Top 10: Las mejores adaptaciones de Cómics al cine. I

                                         

Como los libros, y en ocasiones hasta la música, aun no la pintura o la escultura; los comics, ese arte gráfico hecho en sus inicios para el publico infantil, tienen un irremediable atractivo para la industria del cine. Nacidos de la emulación del arte cinematográfico, lo han transcendido hasta alcanzar su propia expresión y volverse en ocasiones un arte dotado de medios que los otros no pueden repetir.

Siempre es, sin embargo  notable el deseo de hacer que las viñetas cobren vida, animación  movimiento, llevándolas a la pantalla grande, como copia, adaptación o inspiración  los resultados son diversos y no siempre satisfactorios, pero para aquellos que amamos la mitología detrás de lo sobrehumano, siempre tendremos un lugar especial reservado, para aquellos intentos de llevar al cine a estos excitantes personajes y sus historias.

Por cierto el orden no refleja que una sea mejor que la otra.

10. Wacthmen/300

Ambas fallidas, para unos, éxitos para otros, las opiniones dividas parten de lo diferente de ambas obras; mientras una es una densa biblia del comic, que trasciende el genero para establecerse como la que mayor provecho le saca al medio expresivo, siendo prácticamente inadaptable; la otra es una simple historia de no muchas paginas, donde se hiperboliza un hecho histórico de forma breve.



Así mientras una intenta condensar, sin éxito tal vez toda la magnitud de la grandiosa obra de Alan Moore, la otra alarga aun mas la simple obra de Mark Millar. De las dos, prefiero Watchmen, mejor música  mejores actuaciones y mejor producción  pero cuando salio 300 recuerdo haberme emocionado mucho.




9. Scott Pilgrim vs The World / Kick Ass

Empatadas  están dos contemporáneas adaptaciones de cómic relativamente modernos y con una temática relajada juvenil. La adaptación de Scott Pilgrim es divertida y correcta en muchos aspectos, coincidentemente Kick Ass también lo es, el éxito de Kick Ass es ligeramente mayor, pues llevo incluso a la elaboración de una secuela del cómic  con el fin de poder hacer una secuela para la película.

Ambas hechas con un espíritu de cine independiente, fiel al mismo espíritu de ambos cómics  los directores Matthew Vaughn y Edgar Wright, de Kick Ass y Scott Pilgrim, respectivamente, no pasaron desapercibidos para la industria del cine de adaptacion de comics, el primero dirigio luego Xmen First Class, y el segundo es el elegido para dirigir Ant-man.


8. Spiderman 1 / 2 / X-men

Como fanático de Marvel, estos son dos comics a los que le tengo mucho cariño; como personaje a Spiderman y como conjunto a los Xmen. Ambas adaptaciones corrieron de la mano de dos geniales directores: Bryan Singer (Los sospechosos habituales) y Sam Raimi (Evil Dead); es notable ver como ambos directores dejan su huella en estos dos films, es revitalizante, que dentro de la maquinaria de Hollywood aun puedan dar rienda suelta a sus ideas los directores que antaño cambiaron la forma de ver cine.

En Xmen Singer se vuelve un Lucas, juega con una mitología basta y logra hacer de los personajes un fiel reflejo de los del comic, pero a ratos se controla demasiado, la actuacion de Ian McKellen  como Mageneto es para resaltar y subrayar; Raimi tiene la tarea mas sencilla pero se da mas libertad, hace de Spiderman un film reflexivo y profundo, sobre la adolescencia, elegir un camino y encontrar tu lugar en el mundo, pero tambien uno divetido, tierno y emocionante, en esta caso William Defoe es el que se lleva las palmas.

7. Sin City/V for Vendetta

Y volvemos con la dualidad Alan Moore-Mark Millar, esta vez con dos exitos de critica bien logrados; el primero marco el inicio del amorio de Mark Millar, reacio hasta ese momento a adpatar sus comics, con el cine, el incansable genio de Robert Rodriguez le permitio tener la vision y la humildad de plasmar viñeta por viñeta el cómic en los fotogramas, creando un evento filmico visual que marco futuras adaptaciones y el uso de la tecnologia en estas.

Por otro lado los Wachowski no tendrán la venia ni la aprobación de un Moore que se mantiene firme en su idea de inadaptacion de sus obras, pero el resultado y ágil guion de su V for Vendetta, unido a las actuacion de Hugo Weaving y la correcta interpretacion cinematografica de la distopia literatia heredera de 1984 que planetaba Moore, la hace a mi parecer una excelente adaptacion



6. Superman 1 / 2

La musica de John Williams, el guion de Mario Puzo(si el mismo escritor de El padrino) y la actuación de Christopher Reeve hicieron de Superman, la moderna adaptación del año 1978, un clasico instantaneo. En una epoca de optimismo cinematograficos, el tiempo de los antiheroes parecia haber terminado, Superman calo hondo en la psiquis del espectador, de tal forma que el mismo personaje de los comics fue modificado en sus apariencia para que esta se asimilara mas a la Reeve. La vision de un heroe calmo y libre de conflictos, seguro y todo poderoso era la representacion del ideal americano, Superman jamas se vio tan libre volando al rededor del planeta.

5. Batman/ Batman Returns

Que visionario! Si Tim Burton pasa a la historia del cine por un puñado de peliculas (de las tantas que ahora hace) cuenten entre ellas a sus dos adaptaciones de Batman. La genialidad de reinventar al personaje, de versionar toda ciudad Gotica, como un teatro gótico sacado de una película de Munrau y Wiene, lleno de sarcasmo e ironia, una tragedia cómica jamas concebida de mejor manera que por Burton. Su Batman es una mención aparte del personaje del comic, lo trasciende, lo convierte, lo reinventa; y quedara en la retina por siempre, muy apartado tal vez de cualquier otra cara del murciélago.

Cloud Atlas: La torre de Babel.

Como la mítica edificación bíblica, Cloud Atlas es una enorme y ambiciosa producción de cine independiente, como nunca antes se había visto, que no solo requirió una gran inversión de dinero, sino también el  trabajo conjunto de tres directores (a todos los niveles imaginables para una producción cinematográfica: manejo de actores, locaciones, efectos especiales, narrativa, ritmo,etc), los hermanos Wachowski (directores de la saga Matrix y V fo Vendetta) y Tom Tykwer (director de Run Lola Run y The Perfume), quienes se embarcaron en esta adaptación del libro de ciencia ficción homónimo de David Mitchell. 

El argumento es en realidad, si se quiere, simple: consta de seis historias, pensemos por un momento, inconexas; cada una en distintos espacios temporales: 1849, donde un comerciante de esclavos norteamericano busca la cura para una extraña enfermedad; 1936, siguiendo las vicisitudes de un compositor  ingles de música clásica bisexual en su búsqueda por fama; 1973, con la historia de una periodista tras la pista de una mafia corporativa interesada en usar energía nuclear; 2012 donde un publicista logra triunfar con un libro que solo le trae mas problemas; 2144 en los inicios de una revolución social dirigida por una ex esclava en Seul y finalmente un futuro postapocalíptico en el año 2321.

Por separado, el nivel de narración  edición y actuación de cada historia es perfecto; los directores actuando por separado han logrado dotar a cada conjunto con una perfecta armonía interior que hace que, si las observamos una a una, no podamos encontrar defecto alguno. Los problemas emergen cuando se quiere llevar el argumento del libro y su esencia a la película,  pues verán, Cloud Atlas no solo nos narra estas seis historias por separado, sino que las interconecta y hace yacer en ellas la creencia de la reencarnación, haciendo que los personajes de una historia sean, entonces, reencarnaciones de los anteriores.

El inicio de la destrucción: Los múltiples personajes.

Piénselo por un momento, son mas de una decena de digamos esencias,  en un total de seis historias, ¡eso hace un total de sesenta personajes! ¿Como manejar esto? La solución de los Wachowski y su equipo fue a primera vista una genialidad, pero subyace alli el inicio de la caída de la torre: Decidieron hacer que un mismo actor interprete a todos los personajes que llevan la misma esencia en las seis historias; asi Tom Hanks es un doctor en una, un escritor en otra, un nativo, un actor, etc.

La voragime de ciencia ficcion tambien deja espacio
para dos  films muy intimos dentro de la misma pelicula

En este punto el casting se hace mas complejo, y esto se refleja en la película por el siguiente motivo:  si es difícil encontrar al actor perfecto para un papel, ¿como es entonces forzar a un solo actor a interpretar seis personajes? Estos son extremadamente buenos actores, es sorprendente verlos dar en la nota correcta con algunos personajes, pero las vertientes son tantas, que eventualmente acaban fallando.

Es una verdad que al contar una historia con un actor, el director esta trayendo junto con su actuación y rostro todo el "equipaje" del actor, es decir la larga fila de personajes que este a interpretado en sus anteriores trabajos, es discutida esta tendencia egocéntrica de actores y directores al pensar que el publico puede olvidarse que esta viendo a Tom Hanks en la pantalla, en lugar de creer que es el personaje.

¿Como entonces olvidar a un personaje interpretado por Tom Hanks, si no solo acabamos de verlo, sino que volvemos a verlos? Los efectos especiales en transformación de rostros y el maquillaje de prótesis  estan tan avanzados que parecería tarea sencilla hacer con Hanks, Berry y los demás, un proceso como el de Brad Pitt en Benjamin Button o mas recientemente Hoppkins en la celebrada Hitchcock.

Envejecimiento y cambio de raza son, como sabemos, los desafíos mas grandes a los que aún se enfrentan los maquilladores de cine, es por decirlo su prueba de fuego, y se requiere, se dice en el medio, un verdadero maestro para lograr "un" solo buen trabajo. Cloud Atlas intenta no solo uno sino multiples transformaciones, como también el cambio de sexo de algunos de sus personajes. Todo esto juega en contra de la credibilidad del film y es, como unánimemente se ha aceptado, el principal fracaso de Cloud Atlas.


El legado cinematográfico de Cloud Atlas: Edición, narración y arquitectura.

El nombre de Cloud Atlas proviene de la composición musical de uno de sus personajes, es el nombre que le da a una partitura que los mezcla a lo largo del tiempo.

Como una pieza musical el movimiento de los directores es magistral: Mientras que en el libro las historias se dividen en dos partes, como por un espejo, con un principio interrumpido por la siguiente historia, para concluirla, luego de contadas las seis primeras partes; en la película las historias se toman como un sola, se cruzan continuamente y entrelazan, en ocasiones como ecos.

El guion es, por separado en cada una de la historias, nada fuera de lo común,  pero el trabajo de edición es el verdadero legado de esta película sui generis. El poder narrativo que crean al recortar con sus pausas, dinamismos y explosiones, imágenes,  sensaciones y lenguajes, es digno de reconocimiento.

 Y no es que solo sea poner pedazos de las historias una entre otra, sino que es un ejemplo de ritmo en el cine, como no se había visto a este nivel de complejidad.

El intrincado hilo narrativo (genialidad) que los directores propusieron, la variedad de personajes, la actuación múltiple de un solo actor y el trasfondo espiritual de su mensaje son los pisos de la torre de Babel que es Cloud Atlas. Una torre majestuosa  que casi tocó el cielo, pero donde de pronto los hilos que la sujetaban empezaron a soltarse, los lenguajes se confundieron y como en la historia bíblica, en este caso es el publico quien confundido, abandona la obra.

Estructura lineal, escalonada y episodica.
Todas en su momento fueron dificiles de seguir

La arquitectura intrincada de Cloud Atlas es una delicia, se basa en la emotividad de la narración y se divide como todo drama en un inicio, un nudo y un desenlace;  lo interesante es que las seis historias se vuelven una sola, pero al mismo tiempo siguen su mismo canal narrativo.

Así podemos decir que todas empiezan juntas y concluyen juntas, pero se unen, como en una sinfonía, a traves de la emotividad de cada historia, con un crescendo que se correlaciona con el score musical de manera muy sutil.

Se han visto casos de películas cuya estructura narrativa a sido difícil de aceptar por el publico, como por ejemplo en su tiempo Star Wars, al presentar con un ritmo endiablado demasiados datos, demasiada mitologia, que a pesar de ser una estructura lineal le fue dificil de seguir al publico en su tiempo; otro ejemplo es la estructura escalonada de Inception, que tuvo mediano éxito, pero cuya complejidad jugo a su favor, por ser publicitada asi; y una episodica como Pulp Fiction, que en su época causo revolución y admiración por dividir en bloques las historias y jugar con la temporalidad de los sucesos.

Tal vez aun no es tiempo para una película como Cloud Atlas. Al tratar de hacerla mas digerible para el publico, logro salvar de un mayor fracaso comercial, pero quiza darle aun un proceso metal mas complicado la hubiera elevado a película de culto.

Mi idea es que el uso de mas actores hubiera salvado Cloud Atlas, me parece maravilloso el trabajo de David Gaysi en su papel en la primera historia, Jim Broadbent en dos papeles tan contradictorios como en la segunda y cuarta historia,  Ben Whishaw en la segunda, Jim Sturgess en la quinta ó Tom Hanks en la sexta historia; la fuerza de estos personajes opaca a la de los otros que interpretan y eso les favorece; así como ellos muchos actores logran excelentes, excelentes les digo, actuaciones, pero los altibajos podrían haberse solucionado con el casting de aun mas actores, en aquellos donde las flaquezas (incontrolables) de los personajes lo requirieran,  tal vez esto hubiera hecho mas complejo el film y mas difícil de entender o seguir, pero hubiera aportado mas realismo al conjunto.

El trasfondo filosófico de Cloud Altas.

Mas allá de toda motivación filosófica y religiosa, los Wachowski se han ganado a pulso mi respeto como creadores cinematográficos,  sin embargo no podemos negar que desde un principio fueron unos apasionados y cuidadosos creyentes de inyectar ingredientes místicos, filosóficos, politicos y religiosos en sus películas  desde Matrix, pasando por V for Vendetta, hasta Cloud Atlas, su intereses por dejar  mensajes es interesante y en Cloud Atlas la tónica dominante es la lucha entre el bien y el mal dentro de los seres humanos, la unión de la humanidad y el amor entre las personas, todo esto mas allá de tiempo, espacio, géneros  razas o creencias. Les dejo unos ejemplos:

La union de los seres humanos, a pesar de sus razas, es
un tema tratado en Cloud Atlas.

La lucha contra toda forma de abuso, incluidos los ancianos
es otro de las formas de esclavitud espiritual que se combaten

El mal esta presente en todas las historias, pues es parte
 esencial de nuestra naturaleza

Un hecho relevante de esta película es la tolerancia entre los seres humanos y la espiritualidad, donde nuestros cuerpos y apariencias son contenedores de algo mas grande y trascendente. De esta forma la homosexualidad e incluso el cambio de sexo subyace como tema entre sus personajes, lo que llevo a una mayor entrega por Larry Wachowski, el menor de los hermanos, que aprovecho el estreno de este film para anunciar su decisión de cambiar de sexo y su posterior transformación, haciéndose llamar ahora Lana Wachowski. 

Los tiempos están cambiando no cabe duda, la conclusión ética queda en cada quien.

La injusticia del reconocimiento contemporáneo. Cloud Atlas fuera de tiempo.

Debido a la inversión y esfuerzo que costo realizar esta película, su fracaso comercial es evidente, el proyecto no tubo apoyo de las grandes productoras desde el principio y tuvo que ser solventado de manera independiente; el esfuerzo de actores como Tom Hanks o Ben Whishaw, que indirectamente colaboraron en la producción, habiendo entablado una profunda amistad con los directores.

Su fracaso entre las nominaciones y premios importantes de la industria es también notoria, en algunos casos ni siquiera logro ser nominado (ni siquiera en los Spirit Awards, que premian al cine independiente, injusticia que también sufrió "The Master") y sobre todo, menos en los Oscar.

Esto ,como para mi, fue una sorpresa entre todos los críticos y publico, donde producciones, en comparación  de menor calidad, lograron no solo nominaciones sino galardones. Podría comparar Cloud Atlas con una edición donde se mezclen Life of Pi, Argo, The hobbit, Anna Karerina ó Silver Lining Plabook, entre otros y obtendríamos Cloud Atlas.

Así como para Sonmi 451 las películas perduran a través del
tiempo y serán una inspiración para futuras generaciones con
un significado muy distinto al que podríamos darles hoy.

 Una obra de esta complejidad no quedara sin justicia en la historia, pero es un ejemplo de como una descoordinación,  un solo error, puede arruinar el producto final de una forma tan radical.

La forma en que escribo esta critica es, como todas, para hacer que puedan verla a través de mis ojos y apreciar lo que pude apreciar en ella.

Tenia la romántica idea de lograr, en su tiempo en cines, que ustedes lectores vayan a verla, les agrade y la recomienden a sus amigos y asi ayudar a esta fantástica película. A menudo nos encontramos en dvds o el la tv con películas antiguas que desearíamos haber  podido ver en cines, Cloud Atlas es esa oportunidad, pero como todas esas película no valoradas en su tiempo, en un futuro su mensaje tendrá un significado distinto.

Tenemos a tres excelentes directores y seis maravillosas películas  mas de diez asombrosas actuaciones y una maravillosa arquitectura gracias al cuidado que sobre ella siempre ponen los Wachowski y ademas tenemos films íntimos de una increíble humanidad gracias a Tom Tykwer. Cloud Atlas, la torre de Babel, quedara en la historia del cine, que va mas alla de las pantallas, como otras tantas, mas valoradas con el tiempo.

Oz The Great and Powerful: ¿Sam Raimi donde estas?

Una sola palabra: Disney.

Cuando el proyecto de Sam Raimi haciendo una precuela del clasico "El Mago de Oz" llegó a mis oidos, no pude mas que emocionarme; el querido director de sagas como Evil Dead o Spiderman llevando su peculiar visión del cine a un clásico como este, ofrecía una promesa de innovacion y creatividad, sin embargo el producto final, sin ser desmerecido, dista de lo esperado de este gran director.

No es que Oz The great and Powerful sea una mala pelicula, es en realidad una película bastante aceptable, pero para llegar a esta apreciación habría que asumir que no la dirige Raimi, sino que es otra mas de las producciones de Disney.

Como siempre ocurre, es visualmente impactante, la diseño de vestuario impecable, los efectos divertidos y los personajes adorables; pero mas allá de eso OZ falla en su fuerza, su larga duración es justificable en el hecho de que nada pudo ser omitido, la historia debía ser contada tal y como se contó, pero el guión es demasiado flojo, hecho sin duda para las masas y de tal forma intrascendente.

El esfuerzo de Raimi se nota, en la dirección de James Franco y las actuaciones de las brujas, que son un deleite para la vista, pero también se nota el control de Disney por hacer de esta cinta una mas de su factoría.

Preocupado mas por los efectos visuales y los números musicales, es incluso falta del espíritu musical de la original, es divertido ver como los personajes van cayendo en el modelo en el que los conocimos; y los guiños a la película original como el inicio en blanco y negro, el león o los espantapájaros, e incluso la mención de un pretendiente llamado Gale (recordemos el apellido de Dorothy era Gale) son disfrutables, pero poco aportan a la mística del mundo creado.

Esta tal vez sea un critica corta, pues Oz es una película que puede ser vista y disfrutada, pero cuyas fallas sensitivas hacen que este por debajo del listón de recomendable. Una pena por Sam Raimi que parece haberse llevado un buen sueldo, pero dejado muy poco para su legado.

ZOMBIELAND SERIA UNA SERIE DE TELEVISION!

¿Amantes de los Zombies? Antes de que The Walking Dead revolucionara las series de zombies, una pelicula llamada Zombieland rozó la inovacion y creativitad en el género.

El exito fue instantáneo y la secuela mas que esperada, pero el crecimiento de sus estrellas (en ese entonces no "tan" conocidas como Jesse Eisenberg) ha jugado en contra de el proyecto.

La verdad que juntarlos a todos no iba a ningun lado, asi que los productores han decidio llevar la saga a la television.

Lamentable pero esperanzador, si es que sigue la dinamica del film. Tendremos los mismos personajes, pero interpretados por diferentes actores.

Una alternativa en la Tv para aquellos que amamos el genero!

Paul Newman y Joanne Woodward se besan en el nuevo poster del Festival de Cine de Cannes.

En los últimos años, los carteles del Festival de Cine de Cannes han sido tributos a las actrices, con Juliette Binoche, Faye Dunaway y Marilyn Monroe como musas.

Pero este 2013, es una pareja del cine clásico la que ha podido conseguir las miradas para la entrega 66 del festival.

Un beso de Paul Newman y Joanne Woodward es la imagen para el nuevo cartel para el Festival de Cine de Cannes 2013.

La pareja se resistió tradición de Hollywood del romance rápido, se conocieron en 1953, se casaron en 1958 y se mantuvo así hasta la muerte de Newman en 2008. 

Hicieron diez películas juntos y Newman dirigio a su esposa en cinco.

La imagen en el cartel - tomadas durante la filmación de "A New Kind Of Love" dirigida por Melville Shavelson en 1963 - captura perfectamente su atracción mutua y la atracción que el publico sentía por ellos.

Mark Millar y J. Romita Jr. participaran en Kick Ass 2!

Los creadores del universo y personajes de Kick Ass: Mark Millar( guionista, el de rojo) y J. Romita Jr. (ilustrador, el de negro) haran un cameo en la nueva cinta del superheroe.

Los muchachos parecen estarse diviritiendo. Millar iria con la banda de Kick Ass y los buenos, mientras que Romita se unira a The Mother Fucker.

¿Los veremos luchar cara a cara? ¡No puedo esperar!

Sofia Vergara en Nuevo poster de Machete Kills

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Nuevas imagenes del nuevo traje de The Amazing Spiderman 2

Se ha revelado el nuevo traje que usara Andrew Garfield para la secuela de The Amazin Spider-Man.

Gracias a dios parece querer encaminar mejor la saga y el nuevo traje tiende mas al diseño clásico del cómic.

La verdad la actuacion y guión de The Amazin Spider-man me hizo extrañar las versiones de Sami Raimi, pero hay que otorgarle un poco de credito a la frescura con la que sobrellevaron el volver a iniciar la saga.

Vendra ahora una nueva prespectiva mas ligada al personaje del comic, este nuevo traje me da esperanzas, solo el tiempo lo dira.

Noomi Rapace revela que ya se ha iniciado el camino hacia "Promtheus 2"

"Prometheus" fue sin duda una de las cintas mas discutidas del año que se nos fue; dejando tantas dudas en el aire y tantas ganas de mas, aun podrida decirse que el golpe esta fresco, sin embargo ya la protagonista de esta espectacular cinta la sueca Noomi Rapace revelo detalles del inicio de un secuela. Durante la conferencia de Prensa de su nueva pelicula "Dead Man Down" al ser preguntada por una posible "Prometheus 2" fue esto lo que contesto "Ellos ya están trabajando en el guión. Coincidi con Ridley en Londres un par de semanas atrás y hablamos de esto. Me encantaría trabajar con él de nuevo y sé que a él le gustaría hacer otra cinta. Es como que tenemos que encontrar la historia correcta. Seguro lo haremos.". 

Tomense todo el tiempo que necesiten, por mi parte han revivido correctamente la saga de Alien al mezclarla con las nuevas tecnologias visuales y la clasica ciencia ficcion poetica. Ganas me dan ya de analizar esta cinta con uds.

Nueva película de los Xmen uniría las dos sagas.

‎"Xmen Days of the future past" sera la continuación de la celebrada "Xmen Frist Class" , pero lo interesante es que ademas sera el punto de union entre esta y las anteriores entregas de Xmen, ya que contara con ambos grupos de actores, es decir James McAvoy y Patrick Stewart interpretaran ambos al Professor Charles Xavier lo mismo que Michael Fassbender y Ian McKellen que interpretaran a Magneto; esto se debe a que la accion se basara en el comic homonimo donde futuro y pasado se conbinan para salvar de la extincion a los mutantes, tras el ataque de los famosos centinelas. Sera tan buena como First Class? habra que esperar, no olvidemos que  dirige Bryan Singer.

El Sountrack de Warm Bodies

Es cierto que de esta película no hay en realidad mucho que decir, la idea de seguir en la linea de Crepusculo con los romances entre chicas y monstruos clasicos, pero a la vez parodiarlas no era mala, pero Warm Bodies se toma muy en serio, lo que hace que los momentos ridiculos sean mas insufribles. Pero si algo tiene de bueno es su soundtrack.

Bien dicen (o al menos digo yo) que un buen soundtrack hace mucho mejor a una pelicula; la tendencia moderna es llevar soundtracks frescos y nostálgicos a la vez, sabiendo que los jovenes siempre estan al tanto de los buenos grupos o los buenos temas. Warm Bodies trae una mezcla interesantisima de clasicos ochenteros de Bruce Springsteen, John Waite, Roy Orbison, Guns and Roses para los romanticos nostalgicos; tracks de Feist, Foy Vance  para los mas dreprimidos; Bon Iver, Delta Spirit M83 o Cad Valley para los mas modernos; y curiosos descubrimientos (al menos para mi ) como The National, The Mynabirds y Jimmy Cliff. Pero si algo se lleva las palmas para mi es Shelter form the Strom de Dylan.

En resumen un muy buen soundtrack, con algunos baches, que hizo mas disfrutable el ver esta extraña pelicula, aun asi es de resaltar el uso de estas canciones que es bueno volver a escuchar o descubrir.

1. Sitting In Limbo – Jimmy Cliff
2. Missing You – John Waite
3. The Bad In Each Other – Feist
4. Be the Song – Foy Vance
5. Patience – Guns N’ Roses
6.Shell Suite – Chad Valley
7. Hungry Heart – Bruce Springsteen
8. Shelter from the Storm – Bob Dylan
9. Hinnom, TX – Bon Iver
10. Yamaha – Delta Spirit
11. Rock You Like a Hurricane – Scorpions
12. Oh Pretty Woman – Roy Orbison
13. Midnight City – M83
14. Runaway – The National
15. Numbers Don’t Lie – The Mynabirds

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Creando una realidad ficticia: Hablando para la cámara? o Actuando por motivación?

Por mas que tu historia se situé en un escenario de la "realidad", por decir "Lima Perú domingo por la mañana en una cafetería en la Marina", aun así estas tratando con una realidad ficticia, que es la que estas armando a través de tu guión, muchas películas tienen diálogos o situaciones que no emulan a la realidad, es decir a la realidad comunicativa entre sus protagonistas.

Miremos por ejemplo las películas de ficción, Star wars, Alien y The Lord of the Ring, si lo se, les podrán parecer a algunos de ustedes películas vacías o irrelevantes, que no cuentan una realidad social o no aportan nada a la idiosincrasia de su país, pero si hay algo que podemos aprender de ellas, si hay algo rescatable que hasta a los mas críticos les puede servir, eso es su manejo de personajes, su fluidez de acción, su dinámica cinematográfica y mas resaltante, su cualidad de hacer participes de una realidad que a per se no existe, sin la complicidad de quien la mira.

Por ello en cintas como esas, crear una relación personaje-entorno-emociones es prioritario para generar una empatía con la audiencia. Bien decía Peter Jackson que en cuestión de ofrecer una historia al publico, uno debe hacer que este se conecta con el mundo y los personajes que hay en él, por ello ponía especial esfuerzo en hacer que su mundo ficticio pareciera real, pero ¿como harías tu que tu historia situada en el mundo real, parezca real?

Lo que les digo es esto, han visto ustedes aquellos cortos, o películas, donde los personajes hablan y hablan de sus problemas, en una habitación o sentados frente a frente, con la cámara tomándolos de perfil y haciendo planos a sus rostros cuando hablan, se quedan callados, como quien dice para reflexionar y luego lanzan una mirada, suspiro y se van?

Si tu eres el director de esto y como hablas del embarazo no deseado o de la violencia familiar, te parecerá que aquello esta muy bien, que hacer que tus personajes guarden respetuoso silencio, o se conmuevan hasta las lagrimas es una buena forma de expresar dolor o reflexión. Pueden estar sentados en una mesa normal, en una casa normal, pero si les hacer hablar sin pensar en si el publico se conectara con ellos, es lo mismo que estén hablando sentados en Marte, con trajes espaciales.

Como decíamos en el anterior post, las acciones definen las motivaciones, por tanto una buena sucesion de acciones hablara por si misma de los deseos y emociones de tu personaje, pero esto debes visualizarlo aun antes de escribir el guión, si en algun caso debes elegir entre una escena donde tu personaje habla de sus problemas y otra donde actua en una situacion que podra en mesa sus conflictos, siempre es mas recomendable elegir la segunda opcción.

Bien pero en que casos, si podemos hacer que nuestros personajes se habrán al publico de frente, hablando y sin acciones? El detalle es en hacer que esta conversación sea un punto de quiebre en la tensión emotiva de la historia. Para ilustrar mi punto aqui les dejo algunos ejemplos:

La conversación en el muelle marca el reencuentro de Ram con su hija, pero también nos muestra que tan solo y abatido esta el personaje y cuan deseoso de perdón y redención se encuentra, tengan en cuenta que nada de esto sirve sin la historia anterior a este encuentro.

En little miss sunshine podemos ver como las tensiones se disipan y logran unir a los miembros mas perdidos de la familia por medio de una coversacion que genera la confianza de la que carecian.

Casos especiales son aquellas películas que se basan en diálogos, pero tengan en cuenta que estos deben en si mismos contar una historia y ser dinámicos y ágiles, ademas de transmitir una idea con un fin, es decir sin entrar en rodeos ni reafirmaciones.

En Walking Life de Richard Linklater, nuestro interes es situado a la fuerza en lo que dicen los personajes, pero luego nos conectamos con sus ideas, por lo interesante y vistoso del dialogo.


Quentin Tarantino ha hecho del dialgo frente a frente una necesidad de su cine, en Pulp Fiction podemos contar hasta siete ocasiones de extenso dialogo frente a frente, lo mismo en su demas peliculas, el exito de Tarantino en este aspecto radica en que él cuenta la historia a traves de los dialogos, pero sus personajes nunca hablan de "la historia" por lo que el dialogo la hace avanzar como reflejo de la personalidad de sus personajes, es decir nunca veremos una película de Tarantino donde el asesino describa como va matar a su victima y luego lo haga, sin duda hablara con el de superman, coca-cola o música y luego le cortara la oreja, volara los cesos, o dibujara una esvastica en su frente

Wreck-It Ralph

Vivir a la sombra de Toy Story ha sido una constante,  primero para las películas animadas de Pixar y ahora, ya absorbida por Disney, también para las cintas de esta última. Wreck-it Ralph! rompe con el declive que tenía este género con una, no puedo decir menos,  asombrosa creatividad y al mismo tiempo con una historia y personajes como sola la más grande maquinaria de entretenimiento que el mundo ha visto podía hacer.

Wreck-it Ralph! vuelve los ojos a los amantes de los videojuegos, con la historia de Ralph un personaje de arcade cuyo “trabajo” es cumplir el rol que tiene en su juego y moverse a las órdenes que comanda el jugador; el conflicto se genera porque Ralph es el villano, destinado a perder siempre y vivir a la sombra del héroe, por lo que, cansado de todo esto, decide ir tras la posibilidad de obtener una preciada medalla de héroe que le dé el reconocimiento y popularidad que tanto ansia, para esto abandona su juego e ingresa a otro, embarcándose en una insospechada aventura.

Asi pues Ralph viaja por nuevos “mundos” en los que debemos resaltar el nivel de detalle y la minuciosidad del proceso creativo en el diseño de cada peculiar juego; es tal cuidado en cada vertiente del concepto, que es muy posible que no se les haya escapado nada, los escenarios de Wreck-it Ralph! tienen una calidad que rivaliza con las producciones más galardonadas de Hollywood.

A pesar de que el medio de los videjuegos ya ha sido explorado anteriormente por la misma Disney en cintas como Tron, como también por artistas independientes (Scott Pilgirm de Bryan Lee O’Malley);  Wreck-it Ralph! se siente fresca e innovadora, debido en parte a la participación del público, que se vuelve cómplice de la misma al añadir su propia experiencia, si la tuviera, al conocer los multiples videojuegos a los que se hace referencia en la cinta (Mario, Street Fighter, Sonic, Pac-man, Tapper, Mortal Combat, Crash, Frogger entre otros) cuya mención, uso parcial ó aparición de sus personajes a modo de cameo, es parte de un inteligente guión que complacerá a los mas exigentes críticos. 

Por momentos Wreck-It Ralph!  supera los mejores intentos por crear una carrera llena de arenalina que pudieran haber hecho Lucas en “The Phantom Menace”, ó los Wachonski en “Go Racer!”, iguala en climax a “The Lord of the Rings” de Jackson y aventaja en emoción y sinceridad a la más inflada "Avatar" de Cameron.

Y si algo tal vez no lleve a Wreck–It Ralph! a culminar el redondo logro de alcanzar a Toy Story esto sería las limitaciones de sus personajes y su espacio; estas afectan la empatía que generarían sus pericias  motivaciones, miedos y triunfos, si estas se desarrollaran en el mundo real, en lugar de en el mundo del arcade, como si sucede en Toy Story, Finding Nemo, Wall-E ó Up donde el mismo ambiente donde se desarrollan invitan a la identificación inmediata. Pero cada historia tiene su espacio y Wreck-it Ralph! es perfecta en el suyo propio.

Si bien Wreck-it Ralph!, mezcla Toy Story, Shreck y Monsters Inc. en una formula sin posibilidad de fracaso entre el gran público, lo mejor y más recomendable es olvidarse de todo eso y simplemente disfrutar de esta maravillosa película, que sin duda elegiría  como una de las fuertes candidatas a la mejor película animada del año.

Sherlock Holmes: A Game of Shadows

 

De difícil adquisición, el comic de Lionel Wigram en el que se basa la serie de películas de Guy Ritchie, no arroja mayor luz sobre esta nueva adaptación del famoso detective inglés, creado por Artur Conan Doyle, más que la de saber que el autor del mismo trabajo en el guión y producción de este film.

Pero qué tanto del comic ha usado Guy Ritchie y que tanto se debe al correcto guión de Kieran Mulroney y Michele Mulroney. Si bien esta odisea había empezado en el año 2009, cuando se filmó la primera de las dos entregas de la saga, no parece haber sido hasta ahora, con esta nueva adaptación, que Guy Ritchie ha dado con su Sherlock Holmes; un Holmes extraño, bastante alejado de aquel alto, obstinado y metódico ingles qué todos conocemos.

Al parecer este nuevo Holmes se basa y construye alrededor de la figura de Robert Downey Jr. más que en el personaje literario; Holmes es ahora desordena, impulsivo, autodestructivo, egoísta, cínico y, para deleite de Ritchie, un experto en las mas acrobáticas peleas, su versión de Holmes entonces va más allá de ser una hipérbole, para pasar a ser una completa reinvención de todo el universo de Doyle, en ocasiones basadas en la mofa, como es el caso, por ejemplo, de la habilidad de Holmes para el disfraz, que en la cinta se toma con humor y en contraposición con la calidad que tendría el verdadero Holmes.

La relación del detective ingles con su compañero amigo, el doctor Watson sufre también una transformación, siendo pues que Holmes se ha vuelto una versión inestable de sí mismo, ahora es Watson, antes un fiel seguidor y atónito admirador, quien lleva la lógica y la razón de la pareja y se vuelve hasta cierto punto un protector de Holmes, le cuestiona y pone en dudad todos su métodos y motivaciones, con lo cual, sorprendentemente, la dupla funciona.

Tal vez los más severos seguidores de Holmes aborrezcan este cambio tan radical, pero una vez te entregas a la idea, la cinta se deja disfrutar. La razón de que esta entrega sea superior a la anterior radica en el villano que contrarresta la voluntad de Holmes, y a diferencia del anterior su ambición es mayor, global. Su educación y conocimiento es tan vasto que equipara las habilidades de Holmes; Ritchie acierta en hacer a Moriarty la antítesis de sus personaje, es decir, dueño de una frialdad, maldad y seriedad en sus maneras y expresiones que complementa a Holmes y, en ocasiones al mismo director.

Moriarty es la clave del éxito de Sherlock Holmes A Game of Shadows. Cuando aparece en escena Richie olvida sus cámaras lentas, coreografías y enfoques en detalles mínimos, las escenas de confrontación entre ambos antagonistas parecen ser traídas de otro film, y las fuerzas de ambos actores se mueven como un mar golpeando una roca, como la flama danzando en torno al arbusto, Downey ataca con picardía al siniestro doctor, pero a no ser por una leve sonrisa, Jared Harris gesticula con sutileza la demencia y el genio de Moriarty, maquillado para palidecer su piel y acentuar las marcas que sin duda dejan en su rostros, sus muchas maquinaciones nocturnas, revela su narcisismo y como un juego de ajedrez se encara al intelecto de Holmes.

Desperdiciada Noomi Rapace, en su primera aparición en Hollywood, Rachel McAdams tan exquisita como siempre deja más huella en diez minutos que ella en todo el resto de la cinta, correcto Paul Anderson y maravilloso Stephen Fry, revelador en su interpretación de Mycroft Holmes, al imprimirle una preferencia homosexual que tal vez sea el mayor y más extraño cambio, aplicado también a la relación de Holmes-Watson sin sutileza alguna, el cual no encuentro necesario para la historia.

Intouchables

La cinta francesa de los directores de la misma nacionalidad Eric Toledano y Oliver Nakache, es una fresca, relajante y correcta fábula sobre algo más que la amistad, como podrían indicar otros, y estos se debe a la limitaciones, debilidades, fortalezas y oportunidades de los dos personajes principales.

 

La trama, basada en una historia de la vida real,  gira en torno a Philippe (Francois Cluzet), un acaudalado aristócrata tetrapléjico en busca de un enfermero que le brinde los cuidados y atención que necesita. 

 

En este contexto de oportunidad, aparece Driss (Omar Sy), un inmigrante de raza negra, que vive en un barrio marginal y que, no por necesitar trabajo, acude a la entrevista; y digo que no lo necesita porque el mismo se ha entregado a la idea de que jamás se lo darán, así que va de entrevista en entrevista, buscando solo aquella firma en el papel que le permita volverá la oficina de asistencia asocial a cobrar su subsidio de desempleo.

 

Tanto Driss como Philippe se han abandonado a conformarse con la situación en la que están viviendo, Driss en su pobreza y Philippe en su opulencia; este vínculo común que les une, les hace necesitarse el uno al otro, digamos porque ambos también tienen algo que el otro necesita.

 

Si bien Philippe es un tetrapléjico, no es la voluntad de la mente lo que le falta, la suya a estado ocupada en su negocios y su cultura, su fortaleza se apoya en su moral, educación y recursos, que le permiten una visión más global de lo que el interpreta como bienestar. Él a diferencia de Driss ha madurado a cierto punto donde reconoce que el cuidado de quienes le rodean es primordial, pero al mismo tiempo ignora que este bienestar no solo se basa en las comodidades materiales.
 

Aquí es donde la visión pueril de Driss le vuelve los ojos al disfrute de su vida, Driss no le trata con ceremonias ni reverencias, su carácter le impide ser socialmente correcto, se divierte y molesta con igual alegría, volviéndose aquella fuerza y entusiasmo del que Philipe carece.  Poco a poco la complementación se hace más profunda, Driss asume con mayor madurez el cuidado de sus seres queridos, dejando atrás su egoísmo, y Philippe aprende a quererse más a si mismo con alegría y esperanza por el futuro.
 

En el camino Intouchables está acompañada por un excelente soundtrack que vale la pena resaltar, y que,  casi como si de una fiesta se tratase, acompaña muy bien la fotografía de, llena de brillantes contrastes en azules, grises,  y tonos cálidos de marrón y amarillo; el ambiente de opulencia de Philippe nos permite visitar grandes salones y pasear por la siempre iluminada Paris.
 

Intouchables es un delicado y radiante disfrute, que aboga por la vitalidad, muy entretenida y sumamente recomendable, véala con la familia, solo o con amigos.