Primer trailer de Thor

La tan esperada pelicula del personaje de Marvel ya tiene fecha de estreno: mayo del proximo año, hace meses se filtro el trailer, pero ahora pdoemos ver la version oficial, para quienes no lo vieron seguro les dejara con la boca abierta, parece que se han esmerado mucho en esta, ademas que al final tiene el plus de anunciar que se estrenara tambien en 3D, con la accion que tienen estas cintas, no tiene pierde.

Chequeen el trailer, me dicen que opinan, ¿le ven un futuro parecido a lo que fue Iron man?, recuerden que el director de esta cinta no es otro que Kenneth Branagh y sin John Favreu puedo hacer el exitaso que fue Iron man, creo que podriamos tenerle un poco mas de fe a esta nueva cinta de Marvel.

Mongol. Una épica histórica romántica.

Mongol se antoja un titulo muy simple para la épica que Sergei Bodrov, bien podría llamarse "Rise of Genghis Kahn", para que aquellos que desconocen incluso el nombre de el gran conquistador oriental, sepan que estamos ante un relato fiel de las peripecias que tuvo que pasar el anteriormente llamado Tedmujin para convertirse en el emperador de todos los mongoles y embarcarse en la conquista de la mitad del mundo.

La película nos cuenta los hechos entre históricos y legendarios que rodean la infancia y ascenso al poder de Tedmujin, todo aquello que se ve en la película incluidos los giros mas dramáticos son exactitudes históricas que han llegado a nosotros por los mismo relatos de los mongoles, así vemos a un joven Tedmujin que tras haber perdido a su padre asesinado a manos de sus enemigos, debe luchar contra la adversidad y enemigos continuos hasta formar una basta fuerza de guerra que lo convierta en el conquistador destinado a ser.

La cinta es ambiciosa se hizo una multimillonaria inversión en contar esta historia en los mismos pasajes geográficos testigos de la vida y obra del mismísimo Genghis Kan, convirtiendo asi a "Mongol" ademas de una cinta historica en una de esas películas geograficas, cuya historia esta muy ligada a la tierra en que se produjo, por tanto es un privilegio contemplar los parajes de China, Russia y Mongolia en la gran pantalla, que refleja en los ojos de Tadanobu Asano el amor por su tierra y tradiciones que sin duda tenia Genghis Kan. Y es que hablar de Tadanobu es hablar de lo mejor de la pelicula, Asano se mimetiza con el ambiente y el personaje y logra hacer de una pelicula por demas larga, una rapida y vital aventura. Este papel le abrió las puertas al mercado occidental, ya que aunque Tadanobu Asano ya tenia una larga experiencia en la cinematografía oriental y era catalogado como uno de los mejores actores del medio asiático, esta fue la primera vez en que se pudo ver sus capacidades en una superproducción millonaria, y sin duda paso la prueba, por lo cual lo podremos ver de nuevo esta vez en una superproducción de Marvel: Thor.

La actriz que personifica a Borte la compañera historica de Genghis Khan, una desconocida Aliya, tambien aporta esa fuerza, que conmueve por su fidelidad y coraje. mención aparte son las asombrosa e impactantes escenas de batalla. Visualmente poética e históricamente correcta, Mongol es de esas épicas que trascienden el tiempo, nominada a múltiples premios, incluido el Oscar a mejor película extranjera, era evidente que se realizaría una continuación, que ya se encuentra en producción para el año 2012, titulada esta vez si "Genghis Khan"

Zatoichi

En el oficio de realizar film de accion muchas son las reglas a seguir, en cuanto a evolucion de la historia y tratamiento de los personajes y es en ese aspecto que el cine oriental ha desarrollado a lo largo de su historia, canones y formulas a las que cada director ha agregado su propia vision, como en el caso del cine épico chino ó wuxia-pan y en este caso el cine epico japones ó chambara y sinembargo el poder hacer cine por el simple hecho de imitar formulas comercialmente funcionales parece ser algo que muy pocas veces a perturbado a los asiaticos y especialmente a los japoneses, debido a que poseen una amplia vision del "director como autor", como ocurre en el caso del director japones Takeshi Kitano, conocido por su tematica de la violencia, humor, amor, redencion y salvacion, pero tambien por su inovacion tecnica y vision cinematografica y que personifica la fuerza del director y como debe imponerse como artifice del proceso de crear una pelicula, de lo cual podemos encontrar muchos ejemplos en su filmografia, desde su debut en Violent Cop hasta su más reciente gran exito, Zaotichi.

En este film asistimos de la mano de Takeshi Kitano a una clara ejemplificación de la conocida frase de Rafael Azcona: "El cine de ahora no proviene de la vida, proviene del cine" y es asi Kitano decide entonces rescatar a Zatoichi, un personaje de la imaginaria nipona, para inyectarlo con sus propios métodos y manías cinematográficas, dandole un brío distinto y un estilo nuevo y fresco, al mismo tiempo que preserva las multiples visiones y lenguajes de género que forman parte de los canones antes mencionados. Kitano se deleita a si mismo, creando un film de samurais emulador del gran cine japones de los 60, pero con la vision del cine de yakuzas que tanto ama, en una linea sucesora de "el cine por el cine" que emparenta au Zatoichi con los wensters de Leone, las chambaras de Kurosawa, los yakuza films de Kinji Fukasaku y las fanservice de violencia y sangre a litros de Kenji Misumi y Toshiya Fujita y aun asi un seguidor de la trayectoria de Kitano podra ver Zatoichi y decir: este es un film de Takeshi Kitano y no solo un collage de generos.

¿Cabria preguntarnos a que se debe esta afirmacion?, solo un verdadero seguidor de Kitano podria notar los multiples detalles que convierten Zatoichi en un film mas alla de la comercializacion y a la vez conservan la emoción de hacer cine en estado puro, pero el espectador avezado podra notar como Kitano malabarea los efectos tecnicos de un film de esta clase y su propio estilo crudo y imprevisible, mezclando esta vez su slapstick mas descabellado y el humor ya caracteristico de su cine, con la gran trabajo de direccion refelejado en actuaciones sobresalientes, tomas dinamicas y el ritmo unico que solo Kitano podia imponer en Zatoichi.

¿De donde nace entonces esta version metamorfeada de Zatoichi?, este film engloba en cierta forma uno de los preceptos que se buscan estudiar en este ciclo de cine asiatico que estamos organizando, y es que Kitano comprende que el devenir de los tiempos cambia el modo en que los generos son asimilados por el publico, un reflejo de los tiempos actuales establezara un mayor impacto en la audencia, los personajes se transforman como influenciados por un entorno fuera de la pantalla, asi como en los 20 el desenfado y despreocupacion de los ronins de Shozo Makino es cambiado por la guerra en los 30 y 40 por los samurais sin mancha, paladines de la bravura y honor japones muy necesaria como propaganda politica pro belica, para dar paso a la época dorada del 50 donde los samurais de las postguerra de Kurosawa, reflexionan sobre tematicas como ¿quien posee la verdad?, ¿a que nos lleva realmente defender algun ideal?, para luego volverse a partir de los 60 en otra expresion mas del arte pop con films como el mismisimo Zatoichi y continuar asi hasta el 70 donde las violencia se hiperbolizo a extremos artisticos en Lady Snowblood y Lone Wolf and Cub que son el estilo que ha llegado hasta nuestros dias, hasta que Takeshi Kitano lo renueva hacia nuestra realidad inyectando su moderna vision de la violencia, lo que hace a este film no solo el mas accesible de su filmografia, sino uno de los mas representativos en cuanto a realizar films que reflejen nuestros tiempos, aun asi estos se basen en generos tan tradicionales como un film de samurais.

Last life in the universe

En la vida, los caminos de la soledad son variados, tantos como personas hay en este mundo globalizado en el que los medios de comunicacion ya no nos comunican con nadie y nuestra propia desproteccion y fragilidad se hace mas palpable. Aun asi el cine continua siendo una ventana al alma humana y una forma de comunicarnos con nosotros mismos en una comunion con las emociones que la gran pantalla nos regala y en este caso, gracias a Last Life in The Universe, nos permite entrar en contacto con dos de estos tipos de caminos hacia la soledad: la incomprension y la soledad que nos imponemos a causa de ella, y el sufrimiento y la soledad que se nos es impuesta.

Partiendo de esta premisa Pen-ek Pen-ek Ratanaruang se desvive por crear un film astutamente misterioso, donde las respuestas no pueden darse claramente, porque talvez ni el mismo las sepa, dada la naturaleza del tema tratado y donde solo podrá dejar fluir el cine y confiar en su fotografo y en sus actores basandose en ideas e imagenes que confluyan en trazar un camino para la evolucion de estas, de esa misma forma este texto, ni ningun otro, talvez, puedan acercarse a la verdad y solo el espectador podra evaluar interiormente el significado de estas verdades invisibles que Pen-ek Pen-ek Ratanaruang nos presenta creando una obra de arte compleja en interpretacion y simple en belleza, donde la tematica se refleja en la tecnica utilizada y la interpretacion no puede despegarse del concepto, el ritmo pausado melancolico reflejan no solo la sosedad del camino que Kenji recorre en su soledad, la apatia y el sosiego de una lagartija que ha descubierto que se encuentra sola, (aunque en este sentido aun no me queda claro si es porque esta alejada de sus amigos y enemigos o porque, culpa de su intelectualidad y caracter, no tiene ni los unos ni los otros) sino tambien lo lento y complejo que es el camino de la salvacion y redención de esta soledad.

Aqui es donde la figura de Christopher Doyle se vuelve tan omnipresente como la de Pen-ek Ratanaruang en retratar la contraposion del mundo de soledad en el que Kenji vive, de colores grises, con el mundo de inesperada soledad en que se encontrará Noi, donde sus sentientos aun se ocultan bajo los tonos brillantes de su entorno, pero cuya vida se ve totalmente destrozada por la tragedia que la deja sola, para que luego ambos, Doyle y Ratanuang, tomen caminos distintos, cuando Pen-ek Pen-ek Ratanaruang trabaje la psicologia de los personajes para covertirlos en una misma persona, mientras que Doyle tenga el trabajo de volcar sus colores en hacerlos parecer, aún, dos personas diferentes.

Asi a través del film, las dos personalidades opuestas, establecidas para recalcar el hecho de las diferencias sin importancia, llegan a experimentar un mismo estado emocional que acabará por unir sus vidas, más alla de las barreras idiomaticas, sociales y culturales, que parecian separar a los humanos, cuando Kenji finalmente encuentre the last life in the Universe que ha de salvar la suya...

... es en ese momento que el titulo del film aparece.

Ichi The Killer

Adrentarse en la mente humana con un discurso metafisico basado en la construccion de personajes y situaciones que emulen las reales usando el cine como un espejo de la realidad, parece ser el método mas directo, perceptible y efectivo para comprender e influir la psique del espectador. En el cine gore por otro lado se reproduce el mensaje hiperbolizandolo al punto de la teatralidad, para que el espectador no reflexione sobre el, sino que, totalmente inconsciente del juego en el que sus emociones se encuentran, experimente todas las sensaciones y posturas morales, con un estado mental que el filme logra desnudar haciéndolo participe de una emoción humana colectiva, tan innata y subconsciente que al acabar de ver Ichi The Killer, no podemos explicar con palabras por qué hemos disfrutado de dos horas de hiperviolencia y sadismo, al punto de volvernos participes de las mismas.

En esos términos, muy pocos géneros como el gore cambian el rol del espectador al de complice, pues cuando nuestra retina se impregna de un espectáculo que es ajeno a nuestra moralidad, tenemos la opcción de apartalo e ignorarlo, pero justamente ahí radica la genialidad de los directores de cine gore, ellos se tornan en titiretos y mueven los hilos que hacen que volteemos nuestras cabezas y no podamos dejar de ver a la pantalla, estos hilos pueden presentarse en variadas formas, Takashi Miike opta por otra emoción muy parecida a la esencia emocional del gore, como si de su contraparte se tratara, e instaura el apego emocional necesario para hacernos ver su Ichi The Killer en el humor, inyectandolo tan apegado a la violencia que las sonrisas y hasta las carcajadas parecen venir de ningun lado, jugando con los esteriotipados personajes japoneses Miike crea a la vez una comedia y un testamento psicologico como muy pocas veces se ha visto, para ello va mas alla de donde otros directores se han atrevido a llegar, a costa de su propio prestigio y a riesgo de ser incomprendido, introduce imagenes perturbadoras agrede, lo mas extremas posibles, pues es totalmente necesario llegar a estos extremos para que el espectador finalmente se precate que esta bailando la danza que él queria. Con esto Miike nos escupe en la cara la verdad de la psique moderna cinefila, la cual se ha vuelto, en pocos pero significativos casos, una consumidora de dolor, sufrimiento y violencia como una forma de entretenimiento, cabe preguntarnos si Ichi The Killer es una denunciadora, o si es una participe de este fenomeno sociologico, pero, creo yo, su valor artistico la salva y la excluye en parte de ese nivel.

Más alla de este exquisito rol que el director juega en su pelicula, el film se disfruta gracias a la belleza de sus imagenes y Miike sabe como valerse de todo el colorido, luz, sombra, espacio y vacio que necesita para hacer de algo mostruoso un cuadro esteticamente atrayente. Asi, Ichi The Killer se mece en la sinrazón con el fin de generar estetica con la que se induce en el espectador la sensacion de haber visto una gran obra, sin saber exactamente por qué.