla pero se da mas libertad, hace de Spiderman un film reflexivo y profundo, sobre la adolescencia, elegir un camino y encontrar tu lugar en el mundo, pero tambien uno divetido, tierno y emocionante, en esta caso William Defoe es el que se lleva las palmas.

7. Sin City/V for Vendetta

Y volvemos con la dualidad Alan Moore-Mark Millar, esta vez con dos exitos de critica bien logrados; el primero marco el inicio del amorio de Mark Millar, reacio hasta ese momento a adpatar sus comics, con el cine, el incansable genio de Robert Rodriguez le permitio tener la vision y la humildad de plasmar viñeta por viñeta el cómic en los fotogramas, creando un evento filmico visual que marco futuras adaptaciones y el uso de la tecnologia en estas.

Por otro lado los Wachowski no tendrán la venia ni la aprobación de un Moore que se mantiene firme en su idea de inadaptacion de sus obras, pero el resultado y ágil guion de su V for Vendetta, unido a las actuacion de Hugo Weaving y la correcta interpretacion cinematografica de la distopia literatia heredera de 1984 que planetaba Moore, la hace a mi parecer una excelente adaptacion



6. Superman 1 / 2

La musica de John Williams, el guion de Mario Puzo(si el mismo escritor de El padrino) y la actuación de Christopher Reeve hicieron de Superman, la moderna adaptación del año 1978, un clasico instantaneo. En una epoca de optimismo cinematograficos, el tiempo de los antiheroes parecia haber terminado, Superman calo hondo en la psiquis del espectador, de tal forma que el mismo personaje de los comics fue modificado en sus apariencia para que esta se asimilara mas a la Reeve. La vision de un heroe calmo y libre de conflictos, seguro y todo poderoso era la representacion del ideal americano, Superman jamas se vio tan libre volando al rededor del planeta.

5. Batman/ Batman Returns

Que visionario! Si Tim Burton pasa a la historia del cine por un puñado de peliculas (de las tantas que ahora hace) cuenten entre ellas a sus dos adaptaciones de Batman. La genialidad de reinventar al personaje, de versionar toda ciudad Gotica, como un teatro gótico sacado de una película de Munrau y Wiene, lleno de sarcasmo e ironia, una tragedia cómica jamas concebida de mejor manera que por Burton. Su Batman es una mención aparte del personaje del comic, lo trasciende, lo convierte, lo reinventa; y quedara en la retina por siempre, muy apartado tal vez de cualquier otra cara del murciélago.

Creando una realidad ficticia: Hablando para la cámara? o Actuando por motivación?

Por mas que tu historia se situé en un escenario de la "realidad", por decir "Lima Perú domingo por la mañana en una cafetería en la Marina", aun así estas tratando con una realidad ficticia, que es la que estas armando a través de tu guión, muchas películas tienen diálogos o situaciones que no emulan a la realidad, es decir a la realidad comunicativa entre sus protagonistas.

Miremos por ejemplo las películas de ficción, Star wars, Alien y The Lord of the Ring, si lo se, les podrán parecer a algunos de ustedes películas vacías o irrelevantes, que no cuentan una realidad social o no aportan nada a la idiosincrasia de su país, pero si hay algo que podemos aprender de ellas, si hay algo rescatable que hasta a los mas críticos les puede servir, eso es su manejo de personajes, su fluidez de acción, su dinámica cinematográfica y mas resaltante, su cualidad de hacer participes de una realidad que a per se no existe, sin la complicidad de quien la mira.

Por ello en cintas como esas, crear una relación personaje-entorno-emociones es prioritario para generar una empatía con la audiencia. Bien decía Peter Jackson que en cuestión de ofrecer una historia al publico, uno debe hacer que este se conecta con el mundo y los personajes que hay en él, por ello ponía especial esfuerzo en hacer que su mundo ficticio pareciera real, pero ¿como harías tu que tu historia situada en el mundo real, parezca real?

Lo que les digo es esto, han visto ustedes aquellos cortos, o películas, donde los personajes hablan y hablan de sus problemas, en una habitación o sentados frente a frente, con la cámara tomándolos de perfil y haciendo planos a sus rostros cuando hablan, se quedan callados, como quien dice para reflexionar y luego lanzan una mirada, suspiro y se van?

Si tu eres el director de esto y como hablas del embarazo no deseado o de la violencia familiar, te parecerá que aquello esta muy bien, que hacer que tus personajes guarden respetuoso silencio, o se conmuevan hasta las lagrimas es una buena forma de expresar dolor o reflexión. Pueden estar sentados en una mesa normal, en una casa normal, pero si les hacer hablar sin pensar en si el publico se conectara con ellos, es lo mismo que estén hablando sentados en Marte, con trajes espaciales.

Como decíamos en el anterior post, las acciones definen las motivaciones, por tanto una buena sucesion de acciones hablara por si misma de los deseos y emociones de tu personaje, pero esto debes visualizarlo aun antes de escribir el guión, si en algun caso debes elegir entre una escena donde tu personaje habla de sus problemas y otra donde actua en una situacion que podra en mesa sus conflictos, siempre es mas recomendable elegir la segunda opcción.

Bien pero en que casos, si podemos hacer que nuestros personajes se habrán al publico de frente, hablando y sin acciones? El detalle es en hacer que esta conversación sea un punto de quiebre en la tensión emotiva de la historia. Para ilustrar mi punto aqui les dejo algunos ejemplos:

La conversación en el muelle marca el reencuentro de Ram con su hija, pero también nos muestra que tan solo y abatido esta el personaje y cuan deseoso de perdón y redención se encuentra, tengan en cuenta que nada de esto sirve sin la historia anterior a este encuentro.

En little miss sunshine podemos ver como las tensiones se disipan y logran unir a los miembros mas perdidos de la familia por medio de una coversacion que genera la confianza de la que carecian.

Casos especiales son aquellas películas que se basan en diálogos, pero tengan en cuenta que estos deben en si mismos contar una historia y ser dinámicos y ágiles, ademas de transmitir una idea con un fin, es decir sin entrar en rodeos ni reafirmaciones.

En Walking Life de Richard Linklater, nuestro interes es situado a la fuerza en lo que dicen los personajes, pero luego nos conectamos con sus ideas, por lo interesante y vistoso del dialogo.


Quentin Tarantino ha hecho del dialgo frente a frente una necesidad de su cine, en Pulp Fiction podemos contar hasta siete ocasiones de extenso dialogo frente a frente, lo mismo en su demas peliculas, el exito de Tarantino en este aspecto radica en que él cuenta la historia a traves de los dialogos, pero sus personajes nunca hablan de "la historia" por lo que el dialogo la hace avanzar como reflejo de la personalidad de sus personajes, es decir nunca veremos una película de Tarantino donde el asesino describa como va matar a su victima y luego lo haga, sin duda hablara con el de superman, coca-cola o música y luego le cortara la oreja, volara los cesos, o dibujara una esvastica en su frente

Christopher Doyle la estrella pop de la fotografia cinematografica

Si el boom del cine asiatico tuvo un nombre recurrente que no se encontraba bajo el titulo de director y que sin embargo marco la pauta para la nueva identidad cinematografica que se generaba en el oriente, fue el asombrosamente original director de fotografía Christopher Doyle. Doyle habia nacido en Australia, pero fue su vida a traves del mundo [fue marinero en las costas noruegas, trabajó para una compañía petrolífera en la India, crió ganado en Israel y se dedicó a la medicina china en Tailandia] lo que le permitio tener una cultura visual que plasma en sus imagenes con gran maestria, un imaginario visual sustentado en imágenes entrecortadas y vibrantes, hechas de encuadres inestables, panorámicas aceleradas, fondos que se desvanecen, luces saturadas y neones distorsionados.


En definitiva, le mueve una concepción del cine basada en la emoción descubierta, no fabricada. Quizá por eso se siente tan a gusto en Asia. “En Occidente construyen las películas –le gusta repetir–. En Oriente las descubrimos”, por tal razon a Doyle le encanta trabajar con guiones que no sean muy complejos ni voluminosos, asi su cine se vuelve al aspecto visual como argumento de tal manera que las imagenes, colores y espacios cuentan una historia mas poderosa que las palabras, donde se puede hacer vagabundear a los personajes sin decir alguna y aun asi captar sus emociones y sensaciones.

Su uso de metodos radicales a la hora de fotografiar situaciones convencionales, le ha llevado a crear un estilo visual muy personal, con una fascinacion por los teleobjetivos y los grandes angulares para crear ambientes intimos y oscuros o distorsionados y coloridos, llevando las tecnicas fotograficas mas efectistas al servicio de los cineastas.

Si algo caracteriza a Doyle es el ensayo de todas las formas posibles de distorsión de la imagen, y de la temporalidad, acelerando o ratelizando los movimientos conforme se forma un ballet sensorial de musica e imagen, de improvisacion premeditada como un estilo organico de busqueda de la verdad en lugar de la elaboracion de un concepto, asi la fotografia de Doyle permite la interpretación de cada gesto y detalle minusculo para entender la subjetividad de los personajes, en lugar de presentarlos planos e impenetrables.

En la imagenes de Christopher Doyle la belleza proviene de la complejidad, a veces como una susecion de imagenes monocromaticas, otras como una sobresaturacion de luces y colores, como nadie ha sabido llegar a la intimidad del proceso filmico compenetrandose con la camara y la imagen para llevar su nombre a la historia del cine como el hombre que penso que la imagen era la forma de llegar a la idea.





Chungking Express (1994)







Happy together (1997)









Last life in the universe (2003)













2046 (2004)












Paranoid Park (2007)















The Limits of Control (2009)