Los soundtracks de Tarantino

Sin duda la musica como medio expresivo de la emocion en una pelicula es una herramienta muchas veces mal utilizada o incomprendida, sinemabargo existen directores que han hecho de la musica en sus cintas la escencia de su cine.

Este es el caso, entre otros, de Quetin Tarantino, que ha utilizado su musica como un recurso creativo y narrativo, al punto de escribir una escena basandose en alguna de las canciones de su basta coleccion de discos,en lugar de componer una cancion basandose en una escena, la pauta y el ritmo marca el movimiento de la camara y los actores como si de un baile se tratara.

Esta es otra carateristica de su universo sonoro, Tarantino prefiere -como dice él- usar a compositores que nunca vieron su pelicula, que no crearon sus temas pensando en ella, es decir utiliza simplemente la musica popular que complemente o genere las imagenes en su mente.

Si miramos a hacia sus primeros films podemos natar que el estilo que manejan sus personajes se basa en su edad, que coincide con la de Tarantino y por lo tanto en los mismos gustos musicales, asi en Reservoir Dogs se banaliza la violencia con temas divertidos y energicos para solayar los momentos que deliberadamente borro de la trama como son el asalto al banco y dirigir nuestras miradas y emociones hacia lo divertido que es ser un maton. Mientras que en Pulp Fiction y Jackie Brown [mas en la segunda que en al primera] se tranquilizan las acciones en ciertos puntos, producto de las melodias soul de Marvin Gaye o los Delftonics, para cautivar con la sesacion del cortejo y la complicidad, en los momentos mas intimos y relajantes se escuchan als melodias romanticas que en algunos casos anteceden o guardan en ellas la energia potencial del giro dramatico por venir, es como decir antes de la tormenta debe ir la calma.

Recientemente su capacidad de crear atmosferas se has visto mellada por el desordenado argumento de sus recientes cintas, se podria mencionar Kill Bill como la ultima de las gandres obras sonoras de Tarantino, que fue concevida para trasladar la cualidad de los generos que toca, usando a su favor la inconciente asociacion con las cintas y series de televison que las hicieron populares.

Death Proof e Inglorious Basterds llegaron a ser mas bien collage nervisos, retazos de canciones que comienzan sin motivo aparente y terminan sin aviso alguno, que en Death Proof era la consigna, debido a su caracter de cine de baja calidad, pero que en Inglorious Basterds se debio a la irrealidad que reino sobre la pelicula, como ejemplo pudimos oir a David Bowie en un cine frances de 1945.

Si bien en las cintas de Tarantino la musica es un elemento casi de coleccion, tambien le ha servido para crear un estilo muy particular que unido a su guion hace de sus cintas experiencias unicas.

Christopher Doyle la estrella pop de la fotografia cinematografica

Si el boom del cine asiatico tuvo un nombre recurrente que no se encontraba bajo el titulo de director y que sin embargo marco la pauta para la nueva identidad cinematografica que se generaba en el oriente, fue el asombrosamente original director de fotografía Christopher Doyle. Doyle habia nacido en Australia, pero fue su vida a traves del mundo [fue marinero en las costas noruegas, trabajó para una compañía petrolífera en la India, crió ganado en Israel y se dedicó a la medicina china en Tailandia] lo que le permitio tener una cultura visual que plasma en sus imagenes con gran maestria, un imaginario visual sustentado en imágenes entrecortadas y vibrantes, hechas de encuadres inestables, panorámicas aceleradas, fondos que se desvanecen, luces saturadas y neones distorsionados.


En definitiva, le mueve una concepción del cine basada en la emoción descubierta, no fabricada. Quizá por eso se siente tan a gusto en Asia. “En Occidente construyen las películas –le gusta repetir–. En Oriente las descubrimos”, por tal razon a Doyle le encanta trabajar con guiones que no sean muy complejos ni voluminosos, asi su cine se vuelve al aspecto visual como argumento de tal manera que las imagenes, colores y espacios cuentan una historia mas poderosa que las palabras, donde se puede hacer vagabundear a los personajes sin decir alguna y aun asi captar sus emociones y sensaciones.

Su uso de metodos radicales a la hora de fotografiar situaciones convencionales, le ha llevado a crear un estilo visual muy personal, con una fascinacion por los teleobjetivos y los grandes angulares para crear ambientes intimos y oscuros o distorsionados y coloridos, llevando las tecnicas fotograficas mas efectistas al servicio de los cineastas.

Si algo caracteriza a Doyle es el ensayo de todas las formas posibles de distorsión de la imagen, y de la temporalidad, acelerando o ratelizando los movimientos conforme se forma un ballet sensorial de musica e imagen, de improvisacion premeditada como un estilo organico de busqueda de la verdad en lugar de la elaboracion de un concepto, asi la fotografia de Doyle permite la interpretación de cada gesto y detalle minusculo para entender la subjetividad de los personajes, en lugar de presentarlos planos e impenetrables.

En la imagenes de Christopher Doyle la belleza proviene de la complejidad, a veces como una susecion de imagenes monocromaticas, otras como una sobresaturacion de luces y colores, como nadie ha sabido llegar a la intimidad del proceso filmico compenetrandose con la camara y la imagen para llevar su nombre a la historia del cine como el hombre que penso que la imagen era la forma de llegar a la idea.





Chungking Express (1994)







Happy together (1997)









Last life in the universe (2003)













2046 (2004)












Paranoid Park (2007)















The Limits of Control (2009)

Kill Bill

Si Kill Bill se viera como una pelicula de estudio o el producto de un guion literario, podriamos discutir multiples fallas, muchas de ellas en la banalidad de su argumento, pero lo que es Kill Bill es una obra de arte personal, un cuadro hecho de retazos sin restriccion creativa que no intenta trasmitir una profundidad dramatica mas alla de la epica de guerreros, sus batallas y sus enemigos, sino vas bien un modo de ver las cosas, un submundo visual, una estetica especifica, un ballet coreografico en el que se basa la verdera credibilidad del film.

Si bien es comun que muchas de las peliculas que se catalogan como exitosas entre la critica se sostengan en un argumento consistente de evolucion de personajes, aprendizaje e incluso significado a manera de moraleja, existen tambien aquellas que se han ganado un lugar en la historia de la cinematografia de una forma mas visceral y enfocada en emociones mas inmediatas que no necesitan tanta reflexion y se pueden captar en un solo visionado. Kill Bill lleva esta corriente al extremo de la ficción sin necesidad de tocar la realidad ni al salir por la puerta de lo racionalmente aceptable, se vuelve una pelicula dentro de una pelicula, inflandose de todo lo que puede generar el sobrecogiemiento del publico, usando todo lo que tenga a mano, actores includios, para difuminarlos en un solo aspecto donde la profundidad del personaje no es necesaria para dotar de profundidad a una escena que pretende tener un impacto que nos lleve rapidamente al siguiente remezón.

En Kill Bill Tarantino se divierte confluyendo los mejores subgeneros que han tomado como su linea argumental la venganza como son las peliculas de ganster, las jakuza, las de kung fu, el wenster e incluso el anime, robandose sus esteticas, pero transcendiendo el genero con escenas sublimes y dialogos remalcables, llenos de humor y sagacidad, que elevan a sus personajes a otro nivel y por meritos propios a la historia del cine.

Tomen por ejemplo a tres de ellos: Sony Chiba como Hatori Hanzo, Chiaki Kuriyama como GoGo Yubari y Gordon Liu como Pai Mei, tres de las figuras del elenco oriental, que interpretan a arquetipos cinematograficos recuerrentes en el imaginario social del publico asiatico y que aun a pesar de ser personajes tan conocidos se aceptaron como novedosos y propios de la cinta, debido en gran parte al fabuloso dialogo que Tarantino les impuso y a la emocion que sus participaciones agregaron a la estetica final del producto, lo que digo es, que Tarantino logro imprimir en el genero su firma no para pasar a la historia como uno de sus directores, sino para adueñarse de el y tomarlo prestado por un momento para ponerlo bajo su nombre, no seria justo ni correcto comparar Kill Bill con las peliculas en las que se inspiro, esta es otro tipo de pelicula.

Bruce Willis

Bruce Willis cambio a finales de los 80 el prototipo de las peliculas de acción, con su carismatica mueca que pasaba por sonrisa, su pavoneria y esa cualidad de esquivar las balas que lo hicieron sobrevivir como el heroe de accion mas versatil que tiene el cine hollywoodense. A lo largo de sus 20 años de carrera a protagonizado muchos de las peliculas que han marcado la evolucion del cine de acción y de suspenso lo que le ha hecho amasar una fama y fortuna que no le han logrado quitar los cuantiosos fracasos cinematograficos que tambien tuvo.

Catalogada como la mejor pelicula de accion de todos los tiempos, Duro de Matar lleno el cine de accion de un nivel de comedia que hacia que el ver a un aleman acribillado fuera divertito y tu boca no se cerrara mientras el edificio entero volaba en pedazos, John Mclaine se fumaba un cigarrillo y nos contagiaba esa risa fanfarrona tan hipnotica que nos devolvia el amor al genocidio, en defensa propia claro.

Si bien Willis luego de este gran exito no logro hacer mas papeles destacables, algunos medianamete como El ultimo Boy Scout pero todos menores, fue con el megaextio de Pulp Fiction que Willis volvio a las grandes ligas, seis años despues de Duro de Matar en la piel de Butch el boxeador desertor que se enfrenta a un grupo de mafiosos luego de faltar a un arreglo con ellos. Se dice que Willis suplico por un papel en la cinta de Tarantino, no importando lo pequeño que fuera, pero que fue Tarantino quien lo escogio para este en particular por la personalidad de Willis y los papeles por los que fue famoso.

Fue entonces cuando a Terry Guillian se le ocurrio que Bruce podria protagonisar su nueva cinta de ciencia ficcion extravagante 12 Monos, cosa que no era tan arriesgada en el genero ya que para ese entonces ya se habia hecho Blade runner y estabamos en la tercera entrega de Alien, asi que esta cinta solo probo que Willis era mas que una maquina de patear y disparar, lo que le abrio las puertas para la divertidisima y original El quito elemento de Luc Besson y la taquillera Armagedon de Michael Bay, con las que se confirmo con el actor de accion con mejores exitos financieros.

Con su nuevo director M. Night Shyamalan, Bruce exploro tambien el genero de suspenso con tal exito en El sexto sentido, que su segunda colaboracion con el director El protegido fue subvalorada en su originalidad en el tema de los superheroes, pero que no dejo indiferente a la critica que reconocio su calidad mas alla de la sombra de Sexto sentido.

Luego de eso Willis a seguido con su clasicos papeles de duro, de los que cabe destacar la encarnacion de Hartigan en Sin City de Robert Rodriguez, que devolvio el buen nombre al genero de adapacion de comics que tan por los suelos habian dejado otras producciones.

Sin duda a lo largo de sus 20 años Bruce Willis a dejado una huella imborrable, yo le sugirira se apartara de directores menores pues segun hemos visto sus mejores papeles son aquellos donde una mano firme sabe guiar ese rostro impasible y ese humor tan raro del buen Bruce.

Big Fish

En Big Fish Tim Burton realiza uno de sus trabajos mas resaltantes, pues adapta una obra ajena a su imaginario y la transforma en una fabula maravillosa propia de su particular mundo llena de humor y romance, que resulta en un producto final en parte muy distinto a todas sus locuras a las que nos tiene acostumbrados y que pone a prueba los limites de su versatilidad cuando finalmente el fantasioso Burton tenga que adaptar lo que es en realidad un drama familiar sobre el valor de la comprension.

Pues Big Fish es la historia de dos seres que no se llegaron a entender en toda su vida, un padre y un hijo de personalidades diametralmente opuestas, uno lleva su vida contando historias fantasticas de todo lo que le ha acontecido, mientras que el otro simplemente ha vivido normalmente y el rencor de no saber quien es su padre y la falta de comprension a su estilo de ver las cosas y su forma de vivir lo distancia cada vez mas de él, sienmbargo la muerte es algo que no se puede vencer, de lo que no se puede escapar asi finalmente se fuerzan ambos personajes a darse la oportunidad de entenderse.

Tim Burton es de esos directores que pueden transformar cualquier historia y personajes hasta hacerlos propios de su personalidad, pero aqui deja las exageranciones y las forzadas expresiones de Johnny Depp para dar paso a un guion riquisimo en emociones de aventura fantasia, nostalgia y melancolia, emociones no muy frecuentes en su filmogafria, tanto que Big Fish no se parece a ninguna de sus otras obras.

El elenco tambien le sirve para despegarse de sus convencionales personajes con un fantastico Ewan Mcgregor, que se pone en la piel de todos los "Edwards" de Burton y Albert Finney que da con su entusiasmo por el personaje la credebilidad de ver la vida real de un viejo cuentacuentos, la conexion en la actuacion de Alison Lohman y Jessica Lange que hace que pasen desapercibidas las diferencias entre Mcgregor y Finney y la participacion de Steve Buscemi que da con su peculiar caracter el toque final de humor.

Este film es uno de los mas resaltantes de Burton, tanto asi que si luego de verlo no has llorado y llamado a tu padre, es que el cine no es lo tuyo.

Drag me to Hell

A todos nos encanta Evil Dead 2, por ser tan audaz y divertida de ver, asi que cuando se publicito que el hasta entonces aracnido director Sam Raimi volvia a sus inicios con el genero del terror-comedia-gore, estuvimos mas que dispuestos a ver su nueva y de excelente titulo Drag me to Hell, que no acabo por convencer a todos y que no paso en la memoria del publico mas alla de su estreno y unas pocas semanas mas.

Tengo que decir que ese no es mi caso, a mi Drag me to Hell me gusto, no porque sea la mejor pelicula de terror gore que se haya hecho, sino porque en ella se nota la mano de Raimi, esta pelicula lleva su firma en todas partes y ante el trabajo artistico y conceptual de un director no hay mas que rendir respeto, porque se peude notar el nivel de conocimiento que ha alcanzado y la similitud de su trabajo en esta pelicula con su anterior saga de Spiderman, lo que es genial pues nos otorga a un Raimi conocedor de su sello, de su particularidad. Y es que Raimi no se sale de su ideas ni por un segundo y todo le resulta en el lugar y momento en el que desea, que el guión no haya sido el indicado o que algunos actores no le hayan realzado mas la historia, como Alison Loahman que a pocos parece reaccionar a una cabra parlante como reaccionaria al ver una cucaracha, tlavez Raimi haya olvidado que lo que hizo tan divertido a su Evil Dead 2 fue las caras, llantos y risas de Bruce Campbell, personajes como ese se extrañan en este nuevo film de Raimi.

Drag me To Hell nos muestra lo mejor de Raimi como es su particular vision del gore extravagante mas centrado en la repulsion y la risa, usando no solo los efectos especiales modernos, sino tambien todas las tecnicas del abanico llegando hasta usar marionetas, aplicando con inteligencia el manejo de las situaciones muy creativas que se agradece ver en este genero que ultimanete solo repite formula de sustos sorpresivos, malformaciones o mutilaciones, Raimi mira hacia otros lados y se divierte contando una historia muy entretenida de ver.

Predators

Cuando oi que harian una nueva pelicula de depredador, me entro por un oido y salio por otro, pero cuando oi que Robert Rodriguez producia esta nueva version y que Laurence Fishburne y Adrian Brody la protagonisaban, la propuesta empezo a tener mas atractivo.

Ahora Rodriguez nos presenta este vistazo a su Predators

Spiderman 2

Si Sam Raimi hubiera sabido que en un futuro dejaria atras la etiqueta de "el director de Evil Dead" para ganarse una distinta con Spiderman, talvez no lo hubiera creido y hasta se habria reido un poco, pues la mitologia del trepamuros poco tiene que ver con el cine que hasta esa fecha habia hecho, pero que gracias a su excelente trabajo y casting logro convertirse en una de las cintas iconicas de la filmogafria del director.

En Spiderman 2 el guionista Alvin Sargent y Sam Raimi hacen una dupla asombrosa y logran un equilibrio entre lo que de seguro fue lo que les pidio la Marvel con todo y supervillano de turno y una historia mas humana del hombre detras de la mascara, que es algo que siempre a caracterizado a los heroes de esta factoria de comics, llegando a que Peter Parker y sus vicisitudes como spiderman resulten tambien en una entretenida historia sobre los valores morales, la familia, el amor y las responsiblidades que conllevan el madurar.

En esta segunda parte de la saga, particularmente, se nota mas la mano del director que en ninguna de las otras dos, esta es sin duda el Spiderman de Sam Raimi, con sus ganas de maltratar casi sadicamente a su heroe, con su humor negro, con su escencia de gore y esos acercamientos rapidos al rostro de sus personajes tan caracteristicos, incluyendo incluso un guiño a su celebre cinta Evil Dead.

Si comparamos a este film con otros del genero yo diria que este es el mas intimo y personal de todos, claro tratandose de una segunda parte, y cuyo gran exito se debe a la excelente y novedosa mitologia de spiderman que comparado con otros superheroes podria ser el que tiene los pies mas pegados al suelo.

Por ejemplo, Superman el hombre de acero, imperturbable e indestructible, Batman esta tan obsesionado con la justicia que se vuelve plano, una maquina humana de dar golpes y usar gadgets y el reciente Iron Man, que muchos han catalogado como la mejor pelicula del genero, por mas que frunza el ceño no llegara nunca a sentir mas conflicto que el de la justicia filantropica, solo para volver a sus poses de magnate, en mi opinion es Spiderman el mejor ejemplo de heroismo a travez de las adversidades que la moderna mitologia de los comics nos haya podido dar y que Raimi eleva al maximo de lo tragico comico con su vision del iconico superheroe.

Bien por Sam Raimi que hace un film muy divertido con escenas para el recuerdo que le dan por momentos un aire artistico independiente que hasta parece no necesitar de villanos para que el superheroe se venga abajo, si un dia logran convencer a Marvel que el antagonista de turno sean los conflictos internos del heroe, sus cavilaciones e inquietudes, sus problemas familiares y amorosos, aviseneme, me gustaria verlo de nuevo, Spiderman 2 cuenta ya con el registro de haberlo intentado, con gran acierto, las peleas con el Dr. Octopus son cosa aparte.

Ed Wood

Esta es sin duda una de las mejores cintas que ha filmado el iconico director Tim Burton, talvez la mas entrañable y sutil obra que haya hecho y que como pocas de su extensa filmogafria a sabido balancear las buenas y malas cualidades que tiene este director haciendo que estas ultimas desaparescan.

Si algo se le debe alabar a Tim Burton es gran manejo de escenarios, su visión fantastica y maravillada de lo improbable que imprime en cuanta historia tocan sus manos y la forma en que transforma sus personajes en seres tan desprotegidos e inocentes que uno acaba por encariñarse con ellos y cuanta desgracia les sobrevenga con tal de esbozar las sonrisas que provocan las ocurrencias del innovador Burton.

De todas sus peliculas son tres las que se elevan entre las demas, aunque tambien son geniales Batman ó Beetlejucie, pero que son digamos en las que Burton alcanzo la profundidad que lo hara prevalcer en la historia del cine, siendo estas Edward Scissorhands, Big Fish y esta su obra mas seria Ed Wood, y es que siento que estas tres tiene una honestidad y sencillez que Burton ha ido perdiendo y algunos casos extraviando en sus ultimas peliculas, cada vez mas centradas en los efectos especiales y en la extravagancia excesiva.

Ed Wood nos trae la historia veridica, aunque mas parezca alguna alucinacion de Burton, del catalogado peor director de cine de todos los tiempos y su pasión por hacer las peliculas que le apasionaban e identificaban no importandole, o no dandose cuenta talvez que la bajisima calidad de sus producciones lo harian pasar a la historia con tan infame titulo.

Pero Burton hace mas que darnos un biopic, lo convierte en una fabula de ensueño que sucede en la mente unos personajes que viven ciegos a su mediocridad, pariedad u ocaso, que se llegan a encontrar y que comparten un sueño juntos, que luchan hasta el final por su dignidad y valor, por el amor que tienen a lo que hacen y que no se rinden pues sin ello no les quedaria nada.

Hay que resaltar la brillante actuacion de Martin Landau, en el papel de su vida, como Bela Lugosi, contorsionadose, cojeando gesticulando y hasta hablando como un hungaro que no desea hablar como tal y que le merecio el oscar a mejor actor secundario. Johnny Depp es Johnny Depp y cumple su parte, no se puede decir que esta es una de sus mejores actuaciones pues no esta a la par de Edward Scissorhands ni de Jack Sparrow y es mas bien el Johnny Depp de todas sus demas peliculas, pero en general logran conectarnos con la genial historia de Ed Wood, diria yo la mas correcta pelicula de Tim Burton.

Twilight

Cuando Twilight se volvio el mayor exito preadolescente femenino de los ultimos tiempos, los criticos se abocaron a desmerecer su argumento y las actuaciones de sus dos protagonistas, pasando por alto el exceltente trabajo de dirección de Catherine Hardwicke como tambien la creacion de la atmosfera azulada del frio Forks en vestuario y maquillaje, el gran uso de efectos especiales, algunos de muy inteligente soluciones que llevaron a esta pelicula a tener una calidad comercial sobresaliente y que encanto a su publico por su implacable adaptación.

La verdad es que Twilight ha generando un fenomeno social solo comparable con grandes titulos pasados como Rebelde sin causa ó Grease y llevado, como estos en su epoca, a explotar hasta el cansancio el genero al que pertenecen, teniendo ahora una invasion de cintas y series de televison con similar tematica, algunas superiores como es el caso de True Blood, y generar todo un publico dispuesto a consumir cuanta historia con un par de colmillos se le ofresca.

Lo curioso es que en Twilight casi nunca vemos o casi de nada sirven los colmillos, el libro de Stephenie Meyer, se enfoca mas en el romance idilico de Bella por el irreal, incluso para ser un vampiro, y casi puro Edward, que de sus cualidades vampiricas no le queda nada y de verdad pasa por ser un chico de 17, cuando es en realidad un ser de cientos de años, un hecho desaporvechadisimo tanto en el libro como en la pelicula y en la actuacion de Pattinson.

Mas alla de la desganada actuacion de Krsiten Stewart, la pelicula se sostiene sola gracias a la brillante labor de su directora y a la enigmatica historia de Stephenie Meyer que nos devuelve el genero a la memoria, un tanto mutado eso si, en una historia de romance, que el publico femenino seguro disfrutara, aun culposamente, tal como lo hice yo.

Funny People

Cuando salí del cine luego de ver Funny People tenia un agradable sabor en la boca y una sensacion en el cuerpo que solo dejan, sabran ustedes, aquellas peliculas nunca antes vistas que se toman el riesgo de ser diferentes de una forma inteligente y que acaban por demostarte nuevamente que para cualquier genero no siempre la norma es ley.

Apatow ya habia repetido formulas con Virgen a los 40 y Knocked Up, mejorando en la segunda incorporando a su viejo elenco de Freaks and Geeks, dando muestras del deseo de dar una nueva direccion a la comedia cinematografica ya bastante agotada de parodias de otras peliculas. Con Funny People elabora un brillante argumento y lo presenta en forma de lo que podria llamarse una comedia de stand up continuo, llevando a la pantalla grande el humor repentino, la burla grosera sobre la realidad y esos nervios de lanzar la broma sin tratar de forzar la risa.

Funny People es la historia de Adam Sandler si este descubriera que va a morir, pero eso viene a menos lo divertido aqui es lo resfrescante de la comedia que se desarrolla detras de esa historia y el balance emocional que logra generar la historia del moribundo Sandler que aunque se muestre menos caricaturizado que siempre, sigue siendo igual de molesto.

Otro punto fuerte es la gran banda sonora mayormente esperanzadora o melacolica que aportan mas a la sensacion de tristeza y dolor que la cara, lamentablemente sin remedio, de Adam Sandler, que por lo menos esta vez se permite un personaje que no sea el bonachon puscapleitos de toda la vida.

Mucho ojos con Judd Apatow y Greg Mottola, se traen entre manos una nueva perspectiva del cine de comedia, en cuanto a ti, Seth Rogen, te estaré observando, you are a funny guy.

The Hurt Locker

Sobre The Hurt Locker se ha dicho que es la pelicula que retrata con veracidad el dia a dia de los soldados americanos en Irak, sin discursos ni sobredramatismos y que dichos atributos la hacen casi sin duda la mejor de los ultimos tiempos. Pero el film de Kathryn Bigelow no parece del todo la pelicula de guerra mas veraz que se halla hecho, ni la que tenga mejor historia siquiera, en realidad tropieza continuamente en su argumento y hay que hacer mucho esfuerzo para seguir su cansino ritmo que nos lleva por todas las misiones que deben llevar a cabo alternadas por el estallido de algunas bombas cortesia de los efectos de camara de alta velocidad .

La historia, que se alarga hasta mas no poder, es la de un equipo de desactivación de bombas y en especial de uno de sus miembros que se ha vuelto adicto al riesgo de poner la vida en juego, que si bien carece de los recursos argumentales que exaltan al patriotismo, cosa que se agradece este mesurada no ausente, no esta extenta de poner en evidente protagonismo a mas de uno de sus personajes y sus emociones llevandolos a realizar proezas que no tienen razon de ser y que no llevan a ningun lado la trama, caso distinto a otros tantos films sobre la guerra como son Rescatando al soldado Ryan, Apocalipsis Ahora, La delgada linea Roja o Cartas desde Iwojima que aun con toda su carga dramatica y guiones ficticios o alterados de la realidad, dicen mas sobre el hombre y la guerra y destacan en la historia del cine que esta agobiante cinta sobre tipos que cortan cables y que sopechan de los mirones.

El secreto de sus ojos

Qué pelicula El secreto de sus ojos, correctisima en su guion y en toda su direccion, Juan José Campenella ha sabido manejar las tomas mas arriesgadas e inovadores que haya visto en el cine latinoamericano y a unos actores principales que llenan esta historia a la perfeción, una historia de violencia y politica que resulta en un policial intrigante, pero que deja tambien espacio para el humor y que no te suelta hasta llegar a su climax, bueno, no necesariamente al final.

Y es que El secreto de su ojos, como buena parte del cine argentino, se basa en una historia muy llevada a la imagen esteriotipica de cine negro norteamericano, pero con un guion argentinisimo realmente exiquisito, que logra hacer que te conectes con Darín o te reias del humor tan fino que es el del personaje de Franchella, irreconocible en el film y tan bien dirigido que no parece ser el mismo payaso de la television, sino un fino actor cómico.

La cinta narra la busqueda de Benjamín Espósito, secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, que está a punto de retirarse y decide escribir una novela basada en un caso de asesinato ocurrido en los años turbulentos de los años 70 en los albores del golpe, luego del cual se vivieron epocas oscuras en las que se cometieron abusos contra los derechos humanos.

Talvez la mayor falla de esta gran obra es tambien uno de sus puntos mas fuertes, su poca originalidad, que se compensa con su guión, pero que hace evidente que la formula del cine comercial esta muy arraigada entre los espectadores latinoamericanos, al punto de que el director Jose Campellana decidiera darle un mayor protagonismo a la historia de romance que subyace menos resaltante en el libro en el que se inspiro el film, una historia romantica que no viene al caso y que es el mayor traspie de esta impecable producción.

A la historia pasara la gran escena mezcla de efectos especiales y tecnicas tradicionales que es la toma abierta que empieza sobre un estadio para terminar en el rostro de Darín y la coreografia presecución que forman un verdadero deleite lleno de adrenalina.

Puntos fuertes suficientes para hacerla merecedora de la nominación al Oscar y que la hacen en mi opinion una de las que mas posibilidades tiene de llevarse la estuatilla, espero asi sea, lo merece.

The wrestler

Algo que hace especial a la mas reciente pelicula de Darren Aronofsky es la orginalidad de su argumento, muy refrescante en la sobrecarga filmogafria de este director que esta vez dirige su mirada a la vida oculta de los mas representativos y subvalorados "artistas" de los espectaculos mas consumidos mundialmente como son los luchadores y las strippers, dos personajes que se asemejan en su labor siendo ambas expresiones falseadas de la masculinidad y la feminidad.

Ambos el luchador y la stripper cubren sus cuerpos de disfraces y maquillajes que los hacen seres idealizados casi irreales para los ojos de su publico, llevandolos a representar violencia y sexualidad, segun el caso, para el entretenimientode las masas y sin pensarlo demasido llegan a hacer un vida mas alla de su trabajo con familia, esposas e hijos que hace que su trabajo pase a ser una actuación donde al bajar el telón tendran que volverse a ver al espejo, recordarse que deben seguir y volver a su vida real.

Mickey Rourke, en su personaje de Randy "the ram", es torturado hasta el colapso donde vominta sangre y sufre un ataque al corazon, pero a diferencia del personaje de Marisa Tomei, el mundo fuera de su trabajo no es mas generoso ni le produce menos dolor que sus contendientes en el ring y en ese lugar que siente tan ajeno donde ha fallado tantas veces y donde no ha obtenido victoria alguna, nadie aplaude a su salida y nadie recordaria jamas sus proezas como dentro del mundo que lo hizo famoso. Es alli donde los gritos de entusiamo al oir su nombre lo vuelven a llamar, donde hay un guion para las cosas que se deben hacer y al golpear a alguien no se le causa un daño que vaya mas alla de lo fisico y el puede sonreir con el amor incodicional de sus seguidores.

Aronofsky logra hacer un film muy entretenido y casi documentalista agradeciendosele los pequeños trozos de informacion que nos hacen ver que mas alla de todo espectaculo hay un drama que se vive dia a dia.

Slumdog Millionaire

Sobre esta cinta, la verdad no queria decir nada, pero es que no podia dejar impune la infamia que fue coronarla con tantos meritos que no fueran tecnicos, cuando incluso el mas artificial musical-drama hindú tiene mas conciencia social y se siente mas real que esta excibicionista pelicula que es como una especie de Ciudad de Dios(cinta brasilera) pero con Buscapé y Dadinho bailando samba al final.

Tal es la hipocrecia que tiene Slumdog millionare que se hace molesta al extremo, mostrandonos violencia racista, abuso infantil, mutilaciones, violaciones y asesinatos interrunpidos de aplausos y confeti, mientras que sus personajes apenas y se ven conectados con su drama sin incurrir nunca en reflexion alguna y simplente corriendo tras la nada continuando con sus vidas hasta que al final se topan con un programa concurso que banaliza toda la miseria y el horror pasados haciendolos un recuerdo que servira para dar con la respuesta correcta.

Horrible pelicula de Danny Boyle un brillante director que nos tenia acostumbrados a ideas mas trabajadas y sinceras.

El curioso caso de Benjamin Button

Que pelicula tan lamentable es esta, que parte de un relato que bien en la literatura podria fascinar por su vision de la vida y la muerte, pero que en la cinta de Fincher se transforma en un muestrario de personajes vacios que no hacen mas que maravillarse y aterrorizarse por el envecejido o rejuvenecio Brad Pitt (al que muestran grotesco al extremo) y que supuestamente representan los diversos tipos de personas que habitan este mundo y que segun esta cinta se dividen entre los que bailan, nadan y los que venden botones, un recurso final tan sentimentaloide como el resto de la pelicula, que casi siente uno que se le escapa una risita.

Cabe explicar que en esta critica no se desmerece el argumento en el que gira la cinta, cuyo merito no es el de inventar esta historia sino hacer de ella una pelicula funcional, en lo cual falla contundenmete dejando este relato falto de brillo que se toma la licencia de fungir de drama fantastico cuando de drama no tiene mas que la cara triste de Bard Pitt y de fantastico el hecho de que se esmeren tnaot en los efectos especiales, que dejen a su suerte la actuacion de una figura tan talentosa como es Brad Pitt, pero es que seamos sinceros con ese guión no se podia ir más lejos.

El imaginario del Doctor Parnassus

Sera esta una cinta mutilada por la lamentable muerte de Heath Ledger ó era ya un fracaso de dirección desde el momento de su concepción, talvez nunca lo sabremos, lo que si podemos apreciar es el resultado final de los esfuerzos de Terry Gilliam por sacar a flote este proyecto que ya se venia hundiendo por aquella tragedia y que fue reparado como se pudo, solo para volverse a hundir en pantalla gigante. Y es que todo esta penosamente confuso, no se sabe bien hacia donde va la trama en especial con el personaje de Tony con todo y sus multipes caras y tiene unas lagunas narrativas tan desubicantes que acaba uno por desear de que alguna manera no importa cual, se acabe.

Sin bien es cierto que tiene un base muy solida, como es el conflicto de la imaginacion y la perversión, Terry Gillian no logra hacer de su cinta ni siquiera una historia bien contada y la llena mas bien de escenas tontas y dialogos nerviosos.

Let the Right One In

Comparada con cualquier otra pelicula Let the right one in se queda en ser un relato sombrio sin demasiados puntos fuertes, pero sin la ponemos entre el genero de terror o terror psicologico puede que llegar a resaltar por su exposicion cruda de heridas y mutilaciones, sin mas intereses que contrar la historia vampirica harto conocida, pero ahora contada entre un par de niños con sus problemas de abuso por parte del niño humano y de alimentacion y soledad por parte de la pequeña vampira.

Si la pelicula causa terror, no se podria decir que es su punto fuerte, lo que logra es seducir en su revision del genero vampirico, desde sus topicos fisicos mas resaltantes a la clasica busqueda de la aceptacion y el amor. El ritmo lento se utiliza para increcentar la tension y ala vez que alargar una historia muy simple, que no cuenta con personajes para destacar, para ser justos, mas alla de los dos principales que parecen aislado hasta que se topan con sus victimas.

Aunque muchos la titulan con el apelaivo de "la mejor pelicula de vampiros de los ultimos tiempos", no es de lejos el mejor relato que hemos visto y me parece veremos sobre el genero, pero es si una pelicula diferente muy disfrutable, excelente para aquellos que busquen alternativas a las clasicas formulas de susto y sobresalto y quieran darse un respiro con esta inteligente cinta.

The dark Knight

Desde la evolucion y maduracion de la historias del comic, pocas peliculas habian logrado dar con una formula que equiparase los mismos logros dramticos que sendas obras graficas ya habian alcanzado en el comic, asi pues con cintas como Blade, Spiderman o Xmen llegaba a rozarlo en adaptaciones muy correctas que buscaban al menos igualarse a la norma ya exigida por los fans agregandole los elementos necesarios para hacer de sus cintas el ultimo exito de taquilla, recien con la aclamada Iron man se dio el paso hacia la inovacion en las cintas de superheroes, pero sin duda la que se desligo de todas sus predecesoras fue el batman de Christopher Nolan y mas especifica y sonoramente su Dark Knight.

Las historias de Batman ya habian hecho de él uno de los personajes mas sombrios e interesantes del comic aun con toda la ñoñeria de personajes secundarios e incluso villanos a los que nos acostumbro DC, en esta Dark Knight se recurrio mas bien a aquellas referencias del comic que apuntaron a la distorsion mas oscura de estos personajes como son The Long Halloween, The Killing Joke y su cuasi homonima The Dark Knight Returns para crear una historia policial de gran pomposidad, que aporta mas de lo que se esperaba a la mitologia de Batman y que conto con una direccion sobervivia y una actuacion que quedara en la historia del cine.

Ahora bien, el ritmo de The Dark Knight es uno de sus principales atractivos, pues logra trasmitir la sosobra, el temor y la ansiedad propias de las tragedias que sabemos se avecinan a causa del crimen y la delicuencia, es decir lleva un ritmo de continuo climax, de exasperante agonia por saber en que desembocaran las acciones no del protagonista Batman, ni de sus coprotagonistas, sino en el antagonista Heath Ledger en el papel que lo consagro a la inmortalidad, si es justo decirlo, a la inmortalidad.

Heath Ledger encarna al Joker perfecto, mutilado mas alla de la concepcion original, mas carnal y que deja al psicopata sin la excusa de una mente dañada tragicamente para ser en realidad una mente comun llevada a la demencia en la contideanidad de su hogar. Él es el personaje que mueve los hilos, en cual, no se si intencionalmente, se basa toda la trama, el hombre que lleva en su personificacion mas que locura y maquillaje, lleva tambien en la forma dramatica la fuerza del caos que genera la violencia y es el artifice de llevar los destinos hacia la locura y la desesperanza, lo cual siempre ha sido la oposicion a lo que personifica Batman que es el accionar calmado y justo.

Sin decir mas toda la pelicula se resume en el buen guión, manejo del ritmo y la excelente actuacion de Heath Ledger que opaca todo lo demas y que convierte a The Dark Knight de una buena pelicula en una excelente obra.

Adventureland

El nuevo film de Greg Mottola, que ya nos sorprendiera medianamente con la refrescante comedia Superbad, nos trae ahora un romance ligero de adolescentes que pretende pasar por comedia, me parece, para atraer a su acostumbrado publico adicto a los gags establecidos en el subgenero de comedia-norteamericana. pero que se acerca mas a un inteligente retrato de sentimientos y vivencias como lo fuera Juno este nuevo genero adolescente que parece estar tomando fuerza y que podria, ojala, dejar atras toda esta etapa de humor tonto que nos dejara de legado American Pie y Scary Movie.

Aunque no esta muy claro en algunos momentos hacia donde va la trama o para que son necesarios ciertos personajes mas bulliciosos ó catatonicos que graciosos, tiene muchos momentos muy sublimes y romanticos asi como personajes sutiles y divertidos y una buena banda sonora de las que se hacen extrañar, mas alla de eso Adventureland es tambien la tipica historia de la aventura de empezar a madurar, sazonada con situaciones que evocan a la calidez de la juventud, en parte a la inocencia y al despertar de la adultez.

En cuanto al reparto es increible que Jesse Eisenberg y Kristen Stewart puedan ser la pareja principal, cuando ninguno de los dos tiene expresion alguna y han hecho de sus voces desinteresadas y titubeantes su, supongo, mayor atractivo, aqui se presentan con personajes mas reales y resulta divertido verlos fumandose un porrito, hablando de sexo o compartiendo algunos momentos con las melodias inolvidables de Lou Reed.

Gran Torino

Me encanto Gran Torino, no habia percatado en el director y para ser sincero no habia reconocido a Eastwood en su papel de Walt Kowalski hasta al menos quince minutos de empezada la pelicula, sin decir de los demas actores todos desconocidos pero excelentes en su roles, pues esta cinta tiene la gran cualidad de ser una obra sencilla y sincera, sin mayores adornos que el de contar una relato sobre el ser humano, como lo fuera Million Dollar baby y guardando con ella mas similitudes de lo que se podria observar a simple vista.

La historia nos presenta a Walt Kowalski un veterano de la guerra de Corea que es uno de los pocos norteamericanos que viven en los suburbios ahora hogar de los inmigrantes, es con una familia de chinos vecinos suyos con los que Walt entablara amistad y a la cual defendera de los continuos ataques de las pandillas que tambien alli se han formado. Lo cual sirve para desenmarañar un relato calido con temas ya tratados en Million Dollar Baby, como la amistad, la lucha por salir adelante, el verdadero significado de familia y el valor de la fe y la iglesia en los problemas de miseria humana, no es asi coincidencia que en ambos relatos el frio corazon de un americano republicano, conservador y en ocasiones racista o machista, sea mellado por el reconcimiento de los valores que el esperaria encontrar en aquellos que son de simpatia, pero que en lugar de eso se encuentran en aquellas personas que simbolizan todo los opuesto a el, mientras que los valores norteamericanos se desmoronan y la familia consanguinea es mostrada como un enemigo sin interes ni cariño mas alla que el monetario, la bondad y caracter de las personas florece en los lugares que tipos como Walt Kowalski nunca se atreverian a mirar.

Gran Torino es una de esos film que ya no se hacian, una verdadera pelicula, sin efectismo ni trucos, con un caracter intimista que hace que los esteriotipos del relato se diluyan gracias al gran trabajo por establecer una relacion de fraternidad ente Walt y Thao, el joven chino en el que Walt logra tener toda la esperanza que no le dio ni su familia, ni la iglesia, ni la religion, esa amistad que surge del entendimiento, del respeto, del trabajo y de la ayuda mutua, cosas por las que en Gran torino y en Million Dollar Baby justifican el mayor sacrificio de alma y cuerpo.

Una obra colosal y a la vez sencilla, Gran Torino no tendra efectos especiales, pero es el mejor relato de los ultimos tiempos.

5 obstrucciones

Si algo me gusta de la primera pelicula de Lars Von Trier que veo, es el hecho de que uno llegue a comprender, casi racionalmente, algo tan complejo como un ser humano, mediante un proceso fracasado, mediante un film que no cumple los objetivos con los que inicio, pero que en el camino se transforma en la resolucion complicada a preguntas que palpan su superficialidad sabiendo que las respuestas que buscan son dueñas de una profundidad y oscuridad tan aterradora, que nos mantenemos en la seguridad de solo plantearlas.

Tenemos en una mano el film de Jorgen Leth que inicia todo, llamado "El humano perfecto" , la idea es incialmente llegar del "perfecto" al "humano". En su film Jorgen Leth aisla a su humano, lo mueve, lo hace caer, lo hace soñar, lo hace hacer el amor, describe su fisionomia y su quehacer contidiano y qué mas podria mostrarse cuando se lo examina como lo haria un cientifico completamente ignorante, Jorgen pregunta, se maravilla y se queda en la admiracion, pero hay algo mas detras de eso, detras de eso esta el ser humano, que no tiene narracion, ni siquiera la descriptiva que le da Leth, que simplemente existe, lo asombroso de este film es que ni Von Trier ni Leth saben esto cuando inican el proyecto.

Asi Von Trier quiere desenmascarar a Leth, quiere vulnerarlo, no hacerle entender su cine, sino hacerle entenderse a si mismo como el quiso entender a su "humano perfecto", Leth quiere jugar a reinventar su visión, jugar a ver todos los posibles caminos, las posibles versiones del "humano perfecto", se deja manipular, se vuelve el humano que antes tenia en sus manos, deja q Von Trier lo aisle, lo haga moverse, lo haga soñar, prescenciar el proceso solitario de hacer el amor, lo deja inmiscuirse en su vida y en su quehacer cotidiano, lo deja hacerle filmar muchas veces el mismo corto "El humano perfecto" y Von Trier deja fluir a su marioneta, a su "humano perfecto", pero no sabe que hacer para llegar a conocerlo, se desespera y reniega por sus reglas creyendo que a travez de ellas llegará a conocerlo.

Es increible para mi observar a estos dos tontos manoteandose tan equivocados y sentir empatia por su humanidad y su busqueda y es justo cuando surge una de las ideas mas geniales, cuando Leth queda mas expuesto, Von Trier libera a su humano perfecto, se da cuenta de sus errores, de como no puede controlar la mente de Leth con sus reglas y lo corrige muy bien, olvida por un segundo todas las obstrucciones y crea la mas grande: "no hay obstrucciones", que es en escencia la miseria de la realidad, la posibilidad de hacer todo, de tener que elegir, de estar tan solos en nuestras desciciones, la obstruccion mas monstruosa.

Asi Leth fracasa, no crea un corto mejor a su film original, pero logra redefinir a "su" "humano perfecto",tambien Von Trier fracasa, no vulnera a Leth, no lograr sacarle una lagrima por la humanidad, pero lograr aprender algo no solo sobre Leth, no solo sobre si mismo, sino sobre "el humano perfecto", que estuvo allí todo el tiempo como algo que es imposible describir, que fascina y a la vez es impenetrable.

5 Obstrucciones no tiene absolutamente nada que ver con el cine, nada que ver con el proceso creativo, nada que ver con hacer un remake, el cine es solo un truco, una distraccion, una ventana incomoda que deforma todo, una ventana dolorosamente necesaria, 5 Obstrucciones es en realidad la busqueda de la realidad del "humano perfecto".

The Time Traveler's Wife

Si pudieramos nombrar un genero para ese tipo de pelicula que no es que vayan a marcar un antes y un despues en el cine, si pudieramos pensar que hacer un film a veces tiene como objetivo hacer bien un trabajo y contar una historia en forma correcta que agrade al publico y no intentar ser el film que descubra el nuevo significado de la cinematografia, podriamos ponerle como ya han acuñado el termino en ingles "peliculas suficientemente buenas" (good-enough-movies), esas cintas entretenidas y atrayentes que no nos dejan el mal sabor de boca de una produccion fallida.

En ese genero bien podriamos situar a The Time Traveler's wife, que aqui en Perú llevo el titulo de Te amare por siempre, bastante soso por cierto para este film de ciencia ficcion tan interesante y novedosos que diria yo supera a otras tan sonadas adaptaciones como Yo robot, Soy leyenda, La guerra de los mundos ó la insufrible y tonta El curioso caso de Benjamin Button, y que tambien tiene a su favor la dinamica historia de Audrey Niffenegger que nos lleva por una narracion muy gratificante de seguir, atrapandonos en la idea y haciendonos participes de un drama con una base irreal que a la larga llegas a aceptar como cierta.

Si bien los temas mas tratados en la cinta son la efimeridad de la vida, el devenir del tiempo y su continuidad altera en el relato por la posibilidad de viajar en el tiempo, pero aun asi con la incertidumbre por el futuro de la vida fisica lineal, la cinta tambien se puede disfrutar como un film romantico, para aquellos que no sean tan adeptos a la ciencia ficcion como lo soy yo.

Invictus

Lo que me gusta de una pelicula es que una vez establecidad su trama cuente una historia atrapante sobre la base de sus posiblidades tanto asi que puedo soportar no llegar a ver una obra maestra y no tener miedo de decir es una excelente pelicula, pero cuando se desaprovecha una historia, cabe mencionarlo, sin desmerecer el resultado final.

La historia que narra Invictus es apasionante y emocionante, tiene los elementos de inspiracion adecuados en sus personajes y logros historicos, pero me parece que la lucha de Nelson Mandela y de su pais por la tolerancia y el perdon queda un poco desubicada cuando no se relata en la cinta los abusos que se cometieron ni las luchas que se sucitaron lo que deja solo en el accionar de sus personajes los conlictos que debieron ser tema de interes para el publico.

Invictus se vuelve entonces una cinta menos epica que la misma realidad, tan intima y enfocada a Mandela que acabamos viendo al equipo de rugby y a todo el pais a traves de sus ojos, quitandole protagonismo dramatico a todos los demas personajes que se limitan a un ir y venir alrededor de Morgan Freeman y cuyas emociones luego tratan de ser reemplazadas con el hurra final y los abrazos interraciales.

Pero no por eesto Invictus esta extenta de dramatismo y de una buena narrativa, aunque cuesta mucho meterse en la piel de la situacion,la mano de Clint Eastwood no tiembla en ningun momento, la cinta cumple con su cometido y es entretenida, el espectador que dedique su tiempo a ver Invictus no se decepcionara en absoluto.

Inglorious Basterds

La nueva cinta de Tarantino sigue la ruta que ya trazara desde Kill Bill, pero tiene las mismas muletillas equivocadas y cansinas de guion, que en tono de homenaje-comedia, ya habia puesto en su collague de kung fu-cine jakuza-wenster y una falta de criterio en edicion y desarrollo del que habia hecho una norma en toda su Death Proof y parte de su Kill Bill volumen dos.

La historia que nos presenta Tarantino esta vez no tiene giros significativos en su argumento, como tuvieran sus anteriores peliculas hasta Death proof, ofrece en cambio cortes en un relato que empieza interesante pero que se ramifica tanto y tan absurdamente que cada parte no logra mayor sublimidad o emocion que encontarse hacia al final y acabar o sobrevivir segun dependa la voluntad del escritor en este caso Tarantino, que si bien antes hacia de este recurso del asesinato un final climatico, con tan poca conexion con los personajes solo logra hacer que el publico se pregunte "bien y ahora ¿quien mata a quien?".

Pero Tarantino tiene a su favor su inmenso talento para componer un reparto verdaderamente exquisito, con excepcion de todos los soldados bastardos (Brad, Tim, etc.), la actriz alemana Brigitte von Hammersmark, Shosanna y el soldado aleman estrella de cine, obsesionado con ella, cuyos personajes e historias nada aportan y si sinceramente aceptamos que alli donde iban ellos podrian haber ido otros y eso que hicieron bien pudo ser algo mejor que apoyara al resto de la trama podriamos dejar de decir que Inglorious Basterds es una obra maestra, cuando en verdad es una obra mutilada y tediosa.

Muy correctos y divertidos de ver estan por otro lado Christoph Waltz, cuyo personaje es el emblema de la pelicula, el granjero Perrier LaPedite, increible Mike Myers y tambien Michael Fassbender, cabiendo mencionar tambien las agradables apariciones de Rod Taylor, estrella de Los pajaros de Hitchock como Winston Churchill y la excelete direccion que hizo de los personajes de Hitler y Joseph Goebbels, cuyas interpretacion dialogos e historias son lo que hacen que nos quedemos hasta el final de Inglorious Basterds y sea esta una pelicula que no se debe dejar de ver.

Avatar

Aqui tambien discutiremos Avatar, porque es una, sino la mas favorita para llevarse el premio a mejor pelicula y porque quisiera decir cuan injusto me parece que la estatuilla del oscar la ganen a cintas cuyo mayor merito son los efectos especiales y las ganancias en taquilla, que no logran ser unas peliculas para destacar, como si lo son otras ganadoras como la La lista de Schindler, Million dollar baby o No country for old men y porque estoy harto de que se cometa una y otra vez la misma injusticia de premiar a la peliculas mas taquillera en lugar de a la mejor, como fue el caso de Forrest Gump y Pulp Fiction o El señor de los anillos y Rio mistico. Y es que es bien sabido que los premios Oscar son mas que nada un reconocimiento a la industria del cine mas que al cine como medio artistico, no por ello digo que no sea meritorio, pues tanto como el cine es un arte es un labor de empresa y una continua toma de desciones lo que hacen que un film sea exitoso, talvez solo deberian cambiar el nombre del premio y quitarle ese de "mejor pelicula".

Asi llega Avatar, el mas reciente fenomeno cinematografico que lo es todo y a la vez nada, en el cual se invirtieron una multimillonaria suma de dinero, con un trabajo de produccion titanico (vale la paradojica similitud), un cuidado de detalles asombroso, que ultimante se a vuelto la norma en las producciones fantasticas, y un imaginario que no parece ser la gran cosa, que no nos lleva a un mundo que nos fascine demasiado ni sea tan novedoso como se esperaria, donde los seres que parecen perros aullan como perros y los que parecen pterodáctilos, medusas o rinocerontes no se diferencian mas que en alguna que otra falta o agregado de carne.

Avatar marea, distrae y aturde, sigue el esquema mas simple y reiterativo de las peliculas de lucha de la naturaleza contra la industrializacion, no sorprende ni aporta una escena para el recuerdo, todo es tan efectista y falso como un arbol hecho por computadora. Pero si algo debe agradecerse a James Cameron, es su sabia direccion, que no se va por las ramas y cuenta su historia simple e intrascendente como es sin pedirle mas de lo que es, como si ocurriera con las dos secuelas de Matrix, verdaderamente insoportables.

En el caso de que Cameron gane nuevamente el oscar, como ocurrio con la sobrevalorada Titanic, la industria nos seguira bombardeando con mas y mas adelantos que ya nos llevaran tanta ventaja que el contenido narrativo y la trascendencia cinematografica aun no lograra alcanzarlos.

The Lovely Bones

La mayor parte de las criticas que llegaran a leer sobre esta pelicula tienen razón, The lovely bones no llegar a ser , mas alla de sus efectos especiales, una cinta que se destaque de la media, pues elabora y desarrolla muy superficialmente a sus personajes y hace irrelevantes sus motivaciones y reacciones haciendo que la historia, que de por si no es nada inovadora, quede en un simple relato de hechos, que aunque muy entretenidos no logran a hacer destacar el film en su conjunto.

Cosa distinta a las demas cintas de tematica similar como Mas alla de los sueños, donde la vida y efectos visuales en el limbo eran motivo de asombro y guardaban una relacion mas intima y dramatica con los hechos en el mundo de los vivos, o los films sobre crimenes como Rio mistico, donde la motivacion por hallar al culpable era realmente una expresion incontrolable del dolor por la perdida del ser amado.

The lovely bones de Peter Jackson no es una mala pelicula, es una pelicula comun, que no explota a sus actores y tiene un guion muy simple, pero se deja ver y si uno se deja un poco de pedanteria, puede disfrutarse sin culpa pues tienen en sus puntos fuertes una narrativa correcta, una imagen visual que cautiva, por lo demas contiene muchos errores de desarrollo de personajes, muchos de los cuales van y vienen y nunca aportan nada, y un desenlace muy torpe, para una cinta de la que se esperaba mas.