Adios a los Criticos en Facebook!

No lo sabias? Adios a los Criticos ya esta en el facebook! hazte fan y enterate de las mas recientes noticias del cine, pero ademas participa con tus opiniones en esta gran comunidad de cinefilos, nada mejor que estar entre amigos. Ademas gana premios ( si estas en Perú) o simplemente demuestra que tanto sabes de cine!

Ahora ya lo sabes visitanos en http://www.facebook.com/adiosaloscriticos

Creando una realidad ficticia: Hablando para la cámara? o Actuando por motivación?

Por mas que tu historia se situé en un escenario de la "realidad", por decir "Lima Perú domingo por la mañana en una cafetería en la Marina", aun así estas tratando con una realidad ficticia, que es la que estas armando a través de tu guión, muchas películas tienen diálogos o situaciones que no emulan a la realidad, es decir a la realidad comunicativa entre sus protagonistas.

Miremos por ejemplo las películas de ficción, Star wars, Alien y The Lord of the Ring, si lo se, les podrán parecer a algunos de ustedes películas vacías o irrelevantes, que no cuentan una realidad social o no aportan nada a la idiosincrasia de su país, pero si hay algo que podemos aprender de ellas, si hay algo rescatable que hasta a los mas críticos les puede servir, eso es su manejo de personajes, su fluidez de acción, su dinámica cinematográfica y mas resaltante, su cualidad de hacer participes de una realidad que a per se no existe, sin la complicidad de quien la mira.

Por ello en cintas como esas, crear una relación personaje-entorno-emociones es prioritario para generar una empatía con la audiencia. Bien decía Peter Jackson que en cuestión de ofrecer una historia al publico, uno debe hacer que este se conecta con el mundo y los personajes que hay en él, por ello ponía especial esfuerzo en hacer que su mundo ficticio pareciera real, pero ¿como harías tu que tu historia situada en el mundo real, parezca real?

Lo que les digo es esto, han visto ustedes aquellos cortos, o películas, donde los personajes hablan y hablan de sus problemas, en una habitación o sentados frente a frente, con la cámara tomándolos de perfil y haciendo planos a sus rostros cuando hablan, se quedan callados, como quien dice para reflexionar y luego lanzan una mirada, suspiro y se van?

Si tu eres el director de esto y como hablas del embarazo no deseado o de la violencia familiar, te parecerá que aquello esta muy bien, que hacer que tus personajes guarden respetuoso silencio, o se conmuevan hasta las lagrimas es una buena forma de expresar dolor o reflexión. Pueden estar sentados en una mesa normal, en una casa normal, pero si les hacer hablar sin pensar en si el publico se conectara con ellos, es lo mismo que estén hablando sentados en Marte, con trajes espaciales.

Como decíamos en el anterior post, las acciones definen las motivaciones, por tanto una buena sucesion de acciones hablara por si misma de los deseos y emociones de tu personaje, pero esto debes visualizarlo aun antes de escribir el guión, si en algun caso debes elegir entre una escena donde tu personaje habla de sus problemas y otra donde actua en una situacion que podra en mesa sus conflictos, siempre es mas recomendable elegir la segunda opcción.

Bien pero en que casos, si podemos hacer que nuestros personajes se habrán al publico de frente, hablando y sin acciones? El detalle es en hacer que esta conversación sea un punto de quiebre en la tensión emotiva de la historia. Para ilustrar mi punto aqui les dejo algunos ejemplos:

La conversación en el muelle marca el reencuentro de Ram con su hija, pero también nos muestra que tan solo y abatido esta el personaje y cuan deseoso de perdón y redención se encuentra, tengan en cuenta que nada de esto sirve sin la historia anterior a este encuentro.

En little miss sunshine podemos ver como las tensiones se disipan y logran unir a los miembros mas perdidos de la familia por medio de una coversacion que genera la confianza de la que carecian.

Casos especiales son aquellas películas que se basan en diálogos, pero tengan en cuenta que estos deben en si mismos contar una historia y ser dinámicos y ágiles, ademas de transmitir una idea con un fin, es decir sin entrar en rodeos ni reafirmaciones.

En Walking Life de Richard Linklater, nuestro interes es situado a la fuerza en lo que dicen los personajes, pero luego nos conectamos con sus ideas, por lo interesante y vistoso del dialogo.


Quentin Tarantino ha hecho del dialgo frente a frente una necesidad de su cine, en Pulp Fiction podemos contar hasta siete ocasiones de extenso dialogo frente a frente, lo mismo en su demas peliculas, el exito de Tarantino en este aspecto radica en que él cuenta la historia a traves de los dialogos, pero sus personajes nunca hablan de "la historia" por lo que el dialogo la hace avanzar como reflejo de la personalidad de sus personajes, es decir nunca veremos una película de Tarantino donde el asesino describa como va matar a su victima y luego lo haga, sin duda hablara con el de superman, coca-cola o música y luego le cortara la oreja, volara los cesos, o dibujara una esvastica en su frente

Wreck-It Ralph

Vivir a la sombra de Toy Story ha sido una constante,  primero para las películas animadas de Pixar y ahora, ya absorbida por Disney, también para las cintas de esta última. Wreck-it Ralph! rompe con el declive que tenía este género con una, no puedo decir menos,  asombrosa creatividad y al mismo tiempo con una historia y personajes como sola la más grande maquinaria de entretenimiento que el mundo ha visto podía hacer.

Wreck-it Ralph! vuelve los ojos a los amantes de los videojuegos, con la historia de Ralph un personaje de arcade cuyo “trabajo” es cumplir el rol que tiene en su juego y moverse a las órdenes que comanda el jugador; el conflicto se genera porque Ralph es el villano, destinado a perder siempre y vivir a la sombra del héroe, por lo que, cansado de todo esto, decide ir tras la posibilidad de obtener una preciada medalla de héroe que le dé el reconocimiento y popularidad que tanto ansia, para esto abandona su juego e ingresa a otro, embarcándose en una insospechada aventura.

Asi pues Ralph viaja por nuevos “mundos” en los que debemos resaltar el nivel de detalle y la minuciosidad del proceso creativo en el diseño de cada peculiar juego; es tal cuidado en cada vertiente del concepto, que es muy posible que no se les haya escapado nada, los escenarios de Wreck-it Ralph! tienen una calidad que rivaliza con las producciones más galardonadas de Hollywood.

A pesar de que el medio de los videjuegos ya ha sido explorado anteriormente por la misma Disney en cintas como Tron, como también por artistas independientes (Scott Pilgirm de Bryan Lee O’Malley);  Wreck-it Ralph! se siente fresca e innovadora, debido en parte a la participación del público, que se vuelve cómplice de la misma al añadir su propia experiencia, si la tuviera, al conocer los multiples videojuegos a los que se hace referencia en la cinta (Mario, Street Fighter, Sonic, Pac-man, Tapper, Mortal Combat, Crash, Frogger entre otros) cuya mención, uso parcial ó aparición de sus personajes a modo de cameo, es parte de un inteligente guión que complacerá a los mas exigentes críticos. 

Por momentos Wreck-It Ralph!  supera los mejores intentos por crear una carrera llena de arenalina que pudieran haber hecho Lucas en “The Phantom Menace”, ó los Wachonski en “Go Racer!”, iguala en climax a “The Lord of the Rings” de Jackson y aventaja en emoción y sinceridad a la más inflada "Avatar" de Cameron.

Y si algo tal vez no lleve a Wreck–It Ralph! a culminar el redondo logro de alcanzar a Toy Story esto sería las limitaciones de sus personajes y su espacio; estas afectan la empatía que generarían sus pericias  motivaciones, miedos y triunfos, si estas se desarrollaran en el mundo real, en lugar de en el mundo del arcade, como si sucede en Toy Story, Finding Nemo, Wall-E ó Up donde el mismo ambiente donde se desarrollan invitan a la identificación inmediata. Pero cada historia tiene su espacio y Wreck-it Ralph! es perfecta en el suyo propio.

Si bien Wreck-it Ralph!, mezcla Toy Story, Shreck y Monsters Inc. en una formula sin posibilidad de fracaso entre el gran público, lo mejor y más recomendable es olvidarse de todo eso y simplemente disfrutar de esta maravillosa película, que sin duda elegiría  como una de las fuertes candidatas a la mejor película animada del año.

Sherlock Holmes: A Game of Shadows

 

De difícil adquisición, el comic de Lionel Wigram en el que se basa la serie de películas de Guy Ritchie, no arroja mayor luz sobre esta nueva adaptación del famoso detective inglés, creado por Artur Conan Doyle, más que la de saber que el autor del mismo trabajo en el guión y producción de este film.

Pero qué tanto del comic ha usado Guy Ritchie y que tanto se debe al correcto guión de Kieran Mulroney y Michele Mulroney. Si bien esta odisea había empezado en el año 2009, cuando se filmó la primera de las dos entregas de la saga, no parece haber sido hasta ahora, con esta nueva adaptación, que Guy Ritchie ha dado con su Sherlock Holmes; un Holmes extraño, bastante alejado de aquel alto, obstinado y metódico ingles qué todos conocemos.

Al parecer este nuevo Holmes se basa y construye alrededor de la figura de Robert Downey Jr. más que en el personaje literario; Holmes es ahora desordena, impulsivo, autodestructivo, egoísta, cínico y, para deleite de Ritchie, un experto en las mas acrobáticas peleas, su versión de Holmes entonces va más allá de ser una hipérbole, para pasar a ser una completa reinvención de todo el universo de Doyle, en ocasiones basadas en la mofa, como es el caso, por ejemplo, de la habilidad de Holmes para el disfraz, que en la cinta se toma con humor y en contraposición con la calidad que tendría el verdadero Holmes.

La relación del detective ingles con su compañero amigo, el doctor Watson sufre también una transformación, siendo pues que Holmes se ha vuelto una versión inestable de sí mismo, ahora es Watson, antes un fiel seguidor y atónito admirador, quien lleva la lógica y la razón de la pareja y se vuelve hasta cierto punto un protector de Holmes, le cuestiona y pone en dudad todos su métodos y motivaciones, con lo cual, sorprendentemente, la dupla funciona.

Tal vez los más severos seguidores de Holmes aborrezcan este cambio tan radical, pero una vez te entregas a la idea, la cinta se deja disfrutar. La razón de que esta entrega sea superior a la anterior radica en el villano que contrarresta la voluntad de Holmes, y a diferencia del anterior su ambición es mayor, global. Su educación y conocimiento es tan vasto que equipara las habilidades de Holmes; Ritchie acierta en hacer a Moriarty la antítesis de sus personaje, es decir, dueño de una frialdad, maldad y seriedad en sus maneras y expresiones que complementa a Holmes y, en ocasiones al mismo director.

Moriarty es la clave del éxito de Sherlock Holmes A Game of Shadows. Cuando aparece en escena Richie olvida sus cámaras lentas, coreografías y enfoques en detalles mínimos, las escenas de confrontación entre ambos antagonistas parecen ser traídas de otro film, y las fuerzas de ambos actores se mueven como un mar golpeando una roca, como la flama danzando en torno al arbusto, Downey ataca con picardía al siniestro doctor, pero a no ser por una leve sonrisa, Jared Harris gesticula con sutileza la demencia y el genio de Moriarty, maquillado para palidecer su piel y acentuar las marcas que sin duda dejan en su rostros, sus muchas maquinaciones nocturnas, revela su narcisismo y como un juego de ajedrez se encara al intelecto de Holmes.

Desperdiciada Noomi Rapace, en su primera aparición en Hollywood, Rachel McAdams tan exquisita como siempre deja más huella en diez minutos que ella en todo el resto de la cinta, correcto Paul Anderson y maravilloso Stephen Fry, revelador en su interpretación de Mycroft Holmes, al imprimirle una preferencia homosexual que tal vez sea el mayor y más extraño cambio, aplicado también a la relación de Holmes-Watson sin sutileza alguna, el cual no encuentro necesario para la historia.

Intouchables

La cinta francesa de los directores de la misma nacionalidad Eric Toledano y Oliver Nakache, es una fresca, relajante y correcta fábula sobre algo más que la amistad, como podrían indicar otros, y estos se debe a la limitaciones, debilidades, fortalezas y oportunidades de los dos personajes principales.

 

La trama, basada en una historia de la vida real,  gira en torno a Philippe (Francois Cluzet), un acaudalado aristócrata tetrapléjico en busca de un enfermero que le brinde los cuidados y atención que necesita. 

 

En este contexto de oportunidad, aparece Driss (Omar Sy), un inmigrante de raza negra, que vive en un barrio marginal y que, no por necesitar trabajo, acude a la entrevista; y digo que no lo necesita porque el mismo se ha entregado a la idea de que jamás se lo darán, así que va de entrevista en entrevista, buscando solo aquella firma en el papel que le permita volverá la oficina de asistencia asocial a cobrar su subsidio de desempleo.

 

Tanto Driss como Philippe se han abandonado a conformarse con la situación en la que están viviendo, Driss en su pobreza y Philippe en su opulencia; este vínculo común que les une, les hace necesitarse el uno al otro, digamos porque ambos también tienen algo que el otro necesita.

 

Si bien Philippe es un tetrapléjico, no es la voluntad de la mente lo que le falta, la suya a estado ocupada en su negocios y su cultura, su fortaleza se apoya en su moral, educación y recursos, que le permiten una visión más global de lo que el interpreta como bienestar. Él a diferencia de Driss ha madurado a cierto punto donde reconoce que el cuidado de quienes le rodean es primordial, pero al mismo tiempo ignora que este bienestar no solo se basa en las comodidades materiales.
 

Aquí es donde la visión pueril de Driss le vuelve los ojos al disfrute de su vida, Driss no le trata con ceremonias ni reverencias, su carácter le impide ser socialmente correcto, se divierte y molesta con igual alegría, volviéndose aquella fuerza y entusiasmo del que Philipe carece.  Poco a poco la complementación se hace más profunda, Driss asume con mayor madurez el cuidado de sus seres queridos, dejando atrás su egoísmo, y Philippe aprende a quererse más a si mismo con alegría y esperanza por el futuro.
 

En el camino Intouchables está acompañada por un excelente soundtrack que vale la pena resaltar, y que,  casi como si de una fiesta se tratase, acompaña muy bien la fotografía de, llena de brillantes contrastes en azules, grises,  y tonos cálidos de marrón y amarillo; el ambiente de opulencia de Philippe nos permite visitar grandes salones y pasear por la siempre iluminada Paris.
 

Intouchables es un delicado y radiante disfrute, que aboga por la vitalidad, muy entretenida y sumamente recomendable, véala con la familia, solo o con amigos.

The Dark Knight Rises

 

 

Un hombre emerge de la oscuridad, del fondo de un oscuro pozo, de una tragedia o un trauma, superando sus miedos y resurgiendo purificado y reconstruido, lleno de la moral y esencia para hacer el bien y obrar para el bien de los demás; esa es la esencia detrás de la máscara del Batman,  pero ¿es en realidad posible superar el dolor, el terror, la sensación de inseguridad que yace sobre nosotros, una vez que lo hemos vivido? 
 

La trilogía del Batman de Nolan, posee muchos matices, pero básicamente se rige por los mismos preceptos que la mitología ya desarrollada en los comics, añadiéndole además un punto de vista acorde a nuestro entorno y nuestros tiempos; ya que los eventos del once de setiembre han marcado el concepto que todo norteamericano tenía sobre la seguridad, la muerte, la guerra e incluso la justicia, pero también lo recientes eventos de violencia y las matanzas perpetradas por sus propios ciudadanos han puesto en duda sus figuras heroicas y el accionar de sus autoridades. En este escenario surge el Batman de Nolan, reflejando sus motivaciones en la reinvención de sus villanos, los cuales podemos separar en dos tipos: los terroristas y los anarquistas psicópatas.  
 

Batman tiene pocos iconos literarios, cinematográficos o históricos con los cuales ser equiparados, es más bien una mezcla de todos, roza la inhumanidad y juega con su vulnerabilidad, busca una venganza soslayada y a la vez no es egoísta al pretender proteger con moral a los más necesitados; el más símil de sus predecesores podría ser el Zorro, con la gran y crucial diferencia del hecho que marca la vida de Batman, es decir la muerte de sus padres en manos de un criminal.  Wayne se une así a los justicieros que en realidad buscan una venganza moral enmascarada en la defensa de los agredidos, pero su característica principal, el ser acaudalado, y su gran motivación, le separan del resto al buscar el bien y la protección de muchas personas. 
 

Batman "The Dark Knight Rises" es la última de las tres películas que, según el mismo director, filmara Christopher Nolan, culmina una necesidad que a fuerza de ser impuesta, por el éxito de sus predecesora, acabo por convertirse en un deseo de culminar las historias de los personajes y cerrar las ideas de la trilogía. Pero “The Dark Knight Rises” tiene un pecado, por tratarse de un cierre cíclico, pues no presenta nada nuevo. Podemos decir que si en “Batman Begins” la amenaza era la destrucción física de Gotham en manos de unos terroristas llamados “La liga de las sombras” en la nueva cinta, todo confluye igual, con el aliciente de que la diferencia principal es que el peligro llega en el ocaso del héroe. Lo que no se me hace personalmente suficiente para justificar la motivación del film, dejándolo en una situación casi de orfandad. El tremendo éxito comercial y artístico que obtuvo "The Dark Knight" no podía más que eclipsar cualquier otra película que intentara equipararse a ella, y vaya que hubo varias. Sin ir muy lejos, la reciente “Bond 23” y su director Sam Mendes beben directamente de la cinta de Nolan. La secuela tampoco podía estar exenta, menos cuando la línea trazada por " The Dark Knight" pretende ser continuada.   

 

Aquí una intromisión para explicar a qué me refiero: Si usted ha visto la trilogía completa de Nolan podrá notar, sin mucho esfuerzo, las diferencias obvias entre “Batman Begins” y “The Dark Knight”; el espíritu de una es tan distinto de la otra que no podríamos caer en la levedad de decir cuál de ellas es la mejor, simplemente son películas distintas.  

 

Tomemos por ejemplo a “Batman Begins”. Existe un ambiente pesimista al inicio que, luego de la muerte de los Wayne, deriva en una etapa de redescubrimiento y aventura a medida que el protagonista se recupera y se perfecciona en la lucha contra el crimen, para finalizar con el nacimiento de Batman como consecuencia bien llevada durante todo el film, y finalmente como resultado inevitable de sus actos acaba por enfrentar a sus propios demonios, la otra cara de lo que él pretende ser, los terroristas. Los terroristas que son como él personas que toman la justicia en sus propias manos, y que, desde su punto de vista, intentan derrocar a los que ellos creen imparten injusticia, por la fuerza y con armamento.  
 

En “The Dark Knight”, por otro lado, suelta los hilos que sujetan las motivaciones de Batman, desatando un caos que él mismo desencadena, pero que es incapaz de controlar. El principio, de reciprocidad distorsionado para la violencia, es el eje argumental de esta película. La violencia desencadena sólo más violencia, a pesar que ésta sea usada para el bien. Aquí Nolan cambia por completo lo visto en “Batman Begins”: la iluminación es más oscura, en tonos grises y azules como constaste; y la música se vuelve inquietante al acompañar los múltiples clímax de la cinta, que creo son en realidad la jugada maestra del film.

 

 

“The Dark Knight Rises” tiene esto como punto débil, no presenta nada nuevo, si bien es una buena continuación, sólo mezcla lo visto en “Batman Begins” con la atmósfera de “The Dark Knight”. El éxito de la anterior lleva a Nolan a hacer la mejor película posible, pero una película muy poco profunda, con personajes desaprovechados como Catwoman o el mismo Robin. Donde bien podríamos tener a una mujer más dura, brutal y, a su vez, sofisticada y seductora; vemos que la dirección, el guión o la misma Hathaway fallan en dar otra visión a una mujer que se enfunda en un traje, lucha y roba para cuidar de una compañera. Hathaway flota dentro del traje de Catwoman y, aunque coreográficamente da bien los golpes y patadas, realmente le falta mucho para llegar a la visceralidad que tenía un recién entrenado Bruce en “Batman Begins”. 
 

Sobre los otros personajes no se puede decir más que su participación está al nivel, aunque se puede apreciar en ocasiones como crecen sus roles a lo largo de  la cinta. Alfred, Gordon, Lucius y Bane logran dar la nota en muchos momentos y conllevan la carga del film en varias ocasiones.  Con respecto al mismísimo Bruce Wayne y a Batman, Christian Bale lo logra de nuevo. Él es Batman, él es Wayne y, a pesar de no poder escapar de la sombra del Joker, nuevamente vuelve a tomar la rienda del film que magistralmente le había sido arrebatado por su nemesis en la anterior cinta. El personaje del Joker, que Ledger y Nolan crearon, dejó una huella tan profunda en la cinematografía moderna que era imposible que no dejara una igual en el personaje de Batman. Inmediatamente se volvió su villano y, aunque Bane representa una amenaza nada desdeñable, su fortaleza no es comparable a la insanidad del Joker; hay cosas que uno puede quebrar y hay otras que simplemente los seres humanos llevamos dentro, en la mente.  

Los eventos que se suscitaron fuera de la pantalla, invitan a la reflexión sobre lo que sucede en la misma; las matanzas en el estreno de la cinta provienen más de la amenaza que el joker representa, que la que representa Bane. Nolan reflexiona sobre cuál de los dos es más peligroso y apunta a que en el caso de los terroristas como Bane o Ra’s Al ghul, el poder de convicción, organización que tienen les lleva presentar una mayor amenaza, pero e “The Dark Knight Rises” Nolan mismo olvida lo dicho por su personaje en la anterior cinta:  “Altera el orden establecido y todo se volverá caos”, en la cinta el ataque de Bane, la caída de los poderosos y ricos de Gotham, la mentira sobre Dent desenmascarada, todo es parte del orden establecido, de lo esperado, por tanto la cinta no sorprende ni transciende, en mi opinión. El épico final, con la lucha entre Bane y las fuerzas del orden, es el verdadero fin que persigue Nolan, la única fuerza en la que puede confiar, en la policía, ciudadanos investidos de la autoridad para aplicar la fuerza para el bien.
 

Finalmente Nolan; el director de “Memento”, “Prestige”, “Inception” y lógicamente la trilogía de Batman; es un maestro de la cinematografía en todos sus aspectos. Ya sea como creador, guionista y productor;  más bien pareciese ser un director sacado de otro tiempo, una máquina de creatividad industrializada, metódicamente preciso en cada toma e idea, como de antaño. A pesar de esto, siento que sus películas “Inception” y “The Dark Knight Rises”, aunque lógica y técnicamente precisas y excelentes en todo aspecto, carecen de esa motivación visceral que hacen de cualquier película una película inolvidable. Vean “Prestige” o “The Dark Knight” para notarlo, la motivación en una película es algo muy difícil de apreciar, es muy probable que no sea necesaria, pero cuando está eleva la categoría de la cinta.

Holy Motors

 

Antes ya nos hemos topado en este blog con películas desafiantes en cuanto a linealidad argumental y convencionalismos narrativos, como las de Jarmusch, Lynch, ó Von Tier, artistas que priorizan el lenguaje de las formas y los pensamientos interiores al lenguaje de las palabras; sin embargo Holy Motors va más allá, a un punto visceral de belleza monstruosa, inexplicable, ó en todo caso demasiado intrincada para rozar todos sus aspectos.
 

Leos Carax aduce haber hecho un film "privado", pero no en el sentido de no estar hecho para el "publico", sino más bien hecho "sin pensar" en el público, quien será o qué pensará, es más ni siquiera que enseñanza o moraleja les dejará el film. Carax ha hecho como podemos intuir una película ni siquiera para sí mismo, sino más bien para satisfacer y tratar de responder una inquietud, en el sentido que si bien siempre se dice que una película nace de una inquietud del director.
 

Holy Motors proviene de una inquietud intelectual, por tanto usa un método de indagación subyacente casi científico, y digo casi pues su principal motor es la expresión humanista, pero aun así lo utiliza como una herramienta para construir un conocimiento que incluso puede ser negado y refutado, una travesía a través de emociones y pensamientos, difícil de seguir, pero imposible de apartar la mirada. 

Este aspecto puede notarse a priori en el título de la cinta, y también en su aparentemente insospechado final, que evoca a los motores, aquellas maquinas que generan movimiento, a los rotores y los engranajes, que generan la fuerza; Carax se une entonces a la reciente ola de nostalgia que ha traído la era digital, reemplazando a los motores de los proyectores por nada mecánico, sino más bien por la información digital. 

El mismísimo Carax inicia su film, levantándose en pijama, precedido por un corto en blanco y negro que representa el inicio de un acto teatral, como antaño el cine era, de magia y expresionismo; Carax atraviesa una puerta pintada como un bosque de árboles muertos y se introduce en el mismo cine donde empezó la proyección, ahora ocupado por maniquíes sin vida, sentados ordenadamente en las butacas, Carax se revela como sorprendido, aun en pijama, por la aventura que está a punto de presenciar y nos advierte a primeras que él también es un espectador; esta escena es crucial para el film, pues es la primera vez que la aproximación de la pregunta principal que lo mueve se plantea: ¿Esta la belleza en el ojo de quien mira? y si no hubiera nadie mirando, ¿aun así habría belleza?
 

La siguiente cuestión que abarca Holy Motors es la levedad del ser, como un tributo al cine y las artes escénicas, la facilidad de crear personajes, escenarios e incluso vidas, con el simple deseo de observar y ser observado; observar al interior de uno mismo, y ser observado en el devenir de sus pasiones por un espectador invisible. La limosina es usada como un recurso para albergar la esencia del actor, que siempre sufre una crisis de identidad, en ella se protege, se despoja de máscaras y se esconde en otras, pero siempre le es posible identificarse, librarse de todo lo antes vivido y reconocerse libre para volver a ser alguien más. 

 

No les voy a mentir, Holy Motors es recomendable, todo el mundo habla de ella y verla no te dejara indiferente, la odiaras o te gustará, sin embargo no es una obra ni mucho menos fácil, ni algo que le recomendaría a algún familiar o amigo para pasar una relajante tarde, su aproximación debe ser más profunda y por tanto tener la pasión y el deseo de verla y comprometerse con ella. 

El film ha marcado a la crítica, se podría decir también el año. De la retina de los espectadores no se podrán sacar sus escenas bizarras, ni tampoco sus grandes momentos musicales, dos sublimes piezas que irrumpen como refrescante manotazos de divinidad, pues Carax da espacio también a lo estéticamente bello, mientras en sus cavilaciones puede darse el lujo de ser grotesco, en la música, la métrica, la prosodia, el ritmo y la simetría, no le permiten escaparse de lo agradable a los sentidos.

 

Las guerras que se luchan en escenarios virtuales

Uno se debe aproximar a Holy Motors como se aproxima a un experiencia circense, a una serie de performances de tristes payasos, de violentos hombres, de dulces momentos, de extraños monstruos, de bellas mujeres y dulces canciones; como la vida misma Holy Motors es una representación sobre un escenario vasto y casi ilimitado, que como se muestra en la cinta va apareciendo por sobre los pasos del personaje.

 

Lo difícil de hacer un relato es especificar sobre lo que uno va a hablar, en el caso de Holy estos tres o cuatro preceptos identificables no dejan restricciones a más y más temas, con sus diferentes preguntas y respuestas, como la soledad, la muerte, la ira, el amor, el olvido, la familia, los amigos, la guerra, la brutalidad y la sexualidad, entre otros. Carax abarca en cuanto puede todos estos temas, como una gran performance de la vida, se vale de imágenes, situaciones, personajes, diálogos e incluso música. En Holy Motors nada puede tomarse como real, y eso es lo chocante, sus personajes se despojan a puntos vertiginosos de su condición de personas, con apenas pequeñas y tímidas incitaciones que nos recuerdan que los actores pretenden ser personas viviendo estas situaciones. Como una película de sueños que evoca al cine en sí mismo, la máquina de crear sueños. 

Tiempos Modernos de Charles Chaplin

Por tanto el cine no está exento de sus propios espejos, por tanto Carax evoca ecos de otros tiempos a los nuestros, como en el film de Chaplin: “Tiempos Modernos” donde el director desafiaba la maquinización del hombre, acelerado por la revolución industrial, desprovistos de sus humanidad y sensibilidad, atrapado en los engranajes de la maquinaria. Carax sin embargo advierte que su personaje no está como el de Chaplin atrapado por las maquinas, sino es sus propias palabras “por una red invisible”; hoy en día podemos interpretar que la tecnología digital a fraguado una red de dependencia en la que muchos estamos atrapados. Holy Motors evoca el fin de una era, el fin del tiempo de las maquinas visibles, exagerada por el mismo director, en camaras inexistentes y motivaciones vacuas. 

 

Escena final, la maquinaria vuelve a casa.

El final tan hablado de Holy Motors deviene en un reflexión insólita, una reflexión fantástica proveniente de las mismas maquinas, las limosinas, oscultando en las motivaciones de sus amos, de sus conductores, lo seres humanos, esas máquinas sagradas, provistas de la gracia divina de la vida; estas máquinas, las limosinas, otrora inertes, gracias a la magia del cine, tiene la posibilidad de la expresión, el desafío final a la vida y a los conceptos que la encumbran y mistifican. Los motores esperan seguir moviéndose, temen por su desfase y su propia inexistencia, la moraleja flota en el aire para que la belleza o el mensaje no quede solo en los ojos del espectador, sino también en su mente.