The host

Lo interesante de Bong Joon-Ho, como muchos de los cineastas modernos esta en el alcance de sus influencias y en un estilo de hacer un collage de su cine, pero adoptando una mirada personal y en este caso bastante atractiva.

Bong Joon-Ho, diria yo, es el que mejor representa esa peculiaridad que el cine asiatico a logrado alcanzar, la de ser comercial y original al mismo tiempo, aceptando el cine de genero como una posibilidad para trasnmitir la cultura y el modo de vida de su pais, es casi como si se hubieran hecho la pregunta: ¿Que pasaria si los de la nave Nostromo fueramos coreanos, que clase de pelicula seria?

Pero el fenomeno no se detiene alli, aqui en el Peru recientemente tenemos la oportunidad de tener este film en cartelera, dos años despues de su estreno y resulta una experiencia energizante poderlo ver en pantalla gigante y tener la emocion de estar rodeado de las reacciones de muchos otros espectadores, lo que me hace notar el verdadero sentido del cine de Bong Joon-Ho.

La idiosincracia coreana funciona perfectamente en nuestro pais, lo que hace que el publico llegue a compenetrarse con la trama de una manera impactante, gracias a la identificacion con los personajes, cada broma, que pareciera inecesaria para la trama principal hace que cada vez mas y mas el publico acepte la pelicula como una expriencia propia, un fenomeno muy similar a lo que ocurria hace ya mucho tiempo con el cine de Charles Chaplin, la emociones son universales, la curiosidad tambien lo es, solo hay que saber por donde inyectarlos, el cine de Bong Joon-Ho mantiene esta pauta: hazlos reir, dales lo que quieren, muestra de donde vienes y que problemas te aquejan a diario.

Esperamos que Bong Joon-Ho no deje de usar este metodo, que no solo funciona, sino que tiene infinitas posibilidades e historias que contar.

Violent Cop

La primera escena de Violent Cop nos muestra a un grupo de niños golpeando a un vagabundo sin motivo alguno aparente, por simple diversion, enseñandonos asi como la violencia es inherente a las personas de cualquier edad y permanece impune en el anonimato.

Es en esta lucha contra la violencia del mundo y la vida que Kitano en su personaje de policia enfrenta a la fuerza con fuerza, ira con ira y no oculta sus motivaciones inflingiendo el castigo necesario a la altura del crimen. Takeshi Kitano nos relata un thriller policial fuera de lo comun, mas sencillo en argumento que otros que hayan visto, pero al mismo tiempo totalmente diferente, debido a los personajes que rodean a Azuma, en especial el de su hermana con retraso metal que escenifica el ultimo encaramiento que hace Azuma a la violencia de la vida.

A lo largo de la película podemos apreciar los rasgos que han hecho destacable el cine de Kitano como el ritmo pausado y su interesantes tomas lentas y angulos no comunes, su extraño humor negro y el realismo con el que presenta a sus heroes y una trama que no pierde el interes del publico y que va desencadenando en uno de los policiales nipones que no nos debemos perder.

Casino Royale

Decir James Bond, suena casi irrisorio, porque ya con mas de 20 peliculas y decadas de ver al espia britanico decir una y otra vez "My name is Bond...", toda la franquicia llevaba consigo un olor a parodia de si misma, que no tenia cabida en los tiempos donde el publico va masivamente a ver mas y mas heroes solitarios, asesinos y explosiones al cine, pero que ya no cree en invulnerabilidades, en tiempos donde todo parece cuestionarse y ser mas fragil.

Asi llega Casino Royale, la sacudida de cabeza mas inteligente que he visto hacer sobre una franquicia, todo un proceso minuscioso de grandes notas para traer a la vida a un nuevo James Bond, en todos los sentidos, partiendo de los creditos iniciales que nos traen a Chris Cornell cantando "You know my name", donde claramente podemos sentir el sabor de una pelicula mas reflexiva que todas las anteriores de la saga Bond.

La cancion nos grita: "tu no eres nada divino", "sobreponte tu solo, porque nadie esta tratando de salvarte", "la sangre mas fria corre por mis venas, tu sabes cual es mi nombre", asi es, ya sabiamos el nombre, esta pelicula nos trae mas a un ser humano comun, definitivamente no es gratuito que se desmitifiquen las chicas Bond, los villanos y la cualidad de Bond de permancer indiferente al dolor. Sin embargo las explosiones y las persecuciones habituales no son eliminadas, pero no cansan y son un aire de relajo para los niveles mas tensos donde Bond debe cargar con su alma.

Lo interesante de Casino Royale es tambien su increible guión, tan fresco que hace parecer real la caceria hacia Le Chiffre, como un juego de cartas donde cada una lleva replantar la estrategia, donde la reina de corazones llega a mitad del juego para dar esperanzas de redención y la ultima carta acaba por llevarse el alma de Bond.

Altamente recomendable, aun para los que se quejaron de la falta elegancia del nuevo Bond, toda Casino Royale es un elegante juego mental, donde puedes irte desde el principio ó elevar la apuesta hasta el final.

Paranoid Park

Se dice que Paranoid Park no esta hecha para adolescentes, claro lo dicen criticos adultos, que podria decir, no comprenden los sentimientos de soledad e inseguridad propios de la edad, mas aun de los chicos de estos tiempos modernos, de estres y desconexión, de la misma forma en Paranoid Park los adultos parece distantes, casi inexistentes, solo se muestran cuando de verdad tocan al protagonista como en el caso del detective Lu o el padre de Alex.

Paranoid es casi una epítome del cine moderno, lo tiene casi todo, el ritmo lento y acelerado, la musica desconectada, el tiempo alterado como un rompecabezas y a Christopher Doyle de director de fotografía, increiblemente las mismas formulas que se usan para narrar las historias modernas sobre sentimientos adultos, funcionan para los adolescentes, la incompresion, la necesidad de una salvacion.

El cine moderno prefiere desligarse del guión para usar la imagen y los rostros como espejos de nuestras propias emociones, como cuando todo parece ser ajeno, lejano, como en un sueño, los skates se ratelerizan, los movimientos son suaves, los chicos despejan la mente con solo mirar hacia otro lado, a fin de cuentas en esos casos no hay mucho que decir, es un grito silencioso.

Asi mismo soluciona Alex el asesinato del guardia de seguridad, como soluciona sus problemas familiares, el dolor es tan grande, que sin poder soportalo solo lo expulsa fuera de si, toma distancia de él y luego lo olvida para dejarlo pasar como si nunca hubiese ocurrido.

Happy Together

1997: Wong Kar Wai gana el premio a mejor director en el festival de cine de Cannes por Happy Together.

Comienzo a escribir queriendo saber a que se debe el triunfo de Kar Wai en esta categoria y talvez mi respuesta podria encontrar el inico de su camino en el bagaje cultural e historico del director, que desemboca en un film por momentos anti-existencialista, finalmente existencialista, poetico, visual y lleno de la escencia de Hong Kong.

Podria decirse que hacemos nuestras vidas al vivirlas y que la libertad que tenemos es infinita, pero la realidad es que gran parte de lo que somos viene condicionado por pequeños detalles que nos "escalvizan", como son las personas con las que nos relacionamos , el lugar donde crecemos , la econonomia que tenemos , el amor que recibimos, la cultura que aceptamos, todo va dando forma a una especie de personalidad colectiva, que etiqueta el como actuamos, las cosas que añoramos, ciudades, lugares donde nos reconocemos al espejo y reconocemos a nuestros vecinos. Happy together es tambien la historia de estar lejos de todo eso, es tambien la historia del exilio y la soledad.

Los dos personajes se aman, se odian y estan lejos el uno del otro, asi como un pedazo de la cotidianidad se rompe, asi se rompe lo que mas aman y es la carencia de la seguridad lo que genera su sufrimiento, no solo estan aislados en una ciudad ajena a la suya, no solo estan aislados de la sociedad por su nacionalidad, por su sexualidad, tambien estan aislados el uno del otro.

¿Cómo genera Kar Wai tal sentimiento en la pantalla?, pues se vale de todo, sugestiona a sus actores teniendolos meses lejos de hong kong, sin tener una idea de lo que quiere que la pelicula sea, filmando una y otra vez historias que se encuentran, que se marchan, muertes y resurrecciones, exactamente como son las relaciones de ambos personajes, un caotico desenfreno, un correr a ningun lado, solo por el hecho de estar juntos, sabiendo que hay algo que finalmente estara bien, que hay una salvación, representada por las cataratas de Iguazu, que es el motivo de todo el viaje, finalmente estar alli, felices, juntos.

Finalmente esas mismas cataratas se covierten en otra cosa, luego de tanto sufrimiento y decepcion, es la puerta de purificacion hacia una nueva vida, del nuevo comienzo que para el personaje de Tony Leung, que empieza al econtrar la via de salida hacia la objetividad sobre su sufrimiento, en el personaje de Chang Chen, el joven con el que desarrolla una amistad de comprensión y que le ayuda a abandonar a Ho Po-Wing y regresar a Hong Kong, sin culpas y reconciliandose consigo mismo.

Lo interesante del arte, con respecto a todo lo demas, es la cualidad de, al ser subjetivo, encapsular y preservar emociones para que alguien mas las experimente y las haga propias, este arte en el cine es un proceso humano de lo mas dificil y casi siempre se recurre a la objetividad del discurso, claro, una imagen dice mas que mil palabras, pero no siempre trasmite tanto, el balance armonioso imagen-sonido-mensaje es para suerte y genialidad de Wong Kar Wai la mayor cualidad de Happy Together.

Zatoichi

En el oficio de realizar film de accion muchas son las reglas a seguir, en cuanto a evolucion de la historia y tratamiento de los personajes y es en ese aspecto que el cine oriental ha desarrollado a lo largo de su historia, canones y formulas a las que cada director ha agregado su propia vision, como en el caso del cine épico chino ó wuxia-pan y en este caso el cine epico japones ó chambara y sinembargo el poder hacer cine por el simple hecho de imitar formulas comercialmente funcionales parece ser algo que muy pocas veces a perturbado a los asiaticos y especialmente a los japoneses, debido a que poseen una amplia vision del "director como autor", como ocurre en el caso del director japones Takeshi Kitano, conocido por su tematica de la violencia, humor, amor, redencion y salvacion, pero tambien por su inovacion tecnica y vision cinematografica y que personifica la fuerza del director y como debe imponerse como artifice del proceso de crear una pelicula, de lo cual podemos encontrar muchos ejemplos en su filmografia, desde su debut en Violent Cop hasta su más reciente gran exito, Zaotichi.

En este film asistimos de la mano de Takeshi Kitano a una clara ejemplificación de la conocida frase de Rafael Azcona: "El cine de ahora no proviene de la vida, proviene del cine" y es asi Kitano decide entonces rescatar a Zatoichi, un personaje de la imaginaria nipona, para inyectarlo con sus propios métodos y manías cinematográficas, dandole un brío distinto y un estilo nuevo y fresco, al mismo tiempo que preserva las multiples visiones y lenguajes de género que forman parte de los canones antes mencionados. Kitano se deleita a si mismo, creando un film de samurais emulador del gran cine japones de los 60, pero con la vision del cine de yakuzas que tanto ama, en una linea sucesora de "el cine por el cine" que emparenta au Zatoichi con los wensters de Leone, las chambaras de Kurosawa, los yakuza films de Kinji Fukasaku y las fanservice de violencia y sangre a litros de Kenji Misumi y Toshiya Fujita y aun asi un seguidor de la trayectoria de Kitano podra ver Zatoichi y decir: este es un film de Takeshi Kitano y no solo un collage de generos.

¿Cabria preguntarnos a que se debe esta afirmacion?, solo un verdadero seguidor de Kitano podria notar los multiples detalles que convierten Zatoichi en un film mas alla de la comercializacion y a la vez conservan la emoción de hacer cine en estado puro, pero el espectador avezado podra notar como Kitano malabarea los efectos tecnicos de un film de esta clase y su propio estilo crudo y imprevisible, mezclando esta vez su slapstick mas descabellado y el humor ya caracteristico de su cine, con la gran trabajo de direccion refelejado en actuaciones sobresalientes, tomas dinamicas y el ritmo unico que solo Kitano podia imponer en Zatoichi.

¿De donde nace entonces esta version metamorfeada de Zatoichi?, este film engloba en cierta forma uno de los preceptos que se buscan estudiar en este ciclo de cine asiatico que estamos organizando, y es que Kitano comprende que el devenir de los tiempos cambia el modo en que los generos son asimilados por el publico, un reflejo de los tiempos actuales establezara un mayor impacto en la audencia, los personajes se transforman como influenciados por un entorno fuera de la pantalla, asi como en los 20 el desenfado y despreocupacion de los ronins de Shozo Makino es cambiado por la guerra en los 30 y 40 por los samurais sin mancha, paladines de la bravura y honor japones muy necesaria como propaganda politica pro belica, para dar paso a la época dorada del 50 donde los samurais de las postguerra de Kurosawa, reflexionan sobre tematicas como ¿quien posee la verdad?, ¿a que nos lleva realmente defender algun ideal?, para luego volverse a partir de los 60 en otra expresion mas del arte pop con films como el mismisimo Zatoichi y continuar asi hasta el 70 donde las violencia se hiperbolizo a extremos artisticos en Lady Snowblood y Lone Wolf and Cub que son el estilo que ha llegado hasta nuestros dias, hasta que Takeshi Kitano lo renueva hacia nuestra realidad inyectando su moderna vision de la violencia, lo que hace a este film no solo el mas accesible de su filmografia, sino uno de los mas representativos en cuanto a realizar films que reflejen nuestros tiempos, aun asi estos se basen en generos tan tradicionales como un film de samurais.

Citizen Dog

La tendencia a unir el realismo magico con una historia de amor y fantasia parecer ir de mano en mano de los directores mas poeticos partiendo desde Wong Kar Wai y su Chungking Express, pasando por Jean-Pierre Jeunet y llegando esta vez a las manos del tailandes Wisit Sasanatieng y su Citizen Dog, pero envolver a estos tres directores bajo un mismo titulo no sería lo correcto, basandonos solo en el hecho comun de sus aparentes tramas.

Si analizamos lo distintas que son sus peliculas, podremos notar que las diferencias las convierten en entes tan distantes que insistir en su similitud solo nos cegará ante la verdadera escencia que cada director impuso en su film. En Citizen Dog la historia de busqueda de la felicidad basada en el amor tiene como transfondo de critica social de las grandes ubres, en este caso Bangok, sus habitantes y sus manias, producto de un modo de vida rapido y sin direccion, cuya unica salvacion se encontra en el amor que todos necesitamos, por eso, ya desde primera escena Sasanatieng nos muestra como la historia que estamos a punto de ver es el camino de la salvacion de toda una ciudad y no solo el amor aislado de una pareja de amantes, con su conmovedora escena de apertura Citizen Dog nos abre el telon de toda una gamma de metaforas y personajes representativos de cada mal que aqueja a la sociedad actual.

El conformismo, la soledad, la incomunicacion, la industralizacion, el fanatismo, la inseguridad y la busqueda de la felicidad basada en una farsa, se nos muestran en las figuras que abren y cierran los capitulos de Citizen Dog, emarcados en una estetica cautivante y bajo una gran direccion que no hace mas que confirmar el gran talento de Wisit Sasanatieng, como artifice en la creacion de realidades emotivas de gran imaginación.

Finalmente Wisit Sasanatieng nos deja, y sus personajes nos quedan dando vueltas, el discurso es claro, pero el director ha fallado en aplicarlo, todo resulta tan obvio que la forma del film se desfigura y tiene uno la sensacion de que nunca hubo un detonante de reflexion inconsciente, mucha mas poderosa que un discurso, creo yo, y que solo nos queda la opccion de poner en palabras las imagenes de Sasanatieng.

Citizen Dog, en mi opinion personal, no alcanza el gran sentido artistico, ni la trascendencia de otras producciones Tailandesas, pero ¿quien soy yo para privarlos de este cine?, solo la experimentacion personal del film tiene la ultima palabra.

Chungking Express

¿Qué no se ha dicho ya de Chungking Express?, la mitica pelicula que abrio las puertas del occidente a su director, una de las mas frescas de su filmogafria y en la que un joven Wong Kar Wai decidio rodar una rapida rock and roll movie mezclada con el cine policial clasico de Hong Kong de directores como John Woo, una marcada influencia del cine frances de los 60 y los atisbos de lo que luego seria su marca de autoria: la tematica del amor y el olvido.

Como una cumbre de un primer periodo en su cine, Chungking Express se revela como una refrescante pausa en la carrera de Wong kar wai, en el que se puede observar el claro ejemplo de como llevar a cabo ideas de autoria cinefila combinadas con tematica de género. En Chungking Express se parte de estructuras simples como el cine hongkones de gansters y los films de romance para fundirlos con personajes que se contraponen en las dos mitades en las que, Wong kar wai considera, se dividen los amantes.

Como si de una novela moderna de Cervantes se tratara, se nos presentan dos tipos de amantes: un impulsor de pasion y desdicha siempre mirando hacia el futuro sin preocuparse mucho por el presente o el pasado y un soñador esperanzado en mirar hacia el ayer, siempre entre el limite de dejarlo ir o quedarse para siempre en el, lo cual se repite en ocasiones en la filmografia de Wong kar wai, en cintas como Happy Together ó 2046, tomando matices mas dramaticos que los presentados en la aparentemente liviana Chungking Express.

Para inyectarle dinamismo y belleza a su obra Wong kar wai recurre a otro elemento, aparte de la excelente fotografía a cargo de Christopher Doyle, al crear un ritmo narrativo con el que divide la obra en dos: una primera parte de ritmo acelerado, muy propio para su tematica, y una segunda mas lenta, pero igualmente cautivante que su predecesora, como si de un juego se tratara en el las reglas siempre son el amor, pero cuyos jugadores y elementos cambian, las dos narraciones contrastan y sinembargo no se pierde la continuidad, debido a la gran capacidad del director de ocultar en dos partes lo que basicamente es un solo punto de vista.

Last life in the universe

En la vida, los caminos de la soledad son variados, tantos como personas hay en este mundo globalizado en el que los medios de comunicacion ya no nos comunican con nadie y nuestra propia desproteccion y fragilidad se hace mas palpable. Aun asi el cine continua siendo una ventana al alma humana y una forma de comunicarnos con nosotros mismos en una comunion con las emociones que la gran pantalla nos regala y en este caso, gracias a Last Life in The Universe, nos permite entrar en contacto con dos de estos tipos de caminos hacia la soledad: la incomprension y la soledad que nos imponemos a causa de ella, y el sufrimiento y la soledad que se nos es impuesta.

Partiendo de esta premisa Pen-ek Pen-ek Ratanaruang se desvive por crear un film astutamente misterioso, donde las respuestas no pueden darse claramente, porque talvez ni el mismo las sepa, dada la naturaleza del tema tratado y donde solo podrá dejar fluir el cine y confiar en su fotografo y en sus actores basandose en ideas e imagenes que confluyan en trazar un camino para la evolucion de estas, de esa misma forma este texto, ni ningun otro, talvez, puedan acercarse a la verdad y solo el espectador podra evaluar interiormente el significado de estas verdades invisibles que Pen-ek Pen-ek Ratanaruang nos presenta creando una obra de arte compleja en interpretacion y simple en belleza, donde la tematica se refleja en la tecnica utilizada y la interpretacion no puede despegarse del concepto, el ritmo pausado melancolico reflejan no solo la sosedad del camino que Kenji recorre en su soledad, la apatia y el sosiego de una lagartija que ha descubierto que se encuentra sola, (aunque en este sentido aun no me queda claro si es porque esta alejada de sus amigos y enemigos o porque, culpa de su intelectualidad y caracter, no tiene ni los unos ni los otros) sino tambien lo lento y complejo que es el camino de la salvacion y redención de esta soledad.

Aqui es donde la figura de Christopher Doyle se vuelve tan omnipresente como la de Pen-ek Ratanaruang en retratar la contraposion del mundo de soledad en el que Kenji vive, de colores grises, con el mundo de inesperada soledad en que se encontrará Noi, donde sus sentientos aun se ocultan bajo los tonos brillantes de su entorno, pero cuya vida se ve totalmente destrozada por la tragedia que la deja sola, para que luego ambos, Doyle y Ratanuang, tomen caminos distintos, cuando Pen-ek Pen-ek Ratanaruang trabaje la psicologia de los personajes para covertirlos en una misma persona, mientras que Doyle tenga el trabajo de volcar sus colores en hacerlos parecer, aún, dos personas diferentes.

Asi a través del film, las dos personalidades opuestas, establecidas para recalcar el hecho de las diferencias sin importancia, llegan a experimentar un mismo estado emocional que acabará por unir sus vidas, más alla de las barreras idiomaticas, sociales y culturales, que parecian separar a los humanos, cuando Kenji finalmente encuentre the last life in the Universe que ha de salvar la suya...

... es en ese momento que el titulo del film aparece.

Memories of Murder

El nacimiento de cualquier tipo de genero narrativo, sea este literario o filmico radica en el reflejo de una realidad social, psicológica o emocional del ser humano, los canones que rigen estos géneros se basan en la empresa de hacerlos accesibles al espectador y es por eso que estos géneros tiene los mismos personajes estereotipados y situaciones especificas, de las cuales Memories of Murder no es la excepción, ya que en ella podemos ver todos los elementos del cine de genero thriller en su uso habitual y en su estructura clasica. Cabe preguntarnos entonces: ¿Por qué entonces Memories of Murder es un film distinto a los ya antes vistos?

Bong Joong-ho es un director que apuesta por el cine de genero consciente de que el espectador es en escencia el mismo ser humano de hace cincuenta años y que su respuesta es mas favorable a algo ya establecido y conocido. A partir de ahi Bong Joong-ho jugara sus cartas para colocar de transfondo toda una tematica social que reflejara la historia e idiosincracia de Corea, como si de un testamento de su existencia y realidad se tratase y es en esta cualidad que se encuentra el punto mas valioso de Memories of Murder, como ejemplo de cine y como guia de como utilizar los generos para llamar la atencion del gran publico, asi Bong Joong-ho puede mostrarnos la vulnerabilidad del ciudadano y como en una situacion de extremo peligro y necesidad el individuo se encuentra solo ante el peligro, hecho que es de vital importancia en nuestra realidad social donde esta lamentable verdad es palpable dia a dia, en algunos tristes casos de apatia policial y amoralidad que porsupuesto no son reflejo de todo el fuerzo y rectitud moral que tambien existe en los elementos policiales. De la misma forma Memories of Murder nos muestra la dos caras de esta moneda en sus dos personajes principales y en un tercero, el ente institucional policial, invisible e indiferente ante el pequeño problema que surge en una epoca de caos mayor con el vecino del norte.

Si pudieramos aprender de este cine, adaptar este concepto que ha desembocado en un fenomeno artistico y comercial, como pocas veces se habia visto en la historia, podriamos culminar una era donde nuestros realizadores preocupados por contar algo sobre nuestro pais o darle un punto de vista, en algunos casos excesivamente personal, a su obra, descuidan uno de los puntos escenciales del concepto de cine, ademas de su caracter artistico y expresivo: el cine es esencialmente un acto de circo donde el espectador espera ser asombrado, donde se busca viajar a traves de una historia a lugares donde en sus vida cotidiana talvez nunca ha estado, con esta base las reglas estan alli para jugar con ellas, los esteriotipos funcionan gracias al inconsciente colectivo, maniobrandolos uno puede imponer su cine de autor y a la vez llevar al gran publico al cine, no es un defecto realizar un film del que disfruten las masas, Bong Joong-ho no hace mas que mostrarnos su camino, nosotros debemos recorrer el nuestro.

Ichi The Killer

Adrentarse en la mente humana con un discurso metafisico basado en la construccion de personajes y situaciones que emulen las reales usando el cine como un espejo de la realidad, parece ser el método mas directo, perceptible y efectivo para comprender e influir la psique del espectador. En el cine gore por otro lado se reproduce el mensaje hiperbolizandolo al punto de la teatralidad, para que el espectador no reflexione sobre el, sino que, totalmente inconsciente del juego en el que sus emociones se encuentran, experimente todas las sensaciones y posturas morales, con un estado mental que el filme logra desnudar haciéndolo participe de una emoción humana colectiva, tan innata y subconsciente que al acabar de ver Ichi The Killer, no podemos explicar con palabras por qué hemos disfrutado de dos horas de hiperviolencia y sadismo, al punto de volvernos participes de las mismas.

En esos términos, muy pocos géneros como el gore cambian el rol del espectador al de complice, pues cuando nuestra retina se impregna de un espectáculo que es ajeno a nuestra moralidad, tenemos la opcción de apartalo e ignorarlo, pero justamente ahí radica la genialidad de los directores de cine gore, ellos se tornan en titiretos y mueven los hilos que hacen que volteemos nuestras cabezas y no podamos dejar de ver a la pantalla, estos hilos pueden presentarse en variadas formas, Takashi Miike opta por otra emoción muy parecida a la esencia emocional del gore, como si de su contraparte se tratara, e instaura el apego emocional necesario para hacernos ver su Ichi The Killer en el humor, inyectandolo tan apegado a la violencia que las sonrisas y hasta las carcajadas parecen venir de ningun lado, jugando con los esteriotipados personajes japoneses Miike crea a la vez una comedia y un testamento psicologico como muy pocas veces se ha visto, para ello va mas alla de donde otros directores se han atrevido a llegar, a costa de su propio prestigio y a riesgo de ser incomprendido, introduce imagenes perturbadoras agrede, lo mas extremas posibles, pues es totalmente necesario llegar a estos extremos para que el espectador finalmente se precate que esta bailando la danza que él queria. Con esto Miike nos escupe en la cara la verdad de la psique moderna cinefila, la cual se ha vuelto, en pocos pero significativos casos, una consumidora de dolor, sufrimiento y violencia como una forma de entretenimiento, cabe preguntarnos si Ichi The Killer es una denunciadora, o si es una participe de este fenomeno sociologico, pero, creo yo, su valor artistico la salva y la excluye en parte de ese nivel.

Más alla de este exquisito rol que el director juega en su pelicula, el film se disfruta gracias a la belleza de sus imagenes y Miike sabe como valerse de todo el colorido, luz, sombra, espacio y vacio que necesita para hacer de algo mostruoso un cuadro esteticamente atrayente. Asi, Ichi The Killer se mece en la sinrazón con el fin de generar estetica con la que se induce en el espectador la sensacion de haber visto una gran obra, sin saber exactamente por qué.