Creando una realidad ficticia: Películas en espacios cerrados

¿Alguna vez por tener un presupuesto reducido o por decisiones del guión, has tenido que rodar una escena en una habitación ó algún otro espacio reducido?, si tu eres de los que pensaban que filmar en espacios limitados, era equivalente a limitar tu creatividad, te equivocabas, hoy trataremos de entender el sutil arte de crear cine incluso de dos personas sentadas en un cuarto.

Sobre lo que esta mal de filmar en una habitación, destacaremos la inmovilidad, el cine es dinamismo, es contar una historia a través de movimientos, no movimientos de los actores, sino de las miradas del publico, el arte de hacerlos mirar lo que tu quieres que miren a través de la cámara, se llama edición, con la edición se genera el ritmo, a traves de ella se cuenta la historia.

Tu guion puede decir "Jose se levanta de su cama, afuera hace ya sol, se pone una camisa, coge las llaves del auto y sale por al puerta", lo que hace diferente a ese instante de tu pelicula, es como lo edites, para ponerte ejemplos hay directores que han hecho de la edición un sello caracterisitico de su cine, como es el ejemplo de Martin Scorsece, director que en sus inicios imprimió su estilo por medio de ìmagenes mostradas con gran rapidez y en diversos angulos, destacando cada acción como aislada, dejando asi una sensacion de vertigo en sus espectadores, como en "Cabo de miedo" donde uso, su intenso sentido de la edición para llevar un ritmo frenetico y desesperado en los momentos de mas terror y tensión. Luego veremos en mas detalle el proceso de edición.

Volviendo a la habitación, un buen encuadre puede dar detalles que cuenten lo que tus actores no deberían decir en sus diálogos, por minúsculos que sean los detalles o las acciones, pueden ser usadas para contar la historia con mas naturalidad que ninguna frase. Entre las películas que repasaremos hoy a manera de ejemplo, todas tienen la cualidad de narrar la acción en dos capas, los diálogos como la capa superior, pero mas importante y mas profunda, las acciones y las imágenes, comencemos.


Es talvez uno de los personajes que mas se nos viene a la mente cuando hablamos de edición y encuadre, Alfred Hitchcock filmo en 1948 la que seria una pelicula que pareciera casi pensada en la enseñanza de cine, La soga, nos presentaba un dilema que en la epoca seria talvez mas fuerte "¿es el cine el teatro a traves de una camara, o es el cine un universo mucho mas infinito?". La teatrealidad de "La soga" provenía de su puesta en escena, la película se desarrollaba enteramente en un departamento y es mas, en una habitación de ese apartamento, el plot era un asesinato y dos jovenes dispuestos a jugarse el pellejo con tal de retar a su maestro a descubrir el crimen.




Hitchcock juega entonces a filmar todo alargando lo mas posible los planos y un mismo movimiento llevando la atencion de los minúsculos detalles a la amplia toma del departamento, para Hitchcock, un hombre acostumbrado incluso a no mirar por el lente, la imagen mental que tenia del espacio lo era todo, su mundo, su miniuniverso, mas alla de eso no habia nada mas, toda acción entonces era vital, el dialogo debia ser fluido y llevar al espectador, en compañía de las acciones, a traves de la trama. Distinto hubiera sido el film si Hitchcock hubiera puesto a hablar a sus personajes sobre como mataron a la victima y como engañar a su maestro. Hitchcock definia el suspense como el ver a dos personas conversando en una mesa con una bomba debajdo de ella, sin que ellos lo supieran, el publico lo sabia, eso generaba el suspense, mas importante que esas dos personas, era la bomba.

Pero si nos queremos centrar en las personas tambien poder tomar como ejemplo la excelente cinta "Doce hombres en pugna", la cinta encierra a doce personajes en una habitación, miembros de un jurado que debe condenar a un joven por el asesinato de su padre, y que deben deliberar hasta que todos lo consideren culpable o inocente, la trama se tuerce cuando solo uno de ellos cree en su inocencia. Aquí los limites de la atención del publico se fuerzan por el interés en descubrir los hechos que salven al muchacho, es verdad, la mayor parte del film es dialogo, pero la tensión crece a medida que los jurados desesperan, se cuestión y pelean, a pesar de solo estar deliberando, la acción no se detiene, se crean bandos, conflictos y emociones, la cámara los enfoca por separado cuando opinan y juntos cuando el grupo entra en conflicto, aquí la verdadera atracción es el guion que por si solo genera un interés expectante, de recomendad visión.

Un ejemplo en el cine moderno es Reservoir Dogs, la cinta debut de Quentin Tarantino, bien podría haberse rodado solo en el deposito donde ocurre la mayor parte de la acción, pero Tarantino quería imprimir nuevas sensaciones cinematográficas al romper la linealidad narrativa y jugar con el conocimiento del espectador, pero si nos enfocamos en las acciones en el interior del deposito, la película es un verdadero festival de innovación y creatividad; Tarantino, asiduo de cómics y películas de gansters, crea a momentos fotografía estáticas, poses heroicas a manera de viñetas y posiciona la cámara a veces tan lejos de sus personajes, que apenas podemos ver lo que hacen, pero siempre manteniendo una velocidad de imagen íntimamente relacionada con los sonidos, algo que muy pocos le reconocen.

Si bien las reglas estan para romperse, debes ser conciente que la unica solucion para cambiar la accion por la estatica, es empecinarte tanto con el concepto que permitas al espectador ser complice con tu idea, casos como el director frances Jean Luc Godard y su celebre estilo de romper las reglas establecidas del cine, hacen parecer que filmar veinte minutos a una pareja conversando sea tan facil como él lo hizo en A bout de souffle, o que exitos comerciales como el logrado por Paranormal Activity sean tan faciles de repertir como el colgar en tu cuarto una cámara. Lo mas recomendable es darle a tu publico algo dinámico y entretenido que observar, sin importar que tan reducido sea el espacio.

Para la exageración de las limitaciones estuve atento al estreno de una película llamada Buried, cinta que acontece en su totalidad dentro de un ataúd donde el protagonista a sido encerrado y enterrado vivo.

El caso de Buried es en verdad interesante, es cine moderno norteamericano, es decir lleno de "acción", pero de producción y dirección española (RodrigoCortés), y como les comentaba toda, toda, la película transcurre en un ataúd, la cámara no se mueve de alli, no como en el caso de Reservoir Dogs, para mostrarnos nada mas; las interacciones con los demás personajes se dan a través de un celular, es decir solo se oyen sus voces, el resto del peso interpretativo recae en Ryan Reynolds (celebre estrella de acción norteamericano y excelente elección para vender el producto) que se ve confinado al reducido espacio, toda la película.

Y el resultado no podría ser mejor, Buried es un festival de edición, montaje, dinamismo y emociones generadas por un buen guión, todo eso confluye en generar una "acción" notable, a pesar que el protagonista apenas y se puede "mover". No en vano fue ganadora de los premios Goya a mejor guión y mejor montaje y ganadora del festival de Sitges a "mejor película fantástica".



En resumen, no necesitan grandes recorridos, locaciones o escenarios, para hacer una buena película.

Midnight in Paris

Woody Allen no solo ha sido siempre un enamorado de si mismo, sino tambien un eterno idolatra; definido por aquellos a quienes venera, ha filmado un sinumero de cintas basadas en pensamientos humoristicos, filosóficos, sociales y hasta teologicos de sus grandes maestros. Desde Groucho hasta Bergman, Allen ha puesto a rodar en cintas sus fantasias y pensamientos, siempre citando y guiñando el ojo a sus idolos; como en "Match Point", por citar un ejemplo reciente, donde basa la trama de una de sus mas celebradas y logradas películas, en cavilaciones sobre el libro de Dostoyevski "Crimen y Castigo", que aparece a lo largo de la cinta, muchas veces en manos del protagonista, como para no dejar ninguna duda.

Y es que Allen encuentra verdadero placer en el homenaje, pero tambien en la satira, no por nada su primer gran amor fue el humor, el de Groucho para ser exactos. Como en su cinta "Zelig", Allen es a veces solo un camaleon, un espejo para moldearse a la imagen de otros; tanto asi que seria dificil pensar en el sin recordar el clarinete de Gershwin, la filosofia de Freud o el banalismo social de Fellini. Si es que Allen es así, hay que verlo como uno de nosotros, no muy brillante, pero si muy entusiasta.

En "Midnight in Paris", su nueva cinta, se permite libertades que en otras no se había atrevido a rozar, esta vez se divierte, no disfraza su fanatismo; quiza quien sabe, alentado talvez por otro fanatico confeso como es Tarantino; Allen deja fluir sus fantasias y le importa poco la historia o la memoria de quienes aparecen retratados en esta pelicula: Hemingway, Picasso, Porter, el matrimonio Fitzgerald, Gertrude Stein, Buñuel, Dalí y ya de paso Gauguin, Degas y Toulouse-Lautrec entre otros, son llevados por la mano del director a la ternura y el encanto de verlos juntos y revueltos, carismaticos y divertidos, bajo los designios de Allen.

"Midnigth in Paris", no tiene para mi mucho mayor merito, que el darme el regalo de poder ver en carne y hueso a aquellos viejos amigos de los que tanto he escuchado, leido y visto, y que han sido siempre compañia incondicional. Verlos ir y venir y reconocerlos en su manias, comportaminentos y pensamientos, es sin duda lo mas vigorizante de "Midnigth in Paris".

Sienmbargo Allen intenta tambien mas alla de divertirse jugando con sus idolos, hacer un reflexion un tanto superficial sobre su propio fanatismo, recordandonos un poco aquel fenomeno tan misterioso y escalofriante como es la nostalgia, el pensar que todo pasado fue mejor y vivir hastiados del presente. Mas alla de eso "Midnight.." no ofrece mucho mas.

Por otro lado estan los actores y sus personajes, de los que vale resaltar a Owen Wilson; de cuyo personaje no recuerdo el nombre, pero que bien pudo llamarse Woody, por ser casi un reflejo del director, con su nerviosismo e ingenuidad; supongo que Allen seguira buscado su alterego en actor principal, siendo el ya muy mayor para interpretar la bravia y entusiamos de la juventud, sin haberla perdido en espiritu, pero que no podria convencer al espectador novel. Disfrute mucho tambien de la encantadora Kathy Bates en el papel de Gertrude Stein, quien sabe sin la original Stein habria tenido el carisma de Bates, pero de seguro todos quedriamos una critica como ella como amiga; otro que tambien aporta frescura a la cinta es Adrien Brody como Salvador Dalí, siempre de buen humor y extrañando a propios y extraños con sus surealistas apreciaciones.

En resumen, si es usted fan de Woody Allen, quiza soporte la pelicula; si hasta ahora habia oido hablar de él, no la vea; si conoce a los personajes que aparecen en ella, la adorara, es imperdible.

The girl with the dragon tattoo

Cuando se hacen apreciaciones artísticas no se puede separar al artista de su entorno presente, del pasado del objeto de su obra, de su propio pasado o incluso de otros artistas, todo influye; y siendo el cine una forma de arte, por mas comercializado e industrializado que se encuentre, no podemos tener una visión tan plana en nuestra apreciación; menos estando ante un fenómeno artístico tan divertido y vigorizante como el que, en el lenguaje cinematográfico, se acuña en la palabra remake, es decir “volver a hacer” una película antes ya filmada.

“The girl with the dragon tattoo” es el nombre ingles que se le da a la novela del ex periodista sueco Stieg Larsson “Hombres que odian a las mujeres”, novela de amplio éxito mundial y lo que podríamos llamar un best-seller, que cuenta las peripecias del periodista Mikael Blomkvist, untado con la última esperanza de un magnate, decidido a resolver la misteriosa desaparición y posible muerte de su sobrina hace ya cuarenta años.

Sin embargo el verdadero eje del relato, la verdadera protagonista, es aquella que da título a la versión en inglés, Lisbeth Salander; catalogada por muchos como una figura feminista, y a la vez criticada por muchas feministas. Lisbeth es una hacker de mente ágil, con habilidades casi super heroicas; que se mueve más bien como una fuerza de la naturaleza, inhumana, entre una maraña de perversión, corrupción y maldad.

Siendo entonces la novela un éxito mundial, como lo es, no se podía hacer esperar su versión cinematográfica. Suecia tomo la lanza y se filmaron las tres películas que corresponden a la trilogía de libros que componen la saga Millenium; pero siendo el cine, como Verne predijo con el viaje espacial, un asunto casi norteamericanizado, la versión hollywoodense se empezó a fraguar entre los productores más entusiastas.

He aquí el punto crucial de esta apreciación, el elegido para ser el director fue David Fincher, reconocido por films como Fight Club, Seven, Zodiac y más recientemente The Social Network, no se puede comprender su versión de The girl with the dragon tattoo sin comprenderlo a él con sus motivaciones y manías.

El cine de autor podrá no ser un término muy oído en el cine comercial actual, pero de vez en cuando no podemos separar al autor de la obra; "The girl…" es también una película policial, el libro en si emula los dogmas y parámetros del género, por tanto volver a cintas como Seven o Zodiac, para encontrarnos con la visión de Fincher, es también aceptar su gran talento para narrar una historia de perseguido y perseguidor.

Pero además "The girl…" nos ofrece también la oportunidad que comentaba al principio, la de compararla con su semejante, el film sueco que le precedió.

Por qué entonces la película de Fincher se antoja más llamativa y más fresca; son tantos los detalles que al mencionar algunos espero no alargar demasiado el texto.

Para empezar la nacionalidad del film; la tecnología de la que dispone Hollywood es casi un paralelo en lo que hace diferente al personaje de Lisbeth Salander del personaje de Sherlock Holmes: mientras que Holmes resuelve con deducciones, Lisbeth las googlea. Asi Fincher se sirve de tantas de esas herramientas de las que disponen hoy en dia los cineastas para darle ese glamour comercial a su película, no en vano son la secuencia inicial de créditos al puro estilo de un perturbado James Bond, las tomas aéreas, las persecuciones coreografiadas o los viajes elegantes a través del mundo. Fincher hace, como el cine moderno manda, de "The girl…" un producto comercialmente agradable, mas aun tratándose de un esfuerzo por hacer una trilogía.

Otro punto a resaltar podría ser la visión en la historia, y para esto tendríamos que volver a la filmografía anterior del director; mientras que en la película sueca Lisbeth rara vez se conmueve o tiene alguna conexión con ser humano cualquiera, en esta versión no solo se relaciona de una manera más profunda con Mikael, sino también podemos ver un lado casi inocente en su relación con su antiguo tutor, al que visita y con el que tiene una amistad mas allá de la necesidad y mas por necesidad de ella. Fincher la vuelve una figura paralela a la que hizo en The social Network de su protagonista, un ser casi todo poderoso, absorto de la sociedad, distanciado de las personas y a la misma vez deseosa de poder comunicarse con alguien.

La elección de los actores es también crucial, la intro estilo Bond no es gratuita, responde también a la elección de Daniel Craig como Mikael, demasiado cómodo en el dolor para mi gusto, pero que le da el aire que Fincher quiere; Rooney Mara por otro lado es un lienzo en blanco para plasmar a Lisbeth, alejándose de las figuras mediaticas y más conocidas, que le habrían dado mayor popularidad a la cinta, Fincher aboga por que descubramos a Lisbeth de cero, la hace más delgada, más blanca, mas agujereada y más fría que la que interpreto Noomi Rapace; metalica, casi como las laptops de las que se vale.

Fincher también se preocupa por darle un epilogo sustancial y necesario a la historia, que es como todas no falta de romanticismo, Lisbeth a pesar de ser capaz de “matar” a un mafioso internacional, confundir a los medios y engañar a los bancos, se desengaña cual mujer común y desaparece prometiendo volver.

Blue Valentine

Si es analizada con sinceridad, Blue Valentine a pesar de ser una película que toca un tema profundamente critico en las relaciones humanas, se mantiene ligera y en la superficie, comparada con otras cintas que como ella tocan el tema del amor conflictivo y la tragedia del estar junto al ser que mas amas. Podríamos decir entonces que Blue Valentine es una versión digerible y más comercial de la galardonada Happy Together de Wong Kar Wai, su estética es casi indie maquilla, cuando no debería, situaciones estresantemente cotidianas, que son el inicio de la relación odio amor entre los protagonistas. Donde Kar wai sacaba de su nicho seguro a los amantes y los llevaba al otro lado del mundo para que el conflicto tocara fondo, en Blue Valentine no se requiere más que el tener una familia y compartir responsabilidades para que el amor no sea suficiente.
Tan lejanos como se sentían los amantes gay en Argentina, se pueden sentir dos jóvenes americanos juntos en un hotel el día de san Valentín, y mientras que en Happy Together un tango es el pretexto para decirse aun te amo, a pesar de todo, en Blue Valentine es aquel tema favorito en un cd el que trata de hablar por dos seres que borden el abismo de la separación.
Los puntos fuertes de Blue Valentine, es que no te sumerge continuamente en la depresión existencialista de la necesidad de otro ser para ser feliz, es también un recuento de aquellos buenos viejos tiempos, de esperanza de futuro y de cierta inocencia. Blue Valentine te permite sonreír y te cautiva sin ser sórdida y con dosis de moralismo. No reflexiona demasiado en el vacio de sentirse abandonado, solo, necesitado, es más un documento con puntos y comas de un suceso inevitable, que se nos explica con palabras y explota proveniente de la rutina, donde antes hubo dos jóvenes enamorados que decidieron estar juntos, queda solo dos seres adultos que prefieren estar lejos y no hacerse sufrir más.
Blue Valetine es una película que le gustara, sin duda, está bien filmada, tiene un pico de buen cine independiente, un buen soundtrack, carismáticos personajes y un guion que cumple con no aburrir, pero por demás es lineal y no invita a la reflexión, recomiendo ahondar en el tema viendo Happy Together, sin embargo debe acercarse a ella desprovisto de prejuicios y con una mente cosmopolita deseosa de entender el sentir humano.

Blue Valentine igualmente valiosa, es una aproximacion a un mismo tema, con un modo de mirar distinto, es el Paranoid Park de Crimen y Castigo.

Estamos de regreso

Estoy de regreso, deberia decir, pero como dice Liniers a veces uno habla por si mismo y su ego... de vuelta luego de la temporada de examenes, prometo ponerme al dia con el blog ya que me acabo de dar con la sorpresa que al fin alguien comento algo, gracias, sus comentarios estimulan que continue publicando en el blog.

Cowboys and Aliens

Cowboys and Aliens, la mas reciente pelicula de John Favreu director de Iron Man, nos trae a dos iconos actual y pasado del cine de accion, Daniel Craig y Harrison Ford, en una aventura que mezcla el wenster y la ciencia ficcion al trae la historia de un poblado en el viejo oeste asediado por misteriosas desapariciones y ataques perpretados por alienigenas.

Craig interpreta a un forajido que desorientado logra escapar de sus captores, perdido en una amnesia que le hara buscar el motivo de su escape, mientras recupera sus recuerdos. Ford por su lado es una especie de autoridad ganster en el pueblo y se unira a la busqueda de Craig, cuando los aliens secuentren a su hijo.

Cowboys and Aliens cumple en llevar una moderada secuencia de accion y ciertas dosis de intriga, pero queda demasiado superficial cuando se le compara incluso con cintas de parecido corte como Alien o Depredador, Ford parece demasiado agotado y su porte de outsider estilo Han Solo, ya no se sostiene a su edad y a pesar que se hablo mucho que en esta cinta ejercería una influencia estilo John Wayne, no llega a enternecer ni a ser una figura paternal latente. Craig por otra parte, siendo perfecto para interpretar a un Bond sin corazon ni emociones, no lo es como eje de una historia como la de Cowboys and Aliens.

Yo responsabilizaria directamente a John Favreu, por no saber dirigir a tan buenos actores, casi como lo hizo en Iron Man 2, donde tambien tuvo un guion bastante flojo, habria que hacerles notar a los directores que una pelicula no solo trata de empezar algo y acabarlo, sino de dejar algo en que pensar o sentir en el espectador.

La paradojas del Tiempo en El Planeta de Los Simios

Conocen ustedes la paradoja del abuelo? es una de las mas celebres de la ciencia ficción, les explico: si usted viajara en el tiempo y matara a su abuelo, usted no nacería, ¿como entonces viajo para matar a su abuelo?

Algo así ocurre con la paradoja que yo llamare aquí "del sustituto" aplicada a personajes históricos relevantes.

Imaginemos que un viajero en el tiempo mata a Atila el huno o a Alejandro Magno, es posible que un "sustituto" tome su lugar y aunque no sea la misma persona se vuelva Atila el huno o Alejandro Magno, es decir conlleve a que la historia tome el cause que tenia y que generó la linea temporal que permitió que aquel viajero naciera y pudiera viajar para volverse el nuevo Atila o el nuevo Alejandro.

Algo asi pasa en Rise of the Planet of the Apes, si recuerdan la saga original, los mismos simios comentaban que la causa de que adquirieran inteligencia superior fue que un virus venido de Marte mato a todo perro y gato o mascota que tuvieran los seres humanos, paulatinamente llevaron simios a sus casas y estos fueron adquiriendo mas inteligencia hasta que uno de ellos hablo y dijo "no", ese segun los simios de las primeras peliculas seria Caesar.

Pero vemos que en Escape del planeta de los Simios, donde Cornelius y Zira regresan al pasado de la tierra, son ellos los que dan vida a un hijo suyo que mas tarde se convertirá en el Caesar del que hablaban sus escrituras.

Como entonces, si Caesar llego del futuro, pudo ser el origen de ese futuro?

Aqui entendemos mejor "la paradoja del sustituto", pues es este Caesar hijo de Cornelius y Zira, el que usurpa el lugar del que bien podria ser el Caesar que acabamos de ver en Rise of the Planet of the Apes, un Caesar producto de un experimento, el primer simio en hablar y el lider de la rebelion.

Inteligente es, de parte de los realizadores, incluir el asunto del viaje a Marte y el virus mortal, del cual aun no sabemos cuales seran sus consecuencias, nos queda aun por ver entonces, mucho mas de esta saga.

Tenemos entonces al Caesar que origino que existieran los simios que viajaron al pasado, donde engendraron a un nuevo Caesar, que toma el lugar del original. Espero lo hayan entendido, pues algo parecido sucede con la saga Terminator.